1 comment
Posted in ,

Roman Bunka - Dein Kopf ist ein schlafendes Auto (1980)


Roman Bunka to znakomity i wszechstronny gitarzysta mający na swoim koncie grę w tak znanych niemieckich zespołach jak : Embryo, Missus Beastly, Guru Guru czy Area. Oprócz tego jego artystyczny dorobek obejmuje udaną współpracę z wieloma znanymi i cenionymi twórcami muzyki  etnicznej. Przedstawione na tym albumie nagrania zostały zarejestrowane w legendarnym szwajcarskim Sunrise Studio w dniach 21-28 lipca 1980 a jedna kompozycja na koncercie w Monachium w 1980 roku. Muzyka tu zaprezentowana to wyjątkowe oraz pełne różnorodnych tematów połączenie rocka awangardowego i jazzu z licznymi wycieczkami w orientalne okolice.



Born in 1951, Bunka´s biography may be considered a chapter in contemporary German music history. Working with the pioneering German avant-garde / rock / jazz and world-music group Embryo (portrayed in "Vagabundenkarawane", a documentary by director Werner Penzel) Roman Bunka broke new ground with his Eastern-influenced guitar playing and composing (featured on "Embryo´s Reise", Schneeball Rec.).

In India, in 1976 he performed in concert for the first time with world-renowned percussionist and composer Trilok Gurtu. To pursue his musical development in a microtonal and modal direction, Bunka searched for a second, more suitable stringed instrument. He discovered the Arabic lute or "oud", the fretless mother of the guitar.

His first solo album ("Dein Kopf ist ein schlafendes Auto" recorded in 1980 re-released by ATM-records) presented a blend of avant-garde rock with Oriental melodies. Released in the same period was the more jazz / rock fusion oriented album "Live!", rec. 1979 with the grup Aera. After concerts with Okay Temiz in Turkey, Bunka chose Cairo as his musical refuge in the Arab world during the 1980's.

There he met the immensely popular Nubian singer Mohamed Mounir. They began a collaboration that was to influence the course of Egyptian pop music, lending a note of sophistication and international influence to the genre. One of the many highlights of Bunka´s work with Mounir as arranger and oud soloist, was their appearance in the 1992 Mediterranean Culture Festival in Nimes France, as Egypt´s representatives. (CD: Mohamed Mounir, Line Rec.)

With solo-concerts in Tunis (Festival de la Medina), Cairo, Damascus, Aleppo and Beirut as well as in Lanzarote with the group Vox (CD: Spain to Spain, Erdenklang Rec.); and his performance at the Jazz Festival in Granada, Bunka, according to P. Pannke, brought his "very personal journey to explore the world of Arabic music" closer to a growing world-music audience.



Bunka´s credits as studio musician include work with one of Algeria´s best known singers Hamid Baroudi and the German Ethno-pop group Dissidenten. He also performed with Nagaswaran-player Roland Schaeffer and masterdrummer Paramashivam Pilai, The Karnataka College of Percussion, Charlie Mariano and Edgar Hofmann.

Roman Bunka composed the score and provided musical direction for the feature film "Al Oud" (Director: Fritz Baumann) that won the Gold Hugo at the 1992 Chicago International Film Festival. While shooting, he became involved with the violin virtuoso Abdo Dagir from Cairo, and was largely responsible for introducing the works of this master composer and musician to the Western world. (CD "Malik-a-Taksim" ENJA Rec.) He studied under Abdo Dagir and toured with his ensemble throughout Europe and Egypt.

Bunka wrote musical scores for the films "Warshots" and "Ende einer Reise" by Heiner Stadler (Bavarian Film Prize 1992), and a film based on three short-stories by Paul Bowles entitled "Halbmond" by Frieder Schlaich. This work established Bunka as a composer capable of using his oriental sound collages to skillfully advance the dramatic action in films. In 1998 with the Spanish Flamenco guitarist Tomatito he composed and recorded the music for the film "Bin ich schön!?", directed by the prominent German film director Doris Dörrie. ( Soundtrack on Virgin Rec.)

Crossing over to yet another media, Bunka, in collaboration with Grace Yoon, produced several radio-plays for German Radio. The BBC awarded the "Prix Futura 1993" to the one entitled "Tunguska-Guska". This and Bunka and Yoon´s radio-play "Earborn" are available on CD (Schneeball and Jaro Rec.).

Bunka´s award-winning work also includes the live recording of his project "Color Me Cairo" featuring the Fathy Salama Ensemble from Egypt and Malachi Favors from the legendary "Art Ensemble of Chicago". It appeared on the ENJA label and received the German Record Critics Prize. ("Color me Cairo", ENJA rec.)

Ever the musical pioneer, in 1999 Bunka and his group ( featuring indian percussionist Ramesh Shotam and japanese violinist Hiromi Nishida) performed at the first Oriental-Jazz-Festival in Beirut. To celebrate the new millennium, he participated (with Mal Waldron, Jeanne Lee, Tri-O, Peter Dicke and Blixa Bargeld ) in Grace Yoon´s multimedia-event "Illusion des Endes". (WDR 1999).

The year 2000 was launched at a live concert event in front of the Great Pyramids at Giza with Egyptian singer Mohamed Mounir. Currently he is playing oud in the trio Orientacion with Jost Hecker on cello and Luis Borda on acoustic guitar.(progarchives)

link in comments 
5 comments
Posted in , ,

Stanisław Czycz (1929 - 1996)


Nie szokował, nie prowokował. Żył na uboczu, zaszyty w swym mieszkaniu. Samotny, nienawidzący świata i lękający się go, miał jednak wielu przyjaciół. W najprostszych życiowych sytuacjach często po prostu bezradny.

Gdy 6 lipca 1996 roku na cmentarzu w Krzeszowicach grono przyjaciół żegnało Stanisława Czycza, niemal wszystkim wydawało się, że ten niezwykle ceniony, acz mało znany poeta i prozaik, odchodzi w zapomnienie. Dziś już wiemy, jak bardzo się wtedy myliliśmy. Czycz jest nadal czytany i naprawdę wielbiony. Na naszych oczach rodzi się kolejna literacka legenda. Ale taki właśnie jest los wielu "poetów przeklętych". Niekonwencjonalnych osobowości, nie do końca zrozumianych przez otoczenie. Oryginalnych artystów, bezkompromisowych, niekiedy - skandalistów, podporządkowujących całe życie sztuce. Odchodzących ze świata w efektownym, acz z reguły tragicznym stylu.

Niektórzy, jak Rafał Wojaczek, otoczeni gronem akolitów i naśladowców, stają się sławni już za życia. Inni, jak Edward Stachura, Ryszard Milczewski - Bruno czy właśnie Stanisław Czycz, muszą umrzeć, by zakosztować prawdziwej sławy i uznania. "Pewne koncerty zaczynają się, gdy instrumenty są już odłożone" - mówił podczas pogrzebu Czycza Bogusław Żurakowski, cytując jeden z jego wierszy. W cztery lata po śmierci Stanisław Czycz, poeta i pisarz być może przeklęty, a na pewno zbyt mało znany, został patronem konkursu poetyckiego, który odbył się w Krakowie podczas Poetyckiego Festiwalu "Zapowiadających się..." . Od kilku lat dla młodych poetów i nie tylko dla nich, Czycz staje się pisarzem kultowym. Jest czytany, komentowany. Jego książki, od lat nie wznawiane, błyskawicznie znikają z półek antykwariatów, giną nawet z bibliotek.

- Fascynuje nas jego osobność, funkcjonowanie poza głównym obiegiem literackim, stosunek do świata. W swoich książkach prozatorskich Czycz pisał przede wszystkim o fenomenie młodości, a właśnie młodość to jedno z haseł naszego festiwalu. Dlatego na patrona festiwalowej nagrody wybraliśmy właśnie jego, a nie Szymborską czy Miłosza, poetów znanych wszystkim - mówi Piotr Marecki, młody pracownik naukowy UJ, pomysłodawca festiwalu.


Czycz nie był jednak klasycznym "poetą przeklętym". Zmarł w 67. roku życia, banalnie, na serce, upadłszy na krakowskim Kleparzu podczas powrotu z zakupów. Wyjąwszy lata młodzieńcze, nie wywoływał głośnych skandali, nie szokował, nie prowokował. Żył na uboczu, zaszyty w swym mieszkaniu w krakowskim Domu Literatów przy ul. Krupniczej. Samotny, nienawidzący świata i lękający się go, miał jednak wielu przyjaciół. W najprostszych życiowych sytuacjach często po prostu bezradny. Niekiedy wręcz świadomie pozujący - chwalił się wielokrotnie, iż nigdy nie był w kościele Mariackim ani na Wawelu.

Żyjący bardzo skromnie abnegat, bez stałej pracy, przez lata utrzymujący się jedynie z pisania, później z niewysokiej renty. Używający niezwykle plugawego języka, aczkolwiek pełen ciepła i uroku. Nie zawsze zrozumiany, zmagający się z samym sobą, ze swoimi licznymi chorobami, wreszcie ze słowem, z literaturą, która była dla niego sensem życia. W książce wspomnieniowej, zatytułowanej "Stanisław Czycz. Mistrz Cierpienia" Wisława Szymborska określiła go mianem "artysty - cygana".

I tak to chyba naprawdę było. W wywiadzie, udzielonym Krzysztofowi Lisowskiemu, Czycz wspominał podróż pociągiem, podczas której podsłuchiwał parę młodych ludzi rozmawiających o jego pisarstwie. - To mogłeś im się przedstawić - stwierdził Lisowski. - Co?... przecież by mi... oni to byli państwo... ubrani porządnie, czyści, zadbani... ja przy nich jak psubrat... kieszeń mi się u spodni rozrywała i strzępiły się nogawki, i przy koszuli kołnierzyk... no przecież widywałeś mnie jak chodzę, bo ja tak przez lata - odpowiedział poeta.

Niekonwencjonalne, jak on sam, były początki jego literackiej kariery. Mieszkający w podkrakowskich Krzeszowicach absolwent Liceum Elektrycznego pojawił się na początku lat 50. w Kole Młodych przy Krakowskim Oddziale Związku Literatów Polskich, przedstawiając wiersze do oceny. Swoje, ale nie tylko. Wśród maszynopisów znalazło się kilka tekstów zakazanego już naówczas w kraju Czesława Miłosza. Opiekujący się młodymi poetami Adam Włodek natychmiast rozpoznał mistyfikację. Ale - jak pisał potem we wspomnieniach - "własne teksty przesadnie skromnego kandydata na członka Koła stanowiły wystarczającą podstawę do przyjęcia".


W kilka lat później skromny kandydat na pisarza brał udział w jednym z najsłynniejszych wydarzeń w historii powojennej literatury polskiej. Jego wiersze (obok tekstów Mirona Białoszewskiego, Bohdana Drozdowskiego, Jerzego Harasymowicza i Zbigniewa Herberta) ukazały się w 51. numerze "Życia Literackiego" z roku 1955. Choć niektórzy z wymienionych poetów opublikowali już wcześniej po kilka tekstów, ich wspólne wystąpienie, nazwane później "debiutem pięciu", które zwiastowało nadchodzące przemiany polityczne i kulturalne, stało się jednym z symboli nadchodzącej po stalinizmie odwilży. Każdego z młodych naówczas poetów, radykalnie odrzucających obowiązującą jeszcze poetykę socrealizmu, wprowadzał w życie literackie uznany krytyk, o Czyczu pisał Ludwik Flaszen. Jak stwierdził w kilka lat później Jerzy Kwiatkowski: "Żywa dyskusja, która na temat tych poetów bez książek rozgorzała po czasopismach, pozytywne, entuzjastyczne niekiedy głosy krytyki, witającej debiuty książkowe - wszystko to sprawiło, że przełom stał się faktem sprawdzalnym społecznie".

W tym samym czasie Czycz zaprzyjaźnił się z Andrzejem Bursą, kolejnym symbolem przemian zachodzących w kulturze około roku 1956. Połączył ich podobny, nieco cyniczny, stosunek do świata, literatury i przejętych swoją rolą kolegów po piórze. Przez kilka lat byli nierozłączni. Razem pili wódkę, wędrowali po podkrzeszowickich lasach, rozmawiali o literaturze, kłócili się i godzili. Razem także spędzili ostatnie dni w życiu Bursy. Ten wybitny poeta zmarł 15 listopada 1957 roku, tuż po powrocie z odbywającego się w Poznaniu zjazdu młodych pisarzy. Jego przyjaciel, towarzysz ostatnich dni życia, opisał te wydarzenia w opowiadaniu "And", opublikowanym po raz pierwszy w "Twórczości" w roku 1961, później wielokrotnie przedrukowywanym. Także w wydaniach książkowych oraz najważniejszych antologiach polskiej nowelistyki.

Dwie pierwsze książki, tomy wierszy "Tła" (1957) i "Berenais" (1960) podtrzymały towarzyszącą już Czyczowi sławę. Jego poezja była jednak dość trudna. Taką zresztą pozostała. Wciąż niezadowolony z siebie, Czycz bez końca cyzelował teksty, starając się maksymalnie zbliżyć język literatury do języka, jakim sam mówił. "Stosując oryginalny, emocyjny zapis i takąż interpunkcję, którą rządzi rzeczywisty rytm oddechu, a nie reguły dyktowane przez słowniki poprawnościowe" - trafnie określił tę formę zapisu Krzysztof Lisowski. Poezja twórcy była też - jak sam mówił w nielicznych chwilach, gdy udawało się go nakłonić do autoanalizy - próbą opanowania chaosu świata. Używając techniki symultanicznej czy polifonicznej, zapisując wiersz w kilku prowadzonych równolegle ciągach myślowych, starał się oddać sposób, w jaki świadomość człowieka odbiera zewnętrzny świat.

"Oglądam jakiś film, który mnie wciąga i przeżywam opowiadaną historię, a ona przeżywana wywołuje we mnie osobną historię, równoczesną z tamtą, nie od razu ją sobie uświadamiam, bo nie chcę, bo chcę śledzić uważnie tamtą opowiadaną, a ta mi ją zakłóca, a zarazem do tych już dwóch dołącza trzecia, jakby wynikła z tamtych? (...) Już przestałem tak uporczywie odwracać uwagę od wszystkiego, co mi się pchało w jakieś niby to jedno jedyne moje przeżywanie w danej chwili. I udawać przed samym sobą, że mi się udało odepchnąć te jakby zakłócenia. Że jestem jak doskonale selektywne radio i nastawiłem się na którąś stację i bardzo czysto leci we mnie jakaś jedna wybrana audycja. A - ciągnąc to porównanie - jest raczej tak jak z radiem bardzo nieselektywnym" - mówił o swej technice sam poeta. Ten sposób zapisu sprawiał poecie sporo kłopotów. Jak sam często opowiadał, pewien znany krytyk decydujący o wydaniu jego książki miał powiedzieć: "Wie pan, może tak się będzie kiedyś pisało, ale na razie jeszcze nie". W wywiadzie, udzielonym Krzysztofowi Lisowskiemu, Czycz chyba po raz pierwszy ujawnił oficjalnie, że chodziło o Jerzego Kwiatkowskiego.


Niezwykłej wagi, jaką przywiązywał Czycz do języka, dowodzi zabawne wydarzenie sprzed 20 lat, kiedy to, jako początkujący dziennikarz, przeprowadziłem z nim krótki wywiad. Gdy zgłosiłem się po autoryzację tekstu, Czycz był w prawdziwym szale. "Człowieku, siedziałem nad tymi dwoma stroniczkami prawie pięć godzin" - wycharczał na powitanie, dodając parę określeń nie nadających się nawet do wykropkowania. Odpowiedziałem mu tak samo, nie bardzo rozumiejąc, o co też chodzi. Okazało się, że spisując tekst z taśmy, wygładziłem go i uporządkowałem, w myśl zasad polszczyzny nazywanej niekiedy literacką. "K..., przecież ja tak nie mówię" - podsumował poeta.

Był nie tylko mistrzem języka, mistrzem literackiej formy. Jego poezję określano często mianem katastroficznej. Może właśnie ten pesymizm, poczucie zagrożenia fascynują dzisiejszych, młodych czytelników. Czyczowi świat jawił się jako permanentne zagrożenie. "Jeśli zagłada, w tym zagłada wartości, stała się czymś tak powszechnym, oczywistym i naturalnym, dziwienie się jej, oburzanie na nią nie tyle dowodzi naszej głupoty czy tchórzliwości, ile wręcz przesądza o totalnej nieautentyczności naszej egzystencji. (...) jedyną szansą - wywodzi i dowodzi Czycz - jest heroizm nieustannego przerażenia, `przerażenia, które jest w przerażeniu`. I Czycz pisze niebywałe zdania: `jestem o ile trwa przerażenie, jesteś o ile możesz przerażać` - stwierdza w szkicu Krzysztof Gąsiorowski. Jednakowoż nie całe pisarstwo i życie Czycza zdominowały egzystencjalne lęki.

Jego opowiadania, odwołujące się do czasów młodości spędzonej w Krzeszowicach, to po prostu znakomity - i często zabawny - obraz życia polskiej prowincji. Bywał najzwyczajniej w świecie dowcipny. W jego literackiej karierze sporą rolę odegrała wieloletnia współpraca z "Przekrojem". Właśnie dla tego tygodnika pisał opowiadania zebrane w tomie "Nim zajdzie księżyc" (1968; jedno z nich, "Nad rzeką, której nie ma", sfilmował w roku 1991 Andrzej Barański).

Przez kilka lat (1962-1969) prowadził w "Przekroju" rubrykę "Fotografia jest sztuką trudną", publikując amatorskie zdjęcia opatrzone dowcipnym komentarzem podpisywanym "Michał C., fotoamator". Jeszcze w latach 60. towarzyszyła mu - nie pozbawiona podstaw - legenda bon vivanta. Przez kilka lat mieszkał przy ul. Krupniczej 22 z Adamem Macedońskim, malarzem, rysownikiem, działaczem niepodległościowym. "Oprócz stałej obecności w naszym otoczeniu bardzo ciekawych, a często wyjątkowo pięknych dziewcząt (którymi dzieliliśmy się bez cienia zazdrości) - spotykały nas różne inne mniej przyjemne przygody i przeżycia, jak: `naloty` pijanych lub podpitych naszych kolegów, często awanturniczo nastawionych, jak np. nieżyjących już Irka Iredyńskiego, Jana Himilsbacha, Tadeusza Szai i innych. Najścia milicjanta, który próbował mnie i Staszka przesłuchiwać..." - wspomina po latach ten okres Macedoński. Czas biegł jednak nieubłaganie. Czycz ustabilizował się, założył rodzinę, zaczęły się poważne kłopoty zdrowotne. Rak skóry, wielokrotne operacje, wreszcie ataki depresji, które towarzyszyły mu aż do końca. Zmienił się charakter jego stosunków z nowymi przyjaciółmi.

- Jeździliśmy razem po ekologiczną wodę do źródełka w Bronowicach, uczył moją córkę pływać, był bardzo ciepły i opiekuńczy - wspomina dziś ten czas Maria Ziemianinowa, dziennikarka, żona Adama, znanego poety. Przez wiele lat Czycz przyjaźnił się z Anną i Krzysztofem Lisowskimi. - Odwiedzaliśmy się wieczorami, w gronie paru innych kolegów regularnie grywaliśmy w zechcyka. Już obywało się bez szaleństw - mówi Krzysztof Lisowski.

Ostatnie lata życia to ciągła walka z nawrotami pogłębiającej się depresji. Niechętnie wychodził z domu. Podczas rozmów z przyjaciółmi coraz szybciej padała sakramentalna formułka: "No, audiencja skończona". Przez całe lata 80. brał jednak udział w alternatywnym życiu literackim, chociażby czytając swoje teksty podczas spotkań mówionego miesięcznika "NaGłos" w krakowskim Klubie Inteligencji Katolickiej. Cały czas pisał, szukając w tej formie aktywności ratunku przed ogarniającym go lękiem. Swojej ostatniej książki, "Ajol i Laor", wydanej nakładem WL, nie zdążył już jednak zobaczyć.

Jednym z największych, a znanych tylko wtajemniczonym, osiągnięć literackich Czycza były dedykacje wpisywane na ofiarowywanych przyjaciołom książkach. Na dedykowanej Krzysztofowi Lisowskiemu "Pawanie" napisał: "Krzysztofowi Lisowskiemu, który mnie sterroryzował, więc muszę, nie mam wyjścia, jeśli nie liczyć wyjścia piętro wyżej, ale i to czwarte piętro to za mało, trzeba by gdzieś w czwarty wymiar, spróbuję Czycz". (Włodzimierz Jurasz)

1 comment
Posted in , ,

Buldožer - Pljuni Istini U Oči (1975)


Wydany w grudniu 1975 roku pierwszy album słoweńskiej grupy Buldožer wprowadził całkiem spore zamieszanie w jugosłowiańskiej opinii publicznej i przemyśle muzycznym. Stalo się tak za sprawą zawartego w ich tekstach czarnego humoru wypełnionego sarkazmem i satyrą oraz poruszeniem m.in. drażliwej kwestii narkotyków czy pornografii. Powstała muzyka jak na owe czasy i miejsce bardzo oryginalna i odważna. Płyta była tak skandaliczna, że została wkrótce wycofana z obiegu a wytwórnia odmówiła wydania kolejnych egzemplarzy,  mimo, iż nakład został szybko wyprzedany. Ta klasyczna już pozycja z pewnością zadowoli słuchaczy, którzy lubią awangardowe i mocno pokręcone klimaty okraszone anarchizującymi tekstami.


Buldožer was Yugoslav-Slovenian  progressive rock band from 1970s and 1980s. They were one of the first bands in communist Yugoslavia that could be considered alternative, and forefathers of the Yugoslav New Wave. In musical sense, they were experimenting with a variety of genres, while most of their lyrics, written in Serbo-Croatian, were a satire and mocking with the political and musical establishment, themselves included.

Their appearance on the Yugoslav musical scene in early 1970s was "equal to the appearance of flying saucers with Martians". They jumped on onto the dull musical scene, which tried to keep up with the world trend of sympho-rock, full of self-confidence and fresh ideas, and offered pure humor, sometimes on the verge of lunacy, instead of prevailing pathos  and overlong solo sections. Frank Zappa was admittedly one of the band's models, and was often subject to comparisons with Buldožer's style.

In early 1975 in Ljubljana, today Slovenia, when singer/songwriter Marko Brecelj  joined the band Sedem svetlobnih let ("Seven Light Years") led by guitarist and lead vocalist Boris Bele. The original line-up included keyboardist/composer Borut Činč, bass guitarist Andrej Veble, lead guitarist Uroš Lovšin and drummer Stefan Jež[2]  . The band received a huge success on their first appearance at the BOOM festival, and were offered a record contract by Jugoton, whom they rejected in favor of PGP RTB, reckoning that they will be better accepted on the Serbian market. Although the first album, Pljuni istini u oči (Spit the Truth into Eyes), featuring hits like "Život to je feferon", "Ljubav na prvi krevet" and "Blues gnjus" was quickly sold, the company rejected issuing new volume, as the record was marked by "higher instances" as "inappropriate and controversial".

They were also ignored by the media, but they successfully built the image of freaks  on numerous gigs. Although they introduced themselves as "typical folk-pop ensemble from Slovenia", Marko Brecelj, one of band's frontmen, was often making unpredictable excesses like appearing on the scene in a wheelchair, burning his hair and beard, and holding long tirades loaded with cynism and irony. Despite everything, he received the award "Seven Secretaries of SKOJ" in 1976 for his solo-album Cocktail.


Such a thorn in the eye to the establishment could not pass lightly though, and some lyrics were censored during recording of the second album. Among other things, they were asked to change the word "nirvana" into "kafana". The record Zabranjeno plakatirati (No placateering) was on ice for a year, until Helidon from Ljubljana hopped in and issued it. The songs "Ne brini mama", "Helga" and "Dobro jutro madam Jovanović". By a mysterious chain of events, the band also received the Golden Arena award on the Pula Film Festival for the soundtrack for film Živi bili pa videli in 1979. In the meantime, the rhythm section changed, so the bassist Vili Bertok and drummer Tone Dimnik participated in studio sessions.

The same year, Brecelj left the band wishing to make a solo-career, and Bele took over the frontmanship. He proved he should not be taken lightly, and continued the Brecelj's style of excesses and provocation. The double live album Ako ste slobodni večeras (If You're Available Tonight) featured the kidding of all kinds. Intermezzos between songs were filled by made-up interviews of Dražen Vrdoljak with the "public" on the topics of Buldožer's favorite themes—sex, drugs and Goran Bregović. The album contained covers of Roll Over Beethoven, renamed to "Ko jebe Buldožer" (Fuck the Buldožer), and verses from Pink Floyd's "Another Brick in the Wall" were sung to the melody of "Oj, svijetla majska zoro". Arguably the greatest excess on the record, though, was Bele's longish obituary to Džoni Štulić, who supposedly burned himself as sign of protest for the Poland crisis.

Bele took over the position of chief music editor of Helidon label and managed to purchase the copyrights of their debut from PGP RTB, so the reissue came up in 1981. The band's activity slowly diminished in mid-1980s, after the album "Nevino srce". They never officially broke up though, and their "come-back" album Noć was released more than 10 years later, in 1995. Regathering of the band for an Ex-Yugoslavian tour is announced for the second half of 2006. (wikipedia)

link in comments 
1 comment
Posted in ,

The Contents Are - Through You (1967)



The Through You lp was little more than rumor til a copy mysteriously appeared at a 2005 Austin record show. Contents Are were a garage folk-rock band from Quad City, Iowa that released two good 45’s and this 1967 private press album. It’s remarkable that the band were still in high school when they cut this lp as both the lyrics and musicianship are quite advanced.

In true DIY fashion the band pressed 100 copies of Through You and gave the lp’s away to eager fans who came to Contents Are live events. It’s a solid record to say the least, with influences coming from early Buffalo Springfield, the Byrds and Rubber Soul era Beatles. Through You is full of good, 3 minute pop songs and it’s the kind of record that saw the beat/garage and folk-rock sounds merge. One song, Peace At Last, has complex lyrics and a wonderful mid period Beatles-like chorus. No Chance To Choose is another excellent, dark folk-rocker that strongly recalls John Lennon’s Rubber Soul compositions and hints at psychedelia. There are a few hard rocking tracks such as the opening, fuzzy Country Roads but most of this record is predominately folk-rock. Other good standouts are the folk-rock downers Dream Of My Predictions and Reccuring Changes, which feel like lost Gene Clark compositions in lyrical content and sound.

For many the highlight was In Trouble. This track is notable for beautiful back porch harmonies, jangly guitar and a distinct, rural Buffalo Springfield sound. It’s the kind of song that makes searching for private press records worth all the trouble and grief. Through You’s sound quality is a little muddy and probably will not be of interest to those who like clean, sparkling major label glitz. But to those wanting to explore buried local sounds, this is a great record that’s bound to grow on you.

In 2007/2008 Shadoks thankfully released both vinyl and CD versions of this long forgotten album. (therisingstorm.net)

Dave Neumann - vocals, guitar
Paul Staack - vocals, drums
Craig Hute - vocals, guitar
Larry Smith - vocals, bass guitar

Based in Davenport, IA, the Contents Are were a rock band whose music typified the grey zone between the era of garage rock and the dawn of psychedelia; what they were doing was less aggressive and more melodically adventurous than what the average band of high school kids was bashing out back in the day, with some tricky guitar interplay and excellent harmonies, but they hadn't evolved into full-blown lysergic experimentation when they recorded their sole album at Davenport's Fredlo studios in 1967. (Significantly, several members had previously played in a cover band specializing in surf tunes and British Invasion hits.) Lyrically, the Contents Are had moved well beyond the usual "I'm bugged at my girl" stuff in terms of their themes, though the brief descriptions of the songs on the back cover tell you all you need to know -- "No Chance to Choose" concerns "Flower children for freedom vs. the capitalist establishment," "No Need to Be Blamed," is about "People deceived by a greedy, corrupt government," and "In Trouble" sends a message "To the leaders of our country." In short, this ain't "Louie Louie," but Through You shows the Contents Are hadn't quite drifted into the outer stratosphere in the manner of the 13th Floor Elevators and other pioneers of the psychedelic sound, at least not when this was recorded. But there's still some thoroughly enjoyable mid-'60s guitar rock to be found here, and for the CD reissue on Shadoks Music, four songs from early singles have been added as bonus tracks (two of which, "Future Days" and "New Mexico," suggest the boys had picked up a few pointers from the first Moby Grape album) as well as new liner notes from guitarist and songwriter Craig Hute. Given that the original album was supposedly pressed in a run of only 100 copies, this is certainly well worth a listen for fans of Midwest sounds of the '60s who are looking for new obscurities to explore. ~ Mark Deming

link in comments
2 comments
Posted in , ,

Joshua - Opens Your Mind (1969)



Praktycznie nie wiem nic o tym zespole, ale muzyka wydała mi się godna przedstawienia. Niby nic odkrywczego - jednak coś w tym jest. Porównywani byli do Blue Cheer, ale moim zdaniem bardziej przypominają kanadyjski Bent Wind. Zresztą sami posłuchajcie i oceńcie.

***

Joshua - Opens Your Mind LP "When you think of 60's music from California the town of Sacramento doesn't immediately come to mind. But the state Capitol had a fertile music scene having given birth to mind melters Blue Cheer who paved the way for other locals like Joshua. Fronted by singer Mick Martin, Joshua were at the center of a scene that, for the most part, ignored the Flower Power shenanigans going on up north and worshipped at the altar of heavy Rock & Roll. Along with other locals like Slo Loris and Jericho, Joshua created guitar lead, blues based rock music with lyrics that reflected the current events of the day, War & Drugs.



While the band never released any music back in the day, they did record an LP's worth of material along with some legendary live shows that took place at The University Of California at Davis. Anti-War feelings that still ring true today can be heard on cuts like "The Fist", "G.I. Peace" and "No Country". While expanding your mind with drugs is exposed on cuts like "Please Excuse Me" and the title track, "Open Your Mind". With Heavy guitar crunchers in a style that will remind you of one of our earlier release, Stone Garden. It comes in a thick gatefold cover with liner notes by Mick Martin and lots of photos that compliment the mind blowing, full color front cover. As usual a limited pressing of 500 copies so reserve your copies now. " (waytoyoursoul.blogspot)

link in comments
4 comments
Posted in ,

Karen Dalton - Green Rocky Road (1963)



Karen Dalton (1937 - 1993) to w Polsce chyba dosyć mało znana amerykańska wokalistka folkowa. Pierwszą płytą, na którą trafiłem jest prezentowana "Green Rocky Road" zawierająca nagrania z roku 1963 dokonane w jej domowym zaciszu. Karen urodziła się w indiańskiej rodzinie z plemienia Cherokee. Była jedną z ciekawszych postaci występujących na Greenwich Village obok Boba Dylana, Joan Baez czy eksperymentujących z brzmieniem Holy Modal Rounders. Nie mam pojęcia dlaczego nie zdobyła chociaż takiej samej popularności co Joan Baez. Chyba tylko dlatego, że nie była "laską" Dylana. Ma to oczywiście swoje pozytywne strony. Twórczość Karen jest bardzo kamerlana, "domowa" - pozbawiona egzaltacji i gwiazdorstwa. Za życia wydała tylko 2 płyty - "It´s So Hard to Tell" z 1969 roku i "In My Own Time" z 1971 - zarejestrowane z muzykami sesyjnymi - ale właśnie te "chałupnicze" nagrania wydane po latach oddają specyficzny klimat. Przyznam się, że mało jest wokalistek w historii muzyki, które zrobiły na mnie takie wrażenia jak nagrania Karen Dalton. Przez wiele lat walczyła z uzależnieniem alkoholowym i lekowym. Zmarła na AIDS



One of the endlessly repeated and therefore defining stories of Karen Dalton's career is that she hated recording so much that she had to be tricked into laying down the songs on her 1969 debut, It's So Hard to Tell Who's Going to Love You the Best. That may be true, but by now it's legend, portraying the contrary Okie as a true folk artist who rejected the commercial enterprise of making and selling music. It's not that cut and dry, of course: It seems she felt uncomfortable only with studios and practiced performances. In his liner notes for Koch Records' 1997 reissue of her debut, Peter Stampfel recalls that when Dalton was scheduled to sing harmonies on a Holy Modal Rounders album, she spent hours psyching herself up for the task, at one point even ripping out a bathroom sink.

Recording-- or, perhaps more specifically, being recorded-- apparently didn't trouble Dalton very much. Since her rediscovery in 2006 via Light in the Attic's reissue of her second and final album, In My Own Time, two recordings from the early 1960s have surfaced: The first, the two-disc Cotton Eyed Joe, is a recording of a live performance at the Attic in Boulder, Colorado, captured by Joe Loop. Released less than a year later, Green Rocky Road is a more intimate set that Dalton recorded herself at home on the same reel-to-reel tapes. Acting as vocalist, accompanist, engineer, and producer, she overdubs guitar over her banjo tracks and even invites guitarist Richard Tucker and Loop to play on it. You can even hear the phone ringing and Dalton talking to her mother.

Green Rocky Road is a much different listening experience than Cotton Eyed Joe, which she performed specifically for the small crowd around her, who listen raptly and applaud heartily. If that release is public, then Green Rocky Road is pointedly private. Here Dalton entertains no one but herself. In addition to singing traditional ballads like "Nottingham Town" and "Skillet Good and Greasy", she runs through pensive versions of "Ribbon Bow" and "Katie Cruel", which would appear later on her first and second albums respectively. They have all the informality of someone thinking aloud, which suits her signature vocals perfectly. "Ribbon Bow" sounds careful and simmering, with Dalton reaching down into her lower register to sound uncharacteristically foreboding-- an approach that adds a bit of malice to the lyrics. Her takes on "Katie Cruel" and "In the Evening" (which also appears on Cotton Eyed Joe) show just how malleable she considered these songs, open for any possible inflection or interpretation.



Dalton's primary accompaniment, as always, is her trusty banjo, which she plays in a clawfinger style to give these songs a distinctive style that fits her free-floating vocals nicely. It rings out brightly on the cowboy song "Whoopee Ti Yi Yo" and the lover's lament "Red Rockin' Chair", and she adds dissonant notes to make "Nottingham Town" sound like a raga. In overdubbing, she seems to consider tempos and time signatures almost as restricting as a real studio. Opener "Green Rocky Road" overlays an acoustic guitar over her banjo, but the two instruments don't always mesh, lending the song an unrehearsed emotional push and pull.

There's no telling what purpose she intended for these recordings, or if the mere act of setting these songs to tape was the extent of her endeavor. Possibly she might have planned to record over them, or give them away, or store them in some dusty attic box for another generation. Whatever the case, Green Rocky Road stands as a particularly personal statement, a career marker that shows where she was and what songs obsessed her at a particular moment. That we can listen to these songs nearly half a century later is certainly a benefit, but it never feels like her primary concern — Stephen M. Deusner (pitchfork.com)



Karen J. Dalton (born Karen J. Cariker) (July 19, 1937 – March 19, 1993) was an American folk blues singer and banjo player associated with the early 1960s Greenwich Village folk music scene, particularly with Fred Neil and the Holy Modal Rounders as well as Bob Dylan.

Dalton, whose heritage was Cherokee, was born Karen J. Cariker in Enid, Oklahoma. Her bluesy, world-weary voice is often compared to that of iconic jazz singer Billie Holiday. She sang blues, folk, country, pop, Motown -- making over each song in her own style. She played the twelve string Gibson guitar and a long neck banjo.

In his 2004 autobiography, Bob Dylan wrote this in his description of discovering and joining the music scene at Greenwich Village's Cafe Wha? after arriving in New York City in 1961: "My favorite singer in the place was Karen Dalton. Karen had a voice like Billie Holiday and played guitar like Jimmy Reed... I sang with her a couple of times."

Dalton's second album, In My Own Time (1971), was recorded at Bearsville Studios and originally released by Woodstock Festival promoter Michael Lang's label, Just Sunshine Records. The album was produced and arranged by Harvey Brooks, who played bass on it. (Harvey Brooks played bass also on the Miles Davis album Bitches Brew, on the Bob Dylan album Highway 61 Revisited and on the Richie Havens album Mixed Bag.) Piano player Richard Bell guested on In My Own Time.

Its liner notes were written by Fred Neil and its cover photos were taken by Elliot Landy. Less well-known is Dalton's first album, It's So Hard to Tell Who's Going to Love You the Best (Capitol, 1969), which was re-released by Koch Records on CD in 1996.

Both Dalton's albums were re-released in November 2006: It's So Hard To Tell Who's Going To Love You The Best, on the French Megaphone-Music label, included a bonus DVD featuring rare performance footage of Dalton. In My Own Time was re-released on CD and LP on November 7, 2006 by Light In The Attic Records.

The version of the song Something on Your Mind (composed by Dino Valenti) that is sung by Dalton on her album In My Own Time is the soundtrack during the ending credits of the 2007 film Margot at the Wedding, which was written and directed by Noah Baumbach and starred Nicole Kidman and Jennifer Jason Leigh.

Known as "the folk singer's answer to Billie Holiday" and "Sweet Mother K.D.", Dalton is said to be the subject of the song Katie's Been Gone (composed by Richard Manuel and Robbie Robertson) on the album The Basement Tapes by The Band and Bob Dylan. She struggled with drugs and alcohol for many years. It has been widely reported that she died in 1993 on the streets of New York City after an eight-year battle with AIDS.

However, an article in Uncut magazine confirmed that Dalton was actually being cared for by the guitarist Peter Walker in upstate New York during her last months. (wikipedia)

link in comments
3 comments
Posted in ,

Aorta - Aorta 2 (1970)



During the mid-'60s, the members of Aorta -- originally hailing from Rockford, IL -- had previously been in a group called the Exceptions. Early members of this group included Kal David (later of Illinois Speed Press and H.P. Lovecraft), Marty Grebb (the Buckinghams), and Peter Cetera (Chicago). The Exceptions were a soulful, if unremarkable, Top 40s cover group who were nevertheless acclaimed for their "exceptional" musicianship. They were one of the more popular acts on the greater Chicago local scene, and released a handful of singles on numerous Midwest labels -- Tollie, Cameo, Quill -- and for L.A.-based Capitol. For the last of these releases, the band dropped the "s" from their name and began calling themselves the Exception (a compilation for the Collectables label, The Quill Records Story, collects two of their singles). They also recorded an EP called "A Rock & Roll Mass for the Flair label; it featured six different rock songs with words taken from various religious prayers. As each member of the group -- with the exception of bassist Peter Cetera -- already had an eye toward expanding their original material to include a more "psychedelic" sound, they soon reconfigured themselves as Aorta, and, in late 1968, recorded a single for Atlantic. Eventually, producer Bill Traut (American Breed) approached them on behalf of Dunwich Productions, Inc., and -- with Bobby Jones taking over on bass after Cetera's departure -- they accepted his offer to record their debut album for Columbia in 1969. They recorded two albums under the name Aorta. The first of these, the self-titled Aorta, is today highly acclaimed as a lite-psych album of some minor renown, and though it managed to chart on Billboard's album charts, it failed to do what was expected. A revised version of the group -- still led by Jim Donlinger and now featuring Michael Been on bass/guitar/vocals -- recorded the drastically different second album, Aorta 2, for the Happy Tiger label. Jim Donlinger -- who along with his brother and Jim Nyeholt (during a brief period between the two albums), had all played in the Rotary Connection -- later left Aorta to join Lovecraft (formerly H.P. Lovecraft, who were signed to Reprise at the time), while Billy Herman would eventually move on to join New Colony Six. Michael Been later played with Moby Grape members Jerry Millerand Bob Mosley in Fine Wine, and ultimately achieved his biggest success with the Call. Been is also the father of Robert Turner of Black Rebel Motorcycle Club. The original Aorta later re-formed (joining another great Chicago-area group, the Cryan' Shames) to do promo spots for the U.S. Armed Forces on a very rare promotional LP. They've appeared on numerous compilations over the years. Aorta was re-issued on CD in 1996. ~ Bryan Thomas, All Music Guide

Mike Been - bass, guitar, backing vocals (1970)
Peter Cetera - vocals, bass (1968)
Jim Donlinger - vocals, lead guitar (1968-70)
Tom Dolinger - drums, percussion (1970)
Billy Herman - drums, backing vocals (1968-69)
Billy Jones - bass, backing vocals (1968-69)
Jim Nyeholt - keyboards (1968-69)



Formed in Chicago, Illinois, USA, in 1967, Aorta initially consisted of Jim Donlinger (guitar, vocals), Jim Nyholt (piano, organ), Dan Hoagland (tenor saxophone), Bobby Jones (bass, vocals) and William Herman (drums). In February 1968, Hoagland left to join the Chicago Transit Authority, later known as Chicago. The remaining quartet was then signed to the local Dunwich production company who leased Aorta's first single, "The Shape Of Things To Come", to Atlantic Records. The song, which provided the theme to the movie Wild In The Streets, was originally recorded by Max Frost And The Troopers. Aorta revealed a band fusing rock textures with melody, drawing comparisons with fellow Chicagoans H.P. Lovecraft. This stylish blend was equally apparent on the now dated Aorta 2, despite the defections of Herman, who joined the New Colony Six, and Jones. Michael Been (bass, guitar, vocals) and Tom Donlinger (drums) were featured on this second selection, but Aorta broke up soon after its release. Unsurprisingly, given their common musical styles, Jim Donlinger and Been quickly resurfaced in a revamped H.P. Lovecraft, now known simply as Lovecraft. Been formed several subsequent bands and during the 80s led the Call. (NME)

link in comments
4 comments
Posted in , ,

Jan Krzysztof Kelus - Był raz dobry świat (1999)


Jan Krzysztof Kelus - polski Woody Guthrie tak go nazywa w protest-songu "Zwolnić Kelusa" inny poeta-śpiewak podziemia - Stefan Brzoza. Od końca lat 60. gra na gitarze, pisze i śpiewa własne piosenki. W roku 1977 nagrywa i powiela sam, w warunkach domowych, swoją pierwszą kasetę "Ekshumacja polskiej kultury niezależnej" z piosenkami z lat 69-77. Czegoś takiego w PRL wcześniej nie było - "samizdat" był jeszcze w powijakach, a o podziemnej fonografii nikomu się nie śniło.

A na tej kasecie - jeśli to był "oryginał", a nie jakaś okrojona, setna kopia - po ostatniej piosence następowało słynne oświadczenie: "Jako niezależny twórca, działający poza państwowym monopolem rozrywkowym, oceniam wartość moich piosenek na 6 złotych 25 groszy sztuka. Zastrzegam sobie prawa autorskie, zgadzając się jednocześnie na reprodukowanie kasety ...".

Na końcu pada imię, nazwisko, dokładny adres... Wtedy to brzmiało jak żart. Albo jak jeszcze jeden, ostatni już na kasecie, wiersz. Bo wtedy obowiązywała konspiracja, a biuletyny KOR-u podpisana listą nazwisk i adresów wciąż jeszcze budziły sensację. Poza tym mogłoby się zdawać, że co innego polityczne deklaracje, a co innego piosenki. Sam się zastanawiał, czy "nie przegina", ale w końcu zdecydował się na ten "eksperyment z totalem". Ten gest Kelusa był niezwykle ważny. Jasno określał Jego postawę - wierności samemu sobie i paru prostym moralnym zasadom, a piosenkom nadawał szczególną wagę.

Te piosenki to jego odpowiedź na agresywną retorykę mediów, wulgarność kulturowej "cepeliady", zakłamanie. Oddają wiernie egzystencjalny absurd "budowania drugiej Polski". Zanurzone w powszednich realiach, tonem intymnej rozmowy, zadają ważne pytania: sens takich pojęć jak "prawda", "szczęście", "uczciwość" - o cenę, jaką się płaci za konformizm w zakłamanym świecie. Nazywając rzeczy po imieniu - odkłamują świat. Stają po stronie pokrzywdzonych, upominają się o prawo do godnego życia. Jest w nich liryzm i patos, ironia i auto-ironia. Jest też donkiszoteria - postawa czasem tak naiwna, że aż heroiczna. To jego - Kelusa - mała, prywatna wojna z wielką, agresywną fikcją. Próba ocalenia tego, co najbardziej osobiste, kruche, pisane małą literą - i dlatego najcenniejsze.

Jego późniejsze piosenki - po roku 1980 - są bardziej publicystyczne, ale typowy dla Kelus emocjonalno-ironiczny, intymny ton prywatności nie uległ większej zmianie. Podczas gdy Jacek Kaczmarski wykrzykiwał "skądinąd porywająco" swój protest w imieniu narodu czy pokolenia, Kelus potrafił swój protest nucić, prawie mamrotać ciepłym, na pozór pospolitym głosem "everymana" - często świadomie "ocierając się o banał". Opisywał świat szeptem - z pozycji outsidera, człowieka żyjącego na swoistej " wewnętrznej emigracji". W jego opisie świata niewiele jest uproszczenia - jest prostota i wierność konkretom. Te piosenki to osadzone w historii drobne wycinki jego biografii. Kelus gromadzi jak w kolażu strzępy obrazów, rozmów, sytuacji, cytatów z gazet, wierszy i melodii. Zbiera trywialne szczegóły i wzruszenia, szukając słów, "które nie będą brzmieć fałszywie potem". Wymienia daty, nazwy ulic, miast i rzek, jakichś zapadłych "w pamięć" dziur, powtarza imiona przyjaciół - jakby te daty, nazwy i imiona zakotwiczały go w strumieniu przemijania, opatrywały jego teksty stemplem prawdy.

Kelus skończył pisać piosenki albo jak mówi - one przestały do niego przychodzić gdzieś w połowie lat 80, kiedy zaczynał się zmierzch PRL-u. Parę lat potem, zaraz po Okrągłym Stole, jego "Sentymentalną panną S" zaśpiewano na gali w Sali Kongresowej. Ale nie nadawała się na pieśń zwycięstwa, jak zresztą żadna z jego piosenek - za wiele w nich gorzkiej ironii. Swoim śpiewaniem Kelus stworzył specyficzny pryzmat, przez który wielu ludzi z jego pokolenia - i wielu młodszych, wchodzących w dorosłe życie - patrzyło w tamtych latach na świat.

Śpiewał "Dość daleko od porażki, dość daleko od sukcesu ... Raz próbując coś wykrzyczeć, raz próbując coś wyszeptać...". I myśmy uczyli się na tym jak żyć "poza państwowym monopolem", albo po prostu żyć mądrzej.Dla wielu z nas ważne było odkrycie, że do tych piosenek - i dzięki nim - dorasta się. (Mariusz Kalinowski)


Jan Krzysztof Kelus, also known by his initials JKK, (born 1942) is a Polish singer, poet, composer and a member of the democratic opposition in Poland between the 1960s and 1980s. A professional sociologist, Kelus is best known for a number of ballads which gained him a nick-name of the Bard of the opposition and Polish Woody Guthrie.

After a brief period at the faculty of law, Kelus graduated from the faculty of sociology of the Warsaw University. After the events of March 1968 he became involved in various groups of the democratic opposition to the Communist regime of the People's Republic of Poland. Arrested in 1969 for his involvement in smuggling books published in Paris by Jerzy Giedroyc's Kultura through the Tatra Mountains, he was sentenced to imprisonment in the so-called Tatra Climbers' Trial. Released from the prison after the advent of Edward Gierek's rule, Kelus became one of the co-founders of the Workers' Defence Committee. About that time his songs, passed in bootleg copies outside of the official market and without acceptance of the censorship, became one of the symbols of the opposition. During that time he also translated several songs by Czech artist Karel Kryl.

Simultaneously to his anti-communist activities, in the 1970s Kelus was working at the Gynaecological Institute of the Medical University of Warsaw. Dismissed from the job due to his political activity in 1979, Kelus continued his involvement in the opposition. In early 1980s he was among the founders of the Niezależna Oficyna Wydawnicza CDN, the largest underground printing house of that time. Arrested in 1981 after the imposition of the Martial Law in Poland, Kelus was interned in Białołęka, along with other notable leaders of the Solidarity. During that time JKK's songs were performed by numerous artists, among them Jacek Kaczmarski and Antonina Krzysztoń. After the peaceful transition of power in Poland in 1989, Kelus withdrew from public life to a house near Białowieża, where he owns a small beekeeping farm. Most of his songs were officially issued after 1989 for the first time. (wikipedia)

link in comments 
3 comments
Posted in ,

Mieczysław Fogg - A ja sobie gram na gramofonie (2007)



Mieczysław Fogg, właściwie Mieczysław Fogiel (ur. 30 maja 1901 w Warszawie, zm. 3 września 1990 tamże) – polski piosenkarz śpiewający barytonem lirycznym, którego kariera artystyczna rozpoczęła się w okresie międzywojennym i trwała przez kilka dziesięcioleci po zakończeniu II wojny światowej.

Mieczysław Fogiel urodził się w Warszawie 30 maja 1901. Jego matka prowadziła sklep w domu na rogu ulicy Długiej i Freta. Ojciec był pracownikiem kolei. Jako chłopiec, Mieczysław śpiewał w chórze w kościele Świętej Anny na Krakowskim Przedmieściu. Tam usłyszał go Ludwik Sempoliński i skierował na naukę śpiewu do profesora Jana Łysakowskiego na Wydziale Wokalistyki Szkoły Muzycznej im. Fryderyka Chopina.

Po ukończeniu gimnazjum i odbyciu przeszkolenia wojskowego rozpoczął w 1921 roku pracę w Warszawskiej Dyrekcji PKP jako kasjer, gdzie pracował do 1935 roku. Kontynuował kształcenie muzyczne. Kształcił głos pod kierunkiem Eugeniusza Mossakowskiego, Wacława Brzezińskiego, Ignacego Dygasa, Stefana Beliny-Skupiewskiego, Adama Didura i Stanisława Kopfa.

Debiut Mieczysława Fogga jako piosenkarza miał miejsce w 1928 roku w Chórze Dana (wtedy pod hiszpańską nazwą Coro Argentino V) na scenie warszawskiego teatrzyku Qui Pro Quo. Ze sceną tą związany był do 1931 roku, potem kolejno z teatrami i rewiami Banda, Rex, Polonia, Cyrulik Warszawski, Wielka Rewia, Małe Qui Pro Quo i Tip Top. Od 1932 roku, Chór Dana koncertował za granicą, m.in. w Niemczech, Estonii, na Łotwie, w ZSRR, Finlandii, Norwegii, Szwecji, Austrii, we Włoszech i w USA, gdzie wystąpił w 31 stanach. Dla firmy fonograficznej Odeon nagrywał 30-50 piosenek rocznie. Towarzyszył w koncertach i nagraniach sławnym polskim artystom kabaretowym, m.in.: Hance Ordonównie, Stefci Górskiej, Zuli Pogorzelskiej i Adolfowi Dymszy.

Po odejściu z Chóru Dana zadebiutował jako solista, zwyciężając w ogólnopolskim plebiscycie słuchaczy Polskiego Radia. Występował z własnymi recitalami oraz w programach kabaretowych z Mirą Zimińską i pianistą Tadeuszem Sygietyńskim.



Lata okupacji niemieckiej spędził w Warszawie. Występował (za zgodą władz Podziemnej Polski) w kawiarniach dostępnych polskiej publiczności, m.in. w Cafe Bodo i Swann, U Aktorek i Lucyna. Mieczysław Fogg brał udział w powstaniu warszawskim, a jego zadaniem było podtrzymywanie na duchu powstańców i mieszkańców Warszawy – śpiewał w szpitalach, na barykadach i w schronach. Brał udział w powstaniu warszawskim jako starszy strzelec I Batalionu Szturmowego Odwet. Za udział w powstaniu otrzymał wysokie odznaczenie – Krzyż Zasługi z Mieczami.

Po wojnie w latach 1945-1946 prowadził przy ul. Marszałkowskiej 119 własną kawiarnię artystyczną Cafe Fogg i w latach 1946-1951 roku kierował wytwórnią płyt gramofonowych Fogg Record, obie firmy zostały jednak znacjonalizowane i wkrótce zakończyły działalność.

Od 1946 roku występował w programach estradowych i z własnymi recitalami, w których towarzyszyły mu m.in. żeńskie zespoły. W 1958 roku zwyciężył po raz drugi w plebiscycie Polskiego Radia na najpopularniejszego piosenkarza roku. Po śmierci Maurice'a Chevaliera w 1972 roku, był najstarszym występującym piosenkarzem świata.

W trwającej ponad sześćdziesiąt lat karierze wystąpił na blisko szesnastu tysiącach koncertów. Śpiewał w dwudziestu pięciu krajach Europy oraz w Brazylii, Izraelu, na Cejlonie, w ośrodkach polonijnych Nowej Zelandii, Australii i wielokrotnie w USA i Kanadzie.

Młodszy brat stryjeczny Mieczysława Fogga, Aleksander Fogiel, był aktorem, zaś syn – Andrzej Fogg – wynalazcą i inżynierem elektroakustykiem, autorem m.in. książki Adaptery, traktującej o gramofonach. (wikipedia)



Warszawa lat 30-tych, od kilku lat stolica niepodległej Polski, chciała się bawić, śmiać, tańczyć i śpiewać. Bywalcy teatrzyków, kabaretów, cukierni, kawiarni, dansingów śpiewali piosenki lansowane przez świetnych aktorów sceny i filmu. Autorzy piosenek: kompozytorzy, autorzy tekstów i kierownicy akompaniujących orkiestr przetrwali przez lata jako galeria utalentowanych twórców rozrywki i piosenki. Mieczyslaw Fogg - 1933-39 A ja sobie gram na gramofonie to pierwsza płyta z serii "Antykwariat Polskiej Muzyki". Piosenki znajdujące się na tej płycie zostały nagrane w wytwórni "Syrena Electro" w latach 1933-1939. Trzy ostatnie utwory w wytwórni "Fogg-Record"w 1946 roku- to piosenki żartobliwe, "alkoholowe", popularne śpiewki "przy kieliszku". Pierwsza piosenka na tej płycie: "A ja sobie gram na gramofonie" została nagrana jako reklamówka wytwórni "Syrena Electro".



Mieczysław Fogg (real name Mieczysław Fogiel) (May 30, 1901, Warsaw - September 3, 1990, Warsaw), was a very popular Polish singer of the twentieth century. His popularity started well before World War II and continued well into the 1980s. He had a characteristic way of staying very serious yet slightly emotional on stage when singing. He can be compared to French Tino Rossi in style. He had a lyric baritone voice.

Mieczysław Fogiel was born May 30, 1901 in Warsaw, then a province guberniya capital in Imperial Russia. He spent his childhood there and, after graduating from a local gymnasium in 1922, he started working as a railway worker. About that time he also joined the choir of the St. Anne's Church. There his friend, Ludwik Sempoliński, made him join the classes of music organized by Jan Łysakowski, Eugeniusz Mossakowski, Wacław Brzeziński, Ignacy Dygas and many other notable Polish musicians of the epoch. Initially a hobbyist, in 1928 he met Władysław Daniłowski Dan, who chose him as a soloist for his newly-formed Dan's Choir. The choir became extremely popular the following year when Jerzy Petersburski's song Tango Milonga became an international hit. This and other tangos and romances performed by the choir in the famous Qui pro Quo theatre led Fogiel to become one of the most popular Polish singers. After 1932 Fogiel, under a new pseudonym of Fogg, toured a number of countries, including Germany, Latvia, USSR, Finland, Norway, Sweden, Austria and Italy. In the United States the group toured 31 states.

His popularity was increased by the fact that Fogg was keen on languages and was able to sing in local languages of the countries he toured. He also appeared in a number of duos with other popular artists of the time, including Hanka Ordonówna, Stefcia Górska, Zula Pogorzelska and Adolf Dymsza. He also appeared in 11 films. After the Dana Choir was disbanded in 1938 Fogg started a solo career. The same year he was chosen as the most popular Polish singer by the Polish Radio. He toured the country with a trio composed of himself, Mira Zimińska and Tadeusz Sygietyński. Among the authors of his songs was also Marian Hemar.

After the outbreak of World War II Fogg remained in Warsaw, where he joined the underground Armia Krajowa. He gave concerts in the few cafes available to Poles under German occupation. During the Warsaw Uprising he gave countless concerts both on the barricades, in hospitals and in the bomb shelters beneath the city. He was a soldier also and member of I Batalion Szturmowy Odwet. For his efforts to keep high the morale of the soldiers and civilians of the fighting city he was awarded with some of the highest Polish decorations.

After the war, in 1945 he opened up his own cafe in the ruins of Warsaw. The cafe, located at Marszałkowska 119 Street, was the first music theatre opened after the war in the destroyed city and served as one of the very few centres of culture.

However, the following year it was nationalized by the new communist authorities of Poland and closed soon afterwards. Fogg continued to give hundreds of concerts in all parts of Poland and also headed his private music record firm Fogg Records, which shared the fate of Fogg's cafe in 1951. His popularity as a singer remained high and in 1958 he was again chosen the most popular Polish singer by the audience of the Polish Radio - 20 years after he was given the same title for the first time.

He continued to give concerts almost until his death in 1990. Throughout his 60-years long career he gave more than 16,000 of them in all countries of Europe, Brasil, Israel, Ceylon, New Zealand, Australia, Canada and the US. His everlasting popularity led to the creation of a number of anecdotes. In one of them, the Polish archaeologists supposedly discovered an Egyptian mummy. After they unfolded it, they were surprised by the mummy asking a short question: "Is Fogg still giving concerts?"

Mieczysław Fogg died in Warsaw on September 3, 1990. He is buried at the Cmentarz Brodnowski in Warsaw. (wikipedia)

link in comments
2 comments
Posted in , , ,

Pink Faires - Finland Freakout (1971)



Historia była taka. W sierpniu 1969 roku The Deviants pojechali na tournee po USA i Kanadzie. Liderem ich był Mark Farren, szef sekcji brytyjskiej anarchistycznej partii White Panther Party, a późniejszy dziennikarz NME. Podczas tournee wylany został Mike Farren, który wrócił do Anglii i razem z Twinkiem i Steve'm Tookiem (ex-Tyrannosaurus Rex) zrobili parę występów pod szyldem The Pink Fairies. Pierwszy taki koncert odbył się w październiku 1969 w Manchester University.

Nazwa została przyjęta od gangu motocyklowego, w którym wszyscy jeździli. Miała to być podziemna supergrupa oparta na zasadach partnerstwa. Mike Farren śpiewał, Took grał na gitarze, a Twink na perkusji. Dziewczyna Twinka, Silver Darling grała na klawiszach, które jednocześnie dawały bas. Pierwsze koncerty zespołu były o tyle niesamowite, że właściwie ich nie było. Zapowiadano grupę, a potem brzdąkali jakiś jam i kończyło się na rozmowach wśród publiczności. Skończyło się to w listopadzie 1969. Oprócz tych dziwnych koncertów Farren, Took i Twink pracowali nad solowym albumem Farrena, Mona The Carnivorous Circus.



Na początku 1970 roku Twink zrozumiał, że nic nie osiągnie w tym składzie i w marcu 1970 sformował nowy skład na bazie muzyków The Deviants, którzy także pomagali Farrenowi w nagraniach solowego albumu Mona Carnivorous Circus. Twink przechwytuje trzech muzyków rozłożonego The Deviants, pozbywa się Farrena i skład The Pink Fairies stabilizuje się.

"W swoim alter ego Twink starał się znaleźć nieśmiertelność, jako karykaturę ruchu hippie i nienasyconego konsumenta narkotyków. Konwergencja Johna Aldera, muzyka, i Twinka, szaleńca, rozkwitła w pełni, kiedy zebrał członków The Deviants w 1969 roku i utworzył The Pink Fairies, pracując jednocześnie nad solowym albumem z członkami Hawkwind." (JG, othermusic.com)

W styczniu 1971 wydają singla The Snake / Do It. W maju 1971 wydają pierwszy album Never Never Land dla Polydor. Zespół gra w składzie: Russell Hunter (perkusja), Paul Rudolph (gitara, śpiew), Duncan Sanderson (bas, śpiew), Twink (śpiew, perkusja). Album produkował Twink i Neil Slaven. Znalazło się na nim 10 utworów. Nie było to nic szczególnego.

Krytycy zaliczyli ich do umierającej psychodelii. Ciekawostką był jedynie skład zawierający dwóch zawodowych perkusistów, przy czym Twink pełnił rolę głównego wokalisty. Dwa utwory grali na festiwalu Glastonbury, Do It (potem nagrany przez Rollins Band) i 20 minutową wersję Uncle Harry's Last Freak-Out. Ponieważ album nie chwycił Twink w 1971 roku pożegnał kolegów i po wizycie w Maroko, osiedlił się w Cambridge.

Pozostałe trio nagrało w 1972 roku album What A Bunch Of Sweeties z pomocą wokalisty i gitarzysty Trevora Burtona, znanego z The Move. Album wydał Polydor w lipcu 1972. Zespół nagrał tu m.in. cover The Beatles, I Saw Her Standing There. Brak rasowego wokalisty i słabe instrumentarium spowodowało, że album nie był najlepszy, ale paradoksalnie, choć może nie jest to najlepsze słowo, wszedł na brytyjskie listy przebojów (#48). W tym samym roku grupę opuścił Rudolph, aby zagrać z Hawkwind, a zastąpił go Mick Wayne z Junior's Eyes. Grupa w listopadzie wypuściła singla Well Well Well / Hold On, ale bez sukcesu. W 1973 roku nagrali kolejny album, ale zamiast Wayne'a grał już Larry Willis (gitara, śpiew, ex-Blodwyn Pig, UFO). Album Kings of Oblivion ukazał się z pomocą Polydora w czerwcu 1973. Z Willisem rzeczy poszły lepiej, gdyż napisał prawie cały materiał i umiał śpiewać. W rezultacie album zebrał niezłe recenzje.

W 1974 roku zespół przestał istnieć. Nazwy The Deviants i Pink Fairies pojawiały się jednak okazjonalnie podczas różnych spotkań członków tych zespołów. Np. w 1977 roku ukazał się EP firmowany przez zespół Mike Farren & The Deviants, który produkował Willis, a w składzie znaleźli się Rudolph i Andy Colqhoun (z Warsaw Pact). (źródło: rock.w3h.net)

Materiał z Finlandii został nagrany podczas koncertów festiwalu w Turku (ale już bez udziału Twinka)



Paul Rudolph - Lead Guitar, Vocals
Duncan Sanderson - Bass Guitar
Russell Hunter - Drums

The Pink Faires - Psychedelic, acid spaced-out rockers, recorded on a rare overseas trip. Playing on the second day at the 1971 Ruisrock festival in Turku, Northern Finland, the Fairies were selected as one of the few bands recorded at the festival by the Finland national state radio station. The Pink Fairies now a three-piece band-following the departure of Twink, and they pack an almighty punch-delivering a freight train wall of sound, full of psychedelic noise, riffs and energy. This one hour set comprises four huge acid/pysch live classic songs which lift-off, into the Finland stratosphere. The concert is great quality, mastered direct from the original record tapes. The booklet contains some previously unseen photos plus liner notes from some of the band members. Fully authorised by The Pink Faires. Officially released in 2008. CD is New and Shrink Wrapped.

link in comments
2 comments

Gdziekolwiek jesteś Panie Prezydencie...


R.I.P.

Pamiętamy




3 comments
Posted in , ,

Brast Burn - Debon (1975)


Album nagrany przez bliżej nieznanych muzyków japońskich, na temat których krąży wiele spekulacji. Ich muzyka to zadziwiające i jedyne w swoim rodzaju doświadczenie złożone z dwóch długich części podzielonych dodatkowo na krótsze sekwencje. Materiał składa się z akustycznych eksperymentów, charakterystycznego wokalu oraz różnorodnych efektów dźwiękowych, co w efekcie końcowym tworzy niesamowicie oniryczną i hipnotyczną atmosferę.

***

 Brast Burn's "Debon" album was first released on Voice Records in the mid-seventies and it wasn't until 1998 that Clive Graham's Paradigm label brought it to the surface once more. Apparently, it was remastered from the original vinyl, but don't be put off, Graham has done a fantastic remaster job, altogether with a great sleeve.

There is something more to add to the mystery when he asks if anyone has any information as to the whereabouts of the group, where the album was recorded etc.

The album is made up of two long pieces (you guessed it) "Debon parts 1 & 2". A faded in Synth pulse starts the album off which morphs into an orchestration of fuzzed Guitar, echo-drenched Percussives, reverbed Bass Guitar , Pianos, Acoustic Slide Guitars, Zithers and all manner of Taped sounds, slowly letting the rhythm set a steady pace for the Vocals to begin. Well now, the lead Vocals always make me smile! Friends of mine have always come up with some corking descriptions: 'Damo Suzuki on Crack' , 'James Brown in Space' and er...'Shaun Ryder's Dad'!

Whatever description they should have, one thing is for sure, the Vocals are certainly inspired. Whilst the rest of the ensemble weave a bobbing chant of what sounds like "shoo-am-I, Shoo-am-I, Shoo-am I Shoo", the lead Voice interjects with grunts and 'yeahs' whilst an Organ or Synth sounds like a cross between a bumblebee and a stylophone, all the time the lead Voice gets more strained, eventhough you can almost tell he is lying down!

Electronic wind sounds signal a different direction for the track now and is flagshipped by a sound which is made, I think, by (a Tape Loop of ?) reverbed Electric Guitar strings which are struck to make it sound like an odd sort of ritual bell. Flutes and Tin Whistles flutter to the wind electronics and Sleigh Bells, backing an almost out of tune Synth (of course, this makes it all the more strange!). Tinny sounding Taped Church Bells herald the last segment of 'Part 1' and a more positive rhythm from the Hand Drums then glides in with more infectious chanting before a small explosion brings it to a halt.

The second half of this extraordinary (monged?) record ("Debon part 2"!) begins with Acoustic Guitars circling a forgotten nursery rhyme toon along with a cuckoo sound and dogs barking in the near background, ushering in more Voice gruntings and some very strange sounds sliding to and fro, so many things happening but at the same time there is a good sense of space amongst all the sounds. A 12-string Guitar comes in to send things a little off-kilter whilst the Voices, dogs and cuckoos swirl around your head.

This is a must for headphones, it's like there was a bunch of seasoned stoners on an expedition along the vast ice carpets in the tundra, consigned to being totally lost but evoking their gods through herbs and music (okay, so it's a normal weekend for some!).

They've experimented with the Percussion to great effect, using it through various electrical processes and it's easy to see a line of evolution through to modern day Japanese groups especially Ghost and the more laid back material of the Acid Mothers family.

When Can discovered Damo Suzuki busking on a Munich street and asked him to join them all those years ago, I think there was an instant (kosmische) connection between Japan and the European left-field musics that started some sort of mystical lineage... hey! perhaps it's best NOT to listen to Brast Burn with headphones on...you will certainly travel- that's for sure, and far out (man) at that...
 
Brast Burn are apparently linked with Karuna Khyal, some people say they were the same band, they had the next release on Voice Records and were also treated to the CD remaster courtesy of Paradigm, the album being "Alomoni 1985" and a more psychotic outing altogether!

If you enjoy Faust and Can (especially the E.F.S. sketches) and are partial to the aformentioned Ghost and Acid Mothers albums of recent years, then you'll certainly enjoy this music here and as I've already mentioned, all praise must go to Clive Graham for doing such a great job on the CD presentation. (Jim Tones)

link in comments 
3 comments
Posted in , ,

Spirit - Model Shop (1969)



Zainteresowanych historią amerykańskiej grupy Spirit odsyłam do encyklopedii np. Wiesława Weissa. Prezentowana pozycja to soundtrack do "niszowego" filmu z 1969 roku stanowiąca piękny łącznik pomiędzy płytami "The Family That Plays Together" z 1968 roku i bardzo eklektycznym albumem "Clear"z 1969 roku, która jest moim zdaniem jednym z najlepszych albumów w historii rocka.

Randy California - Guitar
Mark Andes - Bass
Ed Cassidy - Drums
Jay Ferguson - Percussion, Vocals
John Locke - Keyboards



Model Shop is a 2005 album by the Los Angeles group, Spirit, which collects the material they recorded in 1968, for the soundtrack to Jacques Demy's film Model Shop. Chronologically, the album's material falls in between their second and third albums, The Family That Plays Together (1968) and Clear (1969).

For his film, director Jacques Demy wanted a band that captured the vibe of Los Angeles as he saw it. After hearing Spirit perform in an L.A. club, he decided that they would be the perfect group for his film's soundtrack. However, the film itself was considered a failure and no soundtrack album was released at the time. Most of the material remained unreleased until 2005, following the discovery of a master tape of the original mono mixes.

Model Shop differs from other Spirit albums of the era, in that most of the songs were written collaboratively. Also, with the exception of "Now or Anywhere" and "Green Gorilla", the pieces are exclusively instrumental and hilight the Jazz leanings of the band.

There are noticeable musical overlaps between the pieces on the soundtrack and Spirit's second and third albums. Work on Model Shop had begun in the middle of recording sessions for The Family That Plays Together, and two outtakes from that album, "Fog" and "Now or Anywhere", would appear in different form on the soundtrack. Later, when Spirit began to gather material for Clear, the band drew from much of the material on the unreleased soundtrack. For example, "Model Shop II" became the title song to Clear and "Song for Lola" was used as part of "Ice".

link in comments
2 comments
Posted in , , , ,

Alexander "Skip" Spence - Oar (1969)



Alexander Lee "Skip" Spence (April 18, 1946 – April 16, 1999) was a musician and singer-songwriter best known for his work with Jefferson Airplane, Moby Grape and as a solo artist. His career was plagued by drug addictions coupled with mental health problems, and he has been described by a biographer as a man who "neither died young nor had a chance to find his way out." During his tenure in the public eye, he had a profound impact on the outsider music and psych-folk genres.

Alexander "Skip" Spence was born in Windsor, Ontario, Canada in 1946. His father was a machinist. The family relocated to San Jose, California in the late 1950s, based on his father finding work in the aircraft industry. Spence was a guitarist in an early line-up of Quicksilver Messenger Service before Marty Balin recruited him to be the drummer for Jefferson Airplane.

After one album with Jefferson Airplane, their debut Jefferson Airplane Takes Off, he left to co-found Moby Grape, once again as a guitarist. It was with Moby Grape that Spence found his greatest musical fame, writing among other songs, "Omaha", from Moby Grape's first album (1967) --a song identified in 2008 by Rolling Stone Magazine as one of the 100 greatest guitar songs of all time.

Spence is acknowledged as having been instrumental in the formation of the Doobie Brothers, by way of introducing John Hartman to Tom Johnston, and encouraging their musical development, as well as occasionally sitting in with their pre Doobie Brothers band Pud, though Spence never was an official member.

During the recording session of Moby Grape's second album, Wow, in 1968, Spence attempted to break down a bandmate's hotel room door with a fire axe, while under the influence of LSD. Spence's deterioration in New York and the "fire axe incident" are described by bandmate Jerry Miller as follows: "Skippy changed radically when we were in New York. There were some people there that were into harder drugs and a harder lifestyle, and some very weird shit. And so he kind of flew off with those people. Skippy kind of disappeared for a little while. Next time we saw him, he had cut off his beard, and was wearing a black leather jacket, with his chest hanging out, with some chains and just sweating like a son of a gun. I don't know what the hell he got a hold of, man, but it just whacked him. And the next thing I know, he axed my door down in the Albert Hotel. They said at the reception area that this crazy guy had held an axe to the doorman's head."

As described by bandmate Peter Lewis, it appears that both Jerry Miller and bandmade Don Stevenson were targets of Spence: "We had to do (the album) in New York because the producer (David Rubinson) wanted to be with his family. So we had to leave our families and spend months at a time in hotel rooms in New York City. Finally I just quit and went back to California. I got a phone call after a couple of days. They'd played a Fillmore East gig without me, and Skippy took off with some black witch afterward who fed him full of acid. It was like that scene in The Doors movie. He thought he was the anti-Christ. He tried to chop down the hotel room door with a fire axe to kill Don (Stevenson) to save him from himself. He went up to the 52nd floor of the CBS building where they had to wrestle him to the ground. And Rubinson pressed charges against him. They took him to the The Tombs (and then to Bellevue) and that's where he wrote Oar. When he got out of there, he cut that album in Nashville. And that was the end of his career. They shot him full of Thorazine for six months. They just take you out of the game."



During his six months in Bellevue, Spence was diagnosed with schizophrenia. On the day of his release, he drove a motorcycle, dressed in only his pajamas, directly to Nashville to record his only solo album, with no other musicians appearing on it, the now-classic psychedelic/folk album Oar (1969, Columbia Records).

Spence continued to have minor involvement in later Moby Grape projects and reunions. He contributed to 20 Granite Creek (1971) and Live Grape (1978), though his bandmates always included at least one of his songs on group recordings, irrespective of whether he was capable of performing with the group at the time. He had been similarly remembered by Jefferson Airplane, whereby his song "My Best Friend" was included on the group's definitive Surrealistic Pillow album (1967), despite his departure from the group.

Due to his deteriorating state and notwithstanding that he was no longer functioning in the band, Spence was supported by Moby Grape band members for extended periods. Voluminous consumption of heroin and cocaine resulted in a further involuntary committal for Spence. As described by Peter Lewis, "Skippy was just hanging around. He hadn't been all there for years, because he'd been into heroin all that time. In fact he actually ODed once and they had him in the morgue in San Jose with a tag on his toe. All of a sudden he got up and asked for a glass of water. Now he was snortin' big clumps of coke, and nothing would happen to him. We couldn't have him around because he'd be pacing the room, describing axe murders. So we got him a little place of his own. He had a little white rat named Oswald that would snort coke too. He'd never washed his dishes, and he'd try to get these little grammar school girls to go into the house with him. He was real bad. One of the parents finally called the cops, and they took him to the County Mental Health Hospital in Santa Cruz. Where they immediately lost him, and he turned up days later in the women's ward."

Mental illness, drug addiction and alcoholism thus prevented Spence from sustaining a career in the music industry. Much of his life was spent in third party care, as a ward of the State of California, and either homeless or in transient accommodations in his later years. He remained in and around San Jose and Santa Cruz, California. Peter Lewis regularly visited Spence during the latter years of his life: "The last five years I'd go up‚ he lived in a trailer up there‚ Capitola. I used to hang around with him; we'd spend the weekends together. But he just basically kind of hit the…he was helpless in a way in terms of being able to define anything or control his feelings."

As one of his four children, son Omar Spence, recalls, "When I saw my dad, it broke my heart. ...There were moments of clarity when he was genius smart, and then he'd wander off having a conversation with himself. Here's a homeless guy that most people would walk past and pity, and he'd say, 'I've been working on a song', and he'd scratch out some barre chords and musical notes on a napkin."

Spence died in 1999 from lung cancer, just two days shy of his 53rd birthday. More Oar: A Tribute to Alexander "Skip" Spence, an album featuring contributions from Robert Plant, Tom Waits, and Beck, among others, was released a few weeks after his death. Prior to its release, the CD was played for Spence at the hospital, in his final stages before death. As Peter Lewis recalls, "He was in a coma‚ and the last thing to go is your hearing. And they had More Oar in there and were playing it for him as they pulled the plug and we were holding his hands. I mean‚ it was like this death of Van Gogh or something. That's the drama of it. You know…it was just so intense."

Spence's "Land of the Sun", one of the only post-Grape recordings he ever completed, was nearly placed on The X-Files soundtrack, Songs In The Key of X. He had been commissioned to write the song.

In June, 2008, a Skip Spence Tribute Concert was held in Santa Cruz. The concert featured Spence's son Omar, who has sung with various configurations of Moby Grape in recent years. Omar Spence, singing his father's songs, was backed by the Santa Cruz White Album Ensemble, with Dale Ockerman and Tiran Porter, both formerly of the Doobie Brothers, and both of whom have played with various members of Moby Grape in several bands over the past three decades. Keith Graves of Quicksilver Messenger Service played drums. Peter Lewis joined the group onstage for the finale. An additional Skip Spence tribute concert was held in October, 2008.



The album was recorded after Spence had spent six months in Bellevue Hospital. The majority of the tracks were recorded using a three-track recorder. As described by Ross Bennett, "Combining the ramblings of a man on the brink of mental collapse with some real moments of flippancy and laughter, Oar is a genuinely strange record. Unsurprisingly, the journey from "Little Hands"’ Grape-esque guitar grooves to "Grey/Afro"’s terrifying nine minutes of mantric drone, isn’t an easy one. Even when Spence builds his songs around a familiar sound (primarily minimalist country-folk) unsettling oddities and ominous modulations creep in. ...at least he left Oar – more than most of us sane, functional people will ever manage. Just take a look at the tousled-haired, half-smiling figure gazing out from the record sleeve and tell me you don’t want to peer inside." The album is viewed by Lindsay Planer as follows: "A common motif to this album is the presence of saints and demons. Even the straightforward narratives such as the love ballad "Broken Heart" or "Cripple Creek" — which feature vocal treatments reminiscent of folkie Fred Neil — are bathed in unusual chord sequences and lyrical double-entendre. The majority of the sounds on this long-player remain teetering near the precipice of sanity."

Subsequent reissues have added ten more songs, in different stages of completion, to the original dozen. The original release ended with a fade out of "Grey / Afro". The 1999 Sony/Sundazed reissue appends "This Time He Has Come" to a fade-less "Grey / Afro", which reflects how the two songs appeared on the master tapes.

In 1999, the Birdman label of Burbank, California released a tribute album titled More Oar: A Tribute to Alexander "Skip" Spence. It featured covers of the original record's tracks by Robert Plant, Robyn Hitchcock, Tom Waits, Greg Dulli, Mark Lanegan, Ryan Mendoza, Wafic Omran, Beck, and others. (wikipedia)

link in comments
    Serpent.pl