3 comments
Posted in ,

Jason Ricci And New Blood - Done with the Devil (2009)



„To nasza najbardziej bluesowa płyta” – na te słowa Jasona Ricci czekałem długo. „Rocket Number 9” z 2007 roku spędził siedem tygodni na liście bluesowych przebojów Billboardu intrygując fanów i zachwycając krytyków nieokiełznanym połączeniem bluesa, jazzu, rocka i kilku innych gatunków. Ale właśnie, jak dla mnie było to połączenie zbyt nieokiełznane i chyba nie do końca mnie przekonało. Z nowym albumem jest inaczej. Otwierający playlistę utwór tytułowy to mocne uderzenie. Rytmika jak u North Mississippi Allstars, a i harmonijka nieco inna niż na zwykle, jakby ostrzejsza, na pewno bardziej riffowa. Pięć minut i jedenaście sekund mija szybko, otwierając worek, z którego wysypują się kolejne niespodzianki. Ot choćby „Sweet Loving” – lekka, soulowa piosenka o niesłychanie radosnej i miłej dla ucha melodii, murowany radiowy przebój. Z podbiciem muzycznych anten nieco większy problem będzie miało „I Turned Into A Martian”. Niejeden prezenter zastanowi się dwa razy, zanim zaprezentuje kompozycje o dosyć odważnym tekście. A szkoda, bo muzycznie jest niesłychanie ciekawa… Punkowo brzmiące zwrotki, refren kojarzący się z największymi hitami grupy Big Cyc i zawrotnej prędkości harmonijkowe solo pobudzają tak wyobraźnię, jak stopy słuchacza. Jeśli po takim opisie niektórych z Was ogarnął strach, uspokajam – zabawa przyjętą konwencją w żadnym momencie nie przekracza granic dobrego smaku. Nie brakuje tu bardziej tradycyjnie pojmowanego bluesa. „As Long As I Have You” Willie Dixona brzmi dostojnie, jak na klasyczne shuffle przystało. Gitarzysta Shawn Starski gra tu spokojnym, długim dźwiękiem, podczas gdy Ricci wtapia się dyskretnie w poczynania sekcji rytmicznej. W następującym zaraz potem „How It Come To Be” światła reflektorów znowu padają na Starskiego. Nie tylko śpiewa, bardzo dobrze dodajmy, ale też gra na akustycznej gitarze Dobro. Jego proste slide’owe zagrywki sugestywnie budują motorykę utworu. Gdy dodać do tego akustyczną harmonijkę, kontrabas i traktowany szczoteczkami werbel otrzymujemy coś, co brzmi jak „I Can’t Be Satisfied” Muddy Watersa w wersji wspomnianych już „gwiazd z północnego Missisipi”. Robi to wrażenie. W jednym z utworów wokalnie prezentuje się nowy perkusista zespołu, Ed Michaels. Napisany przez niego „Keep The Wolf From My Door” do postaci Howlin’ Wolfa nawiązuje nie tylko tytułem, ale też stylistyką głębokiego bluesa o wyraźnie zarysowanej linii basowej. Duża w tym zasługa suzafonu, czyli tuby marszowej, która na bluesowych płytach nie pojawia się często. To rzecz jasna nie koniec atrakcji. „Broken Toy” ucieszy miłośników powolnego bluesa, zaś „Afro Blue” spodoba się fanom zespołu Dereka Trucksa. Całość zamyka „Enlightment” – kompozycja Sun Ra podana w formie uroczego walca. Czy „Done With The Devil” zdobędzie tytuł najlepszego albumu, jaki Jason Ricci do tej pory nagrał? Czas pokaże. Mnie wydaje się bardziej przystępny niż „Rocket Number 9”, jakby w duchu pierwszych, pół-amatorskich poczynań Jasona, a przez to łatwiejszy do polubienia. Ja polubiłem go od razu. (Przemek Draheim)

Ci, którzy uważają, że we współczesnym świecie nie ma już muzyków, którzy przeszli przez piekło, by potem sprzedać duszę diabłu, powinni poznać bliżej Jason’a Ricci.

Harmonijka ustna, to dziwny wybór, dla kogoś, kto na scenie zachowuje się jak gwiazda punk rock’a i nie ustępuje zadziornością Sex Pistols. Jednak Jason Ricci pokazuje, że nie trzeba w młodości zbierać bawełny, żeby grać bluesa.

Tytuł jego ostatniej płyty „Done with the devil” mógłby sugerować, że muzyk zamierza skończyć ze swoją mroczną przeszłością, kiedy to przez narkotyki skończył w więzieniu. A jednak okultyzm, ciemne siły i opętanie, to tematy, które nadal go pociągają. Nie są to jedyne kontrowersje związane z jego osobą. Śpiewa o byciu odmieńcem i wyrzutkiem, nawiązując do swojego homoseksualizmu, o którym mówi otwarcie.

Jego muzyka, oprócz mroku i melancholii, ma w sobie energię, jaką nieczęsto się spotyka. Ricci jest barwną, charyzmatyczną postacią, więc kiedy wchodzi na scenę, skupia całą uwagę na sobie. (Weronika Makowska - lekcjamuzyki.wordpress.com)

A koncert był zajebisty ..... (savagesaints)



Jason Ricci: Vocals & Harmonicas
Shawn Starski: Guitars & Vocals
Todd "Buck Weed” Edmunds: Bass & Vocals
Ed Michaels: Drums & Vocals
Shawn Kellerman: Guitar & Vocals
Rudy Miller: Drums & Percussion
Phillip Wolfe: Piano & Organ

Make no mistake about it; Jason Ricci is the Best Thing to happen to Blues Harmonica in decades.” – Andy Grigg / Real Blues Magazine

Shawn Starski is the perfect foil for Ricci, an inventive guitarist who achieves great tone, has a long reach, and can express a number of styles, from psychedelic and funk to rocking or blue.” - Cashville

"a fiery, thrilling and boundary-smashing rock band...Ricci takes the harp into terrain with squonks and squalls that sometimes sound more like horns or guitars than harmonica.” - Dave Richards / Erie Times-News

It’s almost like Blues Traveler, Big Bad Voodoo Daddy and O.A.R. slammed some tequila and had a 15-pound love child, decided they couldn’t keep it, and then placed it in a steel barrel and sent it down to the river to be raised by aging black blues kings and their families.” – Graffit



When Jason Ricci & New Blood unleashed their genre bending album "Rocket Number 9" for Eclecto Groove Records in October of 2007, the band unwittingly turned the blues world on their respective ear with a visionary and sonically bombastic recording that created legions of new fans and spent a total of seven weeks on the Billboard Blues Charts hitting a peak position of #4. Ironically the band’s initial intentions were not designed with the blues connoisseur in mind, but instead to forge an album that could reach out to a new audience by implementing a wildly artistic and innovative approach. Surprisingly, rather than alienating the blues community the album was embraced and accepted with open arms.

Reviews began to pour in heaping praise on the band’s bewildering cache of talent and spectacularly breathtaking arrangements that rewarded the adventurous listener with a revelatory auditory experience that blasted them straight up into the stratosphere. Ricci landed a six-page feature article in the 2008 Feb/March issue of Blues Revue magazine and Living Blues (known for their strict coverage of the purely black traditional aspect of the art form), even heralded Jason as “one of the most innovative young harmonica players since Paul deLay and Charlie Musselwhite.” In addition, New Blood veteran Shawn Starski was named one of the Top Ten Hottest New Guitarists by a reader’s poll in the 2008 June issue of Guitar Player Magazine.

Now with the arrival of “Done With The Devil," Jason Ricci & New Blood deliver their most ambitious project to date. Recorded at the rustic Shadow Lane studio in Nashville, Tennessee, New Blood explores an album filled with even darker imagery than its predecessor. Prepare yourself for a journey unlike any other as the band throws into the fold all matter of instrumentation including chromatic, diatonic, chord and polyphonia harmonicas; tuba, bass harmonica, electric and upright bass; electric, acoustic and dobro guitars; Hammond B-3 and various percussion. Longtime fans can also revel in the surprising vocal debuts of guitarist Shawn Starski and drummer Ed Michaels. A truly collaborative effort, “Done With The Devil” represents another significant step forward musically for the band; an album that Jason Ricci mischievously exclaims “is a record that even a rhinoceros would like!” (deltagrooveproductions.com)

link in comments
3 comments
Posted in , ,

Abbe May - Howl & Moan + Hoodoo You Do (2008/2009)



Abbe May (pronounced Abby) is a vixen of vocal energy who hails from the west Australian capital of Perth. Backed by her aptly named band “The Rockin’ Pneumonia”, Abbe May’s debut release is a juxtaposition of scorching guitar blues riff and soft ukulele driven ballads, and ended up winning the 2007 WAMI award (never heard of it? Its ok, neither have I).

The album opens with the guitar fuzz assault of the title track “Howl & Moan”. Consisting of Abbe May’s distinct and powerful voice addressing the prospect of marriage, and how “he’s the only one”. ‘The Rockin Pneumonia’ highlight the vocal delivery with the savage bursts of heavy guitar solo’s and the savage drumming. The high energy of the album is continued on the next track “You Gonna Get It”, a rollicking journey to the pub to listen to the local band, and then complain that they’re playing to loud.

After the fast pace of the previous tracks, things slow down with the mellow country ballad “We’ll Take A Trip Up The Country” which features backing vocals from male band member KT Rumble, giving the song a pleasant dreamy feel. The comically named “Costanza” is a reference to Seinfeld (I Can’t Stand You). Featuring a solid riff and simple beat, it is driven by Abbe’s sultry delivery of pained lyrics like “I still love you/but there ain’t no hope/and I’d hang myself/if I had enough rope”. Cap it off with a belting solo and you have the first single from the album.

Tracks “Ma” and “Old River” seem to blend together towards the middle of the album, after the previous track they are very soft acoustic ditties (“Old River” even has a whistle solo) and seem somewhat out of place at this stage of the album. “A Blackout In Your Town” is a ominous death ballad with Zeppelin like guitars and vocals, accompanied by the lyrics ‘I Smoked enough/than I really should’.



What better way to extenuate the soft-loud dynamic of the songs on this album than to have a sea-faring ballad played on ukulele? “Storm” is calming tale of bad weather retreating back out over the ocean, backed by a deep double bass and Abbe’s crooning voice floating away into the distance. You pick up the album for some rocking tracks, and then you are captured by the softness and beauty of this elegant piece.

“Sidesteppin’” is another short track that doesn’t seem to quite fit in with how it is positioned on the album, but provides a gently transition and build up from “Storm” to the next track.

The album ends with the dark, eerie sounds of “Lay Me Down”. Vibrato guitars echo out as the lead is laid down, building up the chorus breaks which are just pure explosions of guitar burst and static.

This album is best played whilst driving down the highway at obscene speeds, or while sitting around at home trying to polish of that scotch bottle, but never both at once. (sputnikmusic.com)



Born in a small town, educated under the spell of organised religion and maturing in the spotlight of rock’n’roll. It’s a formula that can be seen in the icons of yore – Elvis Presley, Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Little Richard, to name but a trivial sample. It’s fitting therefore that Perth singer, songwriter and blues-rock aficionado Abbe May takes her artistic cues from the original rock’n’roll community. Having cut her teeth in Perth garage rock band The Fuzz, May now pursues her own musical interests, initially with the Rockin’ Pneumonia, and subsequently via the Devil and Abbe May project.

May grew up in the West Australian town of Bunbury, south of Perth. “It’s a pretty small city,” she says. “It was a conservative place, but my parents weren’t particularly conservative.” By her teenage years, she had adopted an androgynous appearance that gradually set her apart from other Bunbury teenagers. It was in these early years – as a self-confessed outsider – that May first discovered the blues. Celebrating the margins of society, the blues provided immediate inspiration. “It wasn’t as if I was like a black slave in a white society,” May jokes, “but there was something in the blues that I was attracted to.”

Later, May moved to Perth where she shared a house with her brother KT Rumble, who was playing in The Fuzz. She was quickly drafted in on vocal duties. “By the time I got to Perth, The Fuzz had been going for four or five years. I moved to Perth, moved in with my brother and joined his band.”



While The Fuzz provided May with her initial rock’n’roll education, May gradually began to desire greater independence and autonomy in her artistic direction. “A band is very much a co-dependent relationship,” she says, “and there’s a point when that relationship breaks down. Up until I went out on my own I was doing someone else’s songs, but I was increasingly developing my own style.”

May put together a backing band, the Rockin’ Pneumonia, which took its name from her love of 1950s rock’n’roll. “The phrase ‘rockin’ pneumonia’ is used by Chuck Berry [“I got the rockin’ pneumonia/I need a shot of rhythm and blues” from ‘Roll Over Beethoven’],” she says. “I suppose my interpretation of that is that ‘I’ve got the blues’”. The name is also linked to her desire to invoke the spirit of the original rock’n’rollers – and their country cousins. “The Rockin’ Pneumonia started out as hokey, bluesy, country stuff,” she says.



In 2007, May released her debut album with the Rockin’ Pneumonia, Howl and Moan, a caustic and invigorating take on blues rock. Despite the blues’ occasionally misogynistic tendencies, May says being a female artist was never a problem. “It’s never been a problem, ‘cause I sing like a man,” she quips. “But it’s also really important to remember that there’s lots of great blues singers, like Lucy Bogan. It’s no different to other fields that are dominated by men. Although it’s still largely a patriarchal society, I haven’t found any major problems. I’m just engaging in some subversive resistance – tongue-in-cheek, of course.”

May’s other recent project is The Devil and Abbe May, a darker, more intense and slightly cathartic take on the blues and its suggested irreligious character. “The Devil and Abbe May is far closer to rock’n’roll as it started out,” she says. Initially conceived as two parts of the same project, May decided that The Devil and Abbe May warranted its own expression separate from the Rockin’ Pneumonia. “By the time I finished touring Howl and Moan, I realised that I wanted to keep them separate. I suppose the distinction is that The Devil is more nostalgia blues, whereas Rockin’ Pneumonia is more my Blues Explosion. Basically, they’re two sides of my writing.”

Both projects see May draw from her own background, particularly her religious education. Born to a Catholic mother and Protestant father (who eventually converted to Catholicism after dabbling with various other denominations), May attended a Catholic school and was immersed in the various tenets of the religion. She admits her Catholic education plays a part in her music. “Very much so,” she explains. “The teachings really thrive on guilt, and I spent a long time under the thumb of Catholic guilt. The whole Devil album is about throwing off that guilt.” May’s upbringing has also played an important role in constructing her perspective on the world. “It ended up with me being spiritual, rather than religious,” she says. “It has had a massive impact on me, because it made me aware of the scriptures and the nexus between religions.”

As for the extent to which her songs are personal, May takes a bet each way. “Even if I try to write in an impersonal manner, the songs always tend to have an element of self-expression. Even if the songs aren’t supposed to be about me, then I still I have to find someone to have an element of the self in there.”

The Rockin’ Pneumonia have just released their latest record, the Hawaiian Disease EP. After completing a national tour to promote the record, May aims to head back into the studio to record her next album, which she claims will be a major deviation from both Howl and Moan and Hawaiian Disease. “The next album is going to be completely different,” she says. “The working title is ‘Sexorcism’ – it’s got bits of Prince-style melodies and afro-beats. I’m making it virtually unrecognisable from what I’ve done so far.”

For the time being, May is happy to remain in Perth. She’s positioned herself neatly in the local independent music scene and recently guested on a recent release for the Painkillers (James Baker and Joe Bludge). “I’d like to make Perth my base,” May says. “I’ve got a lot of ties here and there’s lots of great people. I’m hoping to get overseas next year. The records are starting to make profits now, so that should help in getting overseas”.

Fuckin' hoodoo-voodoo-bloozy-garage stuf. Strongly recommended.

link in comments
3 comments
Posted in , , ,

Ali Farka Touré - Savane (2006)


Ali Farka Touré to międzynarodowej sławy gitarzysta oraz wokalista pochodzący z Mali. Uznany został za mistrza pustynnego bluesa, jego muzyka postrzegana jest jako doskonałe połączenie tradycyjnej muzyki malijskiej i amerykańskiego bluesa.

Urodził się w 1939 roku w północnej części Mali, w rodzinie szlacheckiej. Właśnie z racji swojego pochodzenia, zgodnie z panującą tradycją nigdy nie powinien zacząć tworzyć muzyki. Okazał się jednak człowiekiem pełnym niezależności oraz determinacji i ostatecznie nic nie zdołało powstrzymać go przed kultywowaniem swojej muzycznej pasji.

Po raz pierwszy wziął gitarę do ręki w dziesiątym roku życia, jednak prawdziwa przygoda z tym instrumentem zaczęła się dla niego dopiero siedem lat później. Wcześniej uczył się gry na tradycyjnej  jednostrunowej gitarze gurkel oraz jednostrunowych skrzypcach njarka. W 1956 roku niezwykle poruszony występem gwinejskiego gitarzysty Keita Fodeba postanowił ostatecznie grać na zwykłej gitarze, stosując jednak często techniki, których nauczył się przy grze na gurkel.

Pod koniec lat 60-tych ma okazję usłyszeć takich wykonawców jak Ray Charles, Otis Redding, James Brown, Jim Smth, Albert King i co najważniejsze John Lee Hooker. U artystów tych Ali Farka Toure odnalazł elementy tradycyjnej muzyki malijskiej, w otoczeniu której dorastał i kształtował swój styl.



W 1976 roku nagrywa pierwsze płyty, wydawnictwa te jednak nie wiedzieć czemu nie przynoszą większego sukcesu. W okresie tym wiele i udanie koncertuje jednak na obszarze Afryki Zach. ukazując ogromne dziedzictwo kulturowe Mali.

Z całą pewnością do szerszego rozpropagowania twórczości tego muzyka na świecie przyczyniła się wytwórnia World Circuit. To właśnie ona pomogła w 1987 roku zorganizować występy w Europie, a następnie wydaje pierwszy album na paru kontynentach.

Dopiero po tych wydarzeniach na całym świecie muzyka tego twórcy zostaje prawdziwie doceniona i odbierana wręcz entuzjastycznie. Wielu uznanych muzyków, m.in. Taj Mahal i Correy Harris wyraża chęć współpracy z mistrzem saharyjskiego bluesa. W duecie z Ry Cooderem nagrywa płytę "Talking Timbuktu" uhonorowaną w 1994 roku nagrodą Grammy. W 2005 roku wraz z Toumani Diabate wydaje płytę "In the Heart of the Moon", za którą otrzymuje drugą nagrodę Grammy.

Warto pamiętać przy tym, że Toure nie porzucil nigdy życia na malijskiej wsi, mocno angażując się w sprawy lokalnej społeczności, w efekcie czego w 2004 roku zostaje wybrany nawet burmistrzem rodzinnej miejscowości.

Niestety w 2006 roku, w wieku 66 lat Ali Farka Toure umiera po przegranej walce z nowotworem kości.

Jego ostatni album "Savane" został wydany pośmiertnie w 2006 roku, wydawnictwo  spotkało się z szerokim uznaniem krytyków oraz fanów. Muzyka na nim zawarta to krótko mówiąc esencja bluesa, swego rodzaju sam na sam z instrumentem, melodią i ekspresją. Artysta czerpie z najlepszej afrykańskiej tradycji, wszystkie utwory zawarte na tym krążku emanują prostotą a przez to uderzają prosto w umysł i  pozostają w nim na dłużej.


Ali Farka Toure was born in 1939 in Gourmararusse (in the Timbuktu region), Mali, into the noble Sorhai family. Being of noble birth, he should never have taken up music. His family disapproved because the musician profession is normally inherited in Malian society and the right to play belongs to the musician families. However, being a man of determination and independence, once he decided to take up music, there was no stopping him.

Ali Farka Toure took up the guitar at the age of ten, but it wasn't until about age 17 that he really got a handle on the instrument. In 1950 he began playing the gurkel, a single string African guitar that he chose because of its power to draw out the spirits. He also taught himself the njarka, a single string fiddle that is today a popular part of his performance. Then in 1956, Ali Farka Toure saw a performance by the great Guinean guitarist Keita Fodeba in Bamako. He was so moved that he decided then and there to become a guitarist. Teaching himself, Alila Farka Toure adapted traditional songs using the techniques he had learned on the gurkel.

During a visit to Bamako in the late 1960's, artists such as Ray Charles, Otis Redding and most importantly John Lee Hooker introduced Ali Farka Toure to African-American music. At first, he thought that Hooker was playing Malian music, but then realized that this music coming from America had deep African roots. Ali Farka Toure was also inspired by Hooker's strength as a performer and began to incorporate elements into his own playing. During those years Ali Farka Toure composed, sang and performed with the famous Troupe 117, a group created by the Malian government after the country's independence.

Ali Farka Toure trained as a sound engineer, a profession he practiced until 1980, when he had saved enough money to become a farmer, which he is to this day. His recording career began in France in 1976, but that phase of it ended poorly, as Toure was never properly compensated. For years he followed a successful career in West Africa adapting traditional songs and rhythms in ten languages from Mali's enormous cultural wealth. This career was combined with a life rooted in his village. While touring widely in Africa and also occasionally in Europe and America, Toure preferred the security of his village life, family and friends, crops and livestock

In 1990, Toure abandoned music in order to tend to his farm, in his native Timbuktu. His producer managed to convince him otherwise and to return to his guitar. Two years later, he recorded the famous CD Talking Timbuktu with American guitarist Ry Cooder. The album won a Grammy award.



Despite the success with Talking Timbuktu, Ali Farka Toure wasn't willing to leave his rice farm in Mali to record an album. Producer Nick Gold had to set up the equipment in an abandoned brick hall in Niafunke, Mali, using portable equipment and gasoline generators to compensate for the fact that Toure's hometown has no power lines. The crew had to wait till Farka Toure was done with his chores and ready to play the guitar. Farka Toure said: "We were in the middle of the landscape which inspired the music and that in turn inspired myself and the musicians. . . . In the West, perhaps this music is just entertainment and I don't expect people to understand."

In 2004 Ali Farka Toure was appointed mayor of the Niafunke region of Mali. Ali has remained extremely loyal to his homeland and spends most of his time in the area, working on his farm. Ali's key election promises to his constituents included tackling the malaria problem, cleaning up the region, and establishing a tree planting project.

In January of 2004, World Circuit's Nick Gold was recording Ali Farka Toure's first album in five years. The guitarist and his longtime producer from World Circuit invited Toumani Diabate to join Toure for one track: the traditional Malian song, "Kaira." Without rehearsal, the duo improvised a version of the piece and quickly began recording another. The collaboration was so successful Nick Gold suggested they create an entire album together.

In 2004, Ali Farka Toure was elected mayor of his home town of Niafunke. In July of 2004, Nick Gold took his World Circuit team and their longtime engineering collaborator Jerry Boys (Buena Vista Social Club) to Bamako, Mali to record In the Heart of the Moon. They set up a mobile studio in the Hotel Mande in Bamako, overlooking the Niger River and recorded the album there in three two-hour sessions. Drawing on a body of traditional songs familiar to both men, Toure and Diabate again began without rehearsing together beforehand. Only one song required a second take-because it had been interrupted by a rainstorm.

In the Heart of the Moon was the first of a trilogy of albums Nick Gold's label recorded at the Hotel Mande. The record also includes subtle contributions from Ry Cooder on piano and guitar; Sekou Kante and Cachaito Lopez on bass; and Joachim Cooder and Olalekan Babalola on percussion. In the Heart of the Moon won a world music Grammy in 2005.

Ali Farka Toure died March 7, 2006, from bone cancer. (worldmusiccentral)

link in comments 
2 comments
Posted in , , ,

Nathaniel Mayer - Why Won't You Let Me Be Black? (2009)



Nathaniel Mayer to według mnie jeden z najwspanialszych głosów w historii muzyki rozrywkowej. Wielka szkoda, że jest tak niedoceniany. Niestety nie będziemy mieli okazji zobaczyć go już "na żywo", ponieważ w wieku zmarł w 2008. Urodził się w 1944 w Detroit. Mayer karierę rozpoczął na początku lat 60, ale cały czas pozostawał jakoś w cieniu. Brzmienie jego głosu było bardzo charakterystyczne. Uważano go za mistrza soul. I faktycznie jego głos był soulowy, ale charakteryzował się bardzo bluesowym pazurem - nie stroniąc od rockowej drapieżności. Teraz już się domyślam skąd swoją inspirację czerpał Mitch Ryder czy Captain Beefheart.



Nathaniel Mayer (born 10 February 1944 in Detroit, Michigan, died 1 November 2008) was a rhythm & blues singer who started his career in the early 1960s at Fortune Records in Detroit, Michigan. "Nay Dog" or "Nate," as he was also known, had a raw, highly energetic vocal style and wild stage show.

After a 35 year absence from music, in 2002 Mayer began recording and touring again, releasing albums with Fat Possum, Alive Records and Norton Records.

Mayer started his career at Fortune Records, a Detroit record label owned by Jack and Devora Brown. There he became label-mates with fellow Fortune stars Nolan Strong and Andre Williams. Mayer would stay with the label for six years, recording a handful of records.

When Mayer was 18 years old he scored a Top 40 hit record in 1962 with "Village of Love," credited to Nathaniel Mayer and The Fabulous Twilights. It was originally released on Fortune Records, who then leased the record to United Artists Records for wider distribution. Follow-ups such as "Leave Me Alone" (late '62) and "I Had A Dream" ('63) failed to duplicate the success of "Village of Love" (although both records, especially "Leave Me Alone," sold well regionally). In 1966, Mayer released "I Want Love and Affection (Not The House Of Correction)," a funky offering in the James Brown vein. He then split with Fortune Records due to differences.

After Mayer’s Fortune Records days, his whereabouts were practically unknown and only ever confirmed by vague rumors for several decades. Though he did surface in 1980 to record the "Raise the Curtain High" 45 rpm. It would be the only release from Mayer between 1966 and 2002. Disappearing into the ghettos of East Detroit for the next two decades, rumors compounded, turning Mayer into a walking urban legend. However, after Norton Records released "I Don't Want No Bald-Headed Woman Telling Me What to Do" in 2002 (a never before released recording from 1968), Mayer was inspired to record and perform again.

Mayer staged a full fledged musical comeback in 2002. His once-sweet soul scream had deepened to a rasping growl, giving his latter albums a whole new feel. He played clubs and festivals, gaining a new generation of fans with his exciting live shows.



In 2004 Mayer returned to the studio to record I Just Want to Be Held for Fat Possum Records, a Mississippi label known mostly for releasing records by obscure bluesmen. In 2005 he toured with fellow Fat Possum artist The Black Keys. In 2006 Stardumb Records, a record label based out of The Netherlands, released a 7" single featuring three songs taken from the Fat Possum album.

Mayer's last sessions were released across two albums, 2007's Why Don't You Give It To Me? and 2009's Why Won't You Let Me Black?, both on Alive Records and featuring Dan Auerbach of The Black Keys, Matthew Smith of Outrageous Cherry, Troy Gregory of The Dirtbombs, and Dave Shettler of SSM and The Sights.

Today, Mayer's influence can be heard in multiple soul and garage bands. The Detroit Cobras remade "Village of Love" in 1996. While "Leave Me Alone" was remade by The Hard Feelings and Holly Golightly, Eve Monsees, The Exiles and the Gibson Brothers have all recorded "I Had A Dream."

Within a year after completing his first European tour, Mayer suffered multiple strokes. After months of hospitalization, Nathaniel Mayer died on November 1, 2008 in Detroit, Michigan. (wikipedia)

link in comments
1 comment
Posted in ,

Canterbury Glass - Sacred Scenes And Characters (1968)



In 1968, Canterbury Glass recorded six tracks in London for an album that went unreleased at the time, the group disbanding after interest from a couple record labels fell through. Nearly 40 years later, many of the tapes were rediscovered and issued on this CD. This isn't quite the original album; two of the six tracks couldn't be found, and the "bonus" cut, a demo of one of the two missing songs, apparently bears no resemblance to the version recorded for the album. Still, since all four of the tracks retrieved from the original album sessions last around ten minutes, the CD does offer what would have been a healthy-sized LP by 1968 standards. Unlike many such relics to see the light of day in the CD age, it's not a run-of-the-mill psychedelic outing in terms of either style or quality. With the religious tones of both the music and lyrics (some of which are sung in Latin), it's a little like hearing the Electric Prunes' late-'60s pseudo-religious concept LPs, but as done by a British band whose members were playing it straight, rather than because some producers and arrangers foisted a gimmick upon them. There's a consciously cathedral-music-goes-rock flavor to the proceedings, the standard psychedelic guitar rock being augmented by churchy organ, harpsichord, flute, and male-female choral harmonies. In some respects, the blend resembles psychedelic-early progressive rock crossover bands like Procol Harum and Caravan, the difference being that while those groups used classical-religious influences as a prominent shading, Canterbury Glass employ them as driving forces. While there's an earnest naďveté to the proceedings that might either charm or turn off listeners depending on their tastes, it's also haunting and unusual, and not nearly as explicitly derivative as many such unsigned bands of the era. It's a worthwhile curiosity for those who want to hear what was briefly called "God rock" done with accomplished integrity, though the bluesy demo of "We're Going to Beat It (Battle Hymn)" isn't nearly up to the standards of the rest of the material. ~ Richie Unterberger

A prog rock curio from 1969/1970 , the first rock LP produced by future U2 producer Chris Kimsey, with musical influences from Westminster Cathedral to Caravan.Recording at Olympic Studios in 1969. Mainstays of the band Canterbury Glass, Malcom Ironton and Mike Hall, were Hornsey Art College students, where Pink Floyd developed their experimental light shows. Bids from Polydor , EMI and CBS were played off against each other by the bands manager, who duly lost the lot and the album remained unreleased. (Though it did reach front cover stage, the artwork for which survived and we have it here). A further session track from a Regent Sound session has since been recovered and added to this rather unique package.

Steve Hackett - guitar
Valerie Watson - flute, harmonica
David Dowle - drums

Record Collector - There will certainly be a frisson of excitement among collectors about the appearance of a previously unissued album from a group from the 1967/68 London underground scene. They won’t be disappointed with this interesting effort, complete with its originally planned sleeve. The group of North Londoners, with female flute, harmonica player and singer, had settled themselves in an ambitious furrow, taking in the rise of interest in church-related music, as fuelled at the time by the Missa Luba and the film If. Canterbury Glass worked up the long, multi-sectioned pieces of Kyrie and Gloria, drawing on a wealth of contemporary influences and, in some cases, anticipating some of the later ambitious prog-rock. Though rooted in church music, you hear snatches and elements of the quieter Seeds sounds, some Vanilla Fudge, Caravan and much more, and as such, this is bound to attract a good deal of interest. Prologue includes early guitar work from Steve Hackett, and a previous group demo, We’re Going To Beat It, is added as a bonus to the originally-planned album release. The whole is certainly evocative of the Middle Earth scene in 1968, which is no bad thing.

link in comments
1 comment
Posted in , ,

The Necks - Sex (1989)


The Necks są w rodzinnej Australii grupą kultową. Chris Abrahams (fortepian), Tony Buck (perkusja) i Lloyd Swanton (bas) tworzą muzykę, wymykającą się wszelkim sztywnym określeniom. Ci trzej muzycy należą do najbardziej szanowanych australijskich instrumentalistów, działając od lat na każdym polu - od popu po awangardę. Razem lub osobno zaliczyli udział w sesjach ponad dwustu albumów, ale muzyka The Necks jest odległa od wszystkiego, czym do tej pory się zajmowali. Długie kompozycje Australijczyków zniewalają swym urokiem i natarczywym, głebokim groove'em. The Necks są niezwykłym zjawiskiem, czerpiącym z awangardy, minimalizmu, ambientu i jazzu, a jednak zdecydowanie oryginalnym.

Formuła tria opiera się na bardzo długich improwizacjach, które charakteryzują się powolnym, stopniowym rozwijaniem i transformacją tematów wyjściowych. Tematy te bywają bardzo różne, także właśnie specyficzne podejście do muzycznego czasu konstytuuje styl grupy. Istotą występów The Necks jest improwizacja zmierzająca do organicznego rozwoju stworzonego na początku motywu, przy czym ważnymi wyznacznikami obranej przez nich metody jest oszczędność, prostota, repetycja. Mimo mistrzowskich umiejętności każdego z muzyków, brak w muzyce tria solowych popisów, najważniejsza jest dyscyplina obranej drogi. Wszystko to prowadzi do transowej, hipnotycznej formy i sprawia, że koncerty The Necks są absolutnie wyjątkowym przeżyciem.
 

Unclassifiable, the Necks stand aside any other musical act Australia has gave birth to. Neither jazz nor rock, this deceptive piano trio has kept a single line of conduct throughout its career. They usually start playing a very basic melodic and rhythmic figure, and then keep going at it for an hour, gradually introducing microscopic changes and variations. Some critics have compared them to Krautrock groups like Can and Faust. Others find similarities in the works of minimalist composers like LaMonte Young, Tony Conrad, even Philip Glass.

The Necks were formed in Sydney, Australia, back in 1987. The original lineup of pianist Chris Abrahams, bassist Lloyd Swanton, and drummer Tony Buck remained stable, even though they all lead busy and highly different careers. Abrahams is an acclaimed session keyboardist who has released a couple of solo piano albums, has written music for film and television, and toured the world in 1993 with the rock group Midnight Oil. Swanton is a much in-demand session jazz bassist and a regular of the jazz festival circuit. He has played in the Benders and the Catholics, and accompanied Stephen Cummings and Sting. Buck spends most of his time in avant-garde circles, with multiple collaborations and projects. His best known engagements have include the trio PERIL and the klezmer-punk group Kletka Red...

The Necks' first album was released in 1989 in Australia and in 1996 on the label Private Music in the U.S. Right from the start, all the elements of the group's sound were firmly in place. The difference between Sex and the many other CDs they would record afterwards is the purity: The trio's hypnotic repetitive piece relies only on piano, bass, and drums; no electronics, extra keyboards, samples, or lengthy introduction. We would have to wait for Piano Bass Drums  nine years later before they would come back to these essentials. Apart from the instrumentation, everything here is as one would expect from a Necks album. There is a single hour-long track, a two-bar motif repeated endlessly with minute variations "populating" it. Pianist Chris Abrahams remains self-effaced, keeping things very quiet. The light swing in Tony Buck's high-hat and Lloyd Swanton's bass give the piece a serious jazz feel - probably the reason why the group continued to be considered jazz, even though their music exists outside standard categories...(François Couture)

link in comments 
2 comments
Posted in ,

Teatr Strefa Ciszy - Salto Mortale


Salto Mortale - czarny cyrk na sześć fortepianów i dwunastu aktorów to poruszające widowisko, zainspirowane niezwykłą historią z końca II Wojny Światowej, kiedy to w niemieckim mieście Stettin (obecnie polski Szczecin) wojska sowieckie plądrując miasto zrabowały setki fortepianów, by wywieźć je do Związku Radzieckiego. Zgromadzone instrumenty ciągnęły się kilometrami wzdłuż torów kolejowych w oczekiwaniu na transport. Z niewiadomych przyczyn nigdy ich jednak stamtąd nie wywieziono. Porzucone i zapomniane niszczały przez lata, aż wreszcie rozpadły się zupełnie zabierając ze sobą fragment pamięci miasta oraz dawny porządek i kulturę. Za każdym z nich stała indywidualna ludzka tragedia, a wszystkie razem – zdewastowane i porzucone stały się symbolem kultury sprofanowanej przez potworności wojny.

Salto Mortale pokazuje tę historię w metaforyczny sposób, tworząc obraz przedziwnego żałobnego konduktu fortepianów prowadzonych przez cyrkowych artystów. Ta osobliwa, trochę wykolejona trupa cyrkowa przemienia żałobną ceremonię w szał zniszczenia. Instrumenty stają się z początku obiektami groteskowej rozrywki, by w konsekwencji ich forma i idea została doprowadzona do ostatecznego rozpadu.

Salto Mortale to opowieść o niepamięci, o kondycji współczesnej cywilizacji wyrosłej na powojennej traumie i o historii, która jest dosłownie i w przenośni częścią naszego codziennego krajobrazu – często niechcianą, bolesną i zapominaną.

Spektakl powstał w 2008 roku w ramach Roku Polskiego w Izraelu i został wyprodukowany przez Fundację Międzynarodowego Festiwalu Malta oraz Instytut Adama Mickiewicza. Premiera pierwszej wersji odbyła się w Polsce i Izraelu przy współudziale Clipa Dance Theater z Tel Avivu. Obecnie spektakl grany jest w obsadzie aktorów Teatru Strefa Ciszy i polskich tancerzy.

Teatr Strefa Ciszy powstał z inicjatywy Adama Ziajskiego  w 1993 roku w Poznaniu. Grupa, prężnie działająca do dzisiaj, od lat jest jednym z ważniejszych przedstawicieli poznańskiej alternatywy. Jej działalność wpisuje się poniekąd w nurt teatru ulicznego, jednak spektakle "Strefy" dość mocno odbiegają od tradycyjnego działania teatru ulicy. Brak w nich spektakularnych efektów świetlnych i pirotechnicznych, brak przemieszczającej się maszynerii, brak widowiskowych popisów szczudlarzy i dominującej nad teatralną akcją muzyki. Działalność teatralna Strefy Ciszy oparta jest przede wszystkim na szczerym i bezpośrednim kontakcie z widzem, na ich wzajemnej interakcji w miejskiej przestrzeni publicznej. Grupa Adama Ziajskiego nigdy nie miała ambicji tworzenia teatru zaangażowanego politycznie. Przeciwnie, głównym założeniem jej członków, jest i było tworzenie radosnej atmosfery, inicjowanie niecodziennego, zaskakującego spotkania - święta, między artystą a przechodniem z ulicy. To święto jest doskonałą okazją do oderwania się od szarej rzeczywistości, pod warunkiem, że widzowie zechcą "wejść" w powierzone im przez aktorów role. Uczestnikiem animowanego przez "Strefę" świątecznego wydarzenia może być każdy - bez względu na wiek, płeć, wykształcenie czy wykonywany zawód, warunkiem uczestnictwa jest jedynie wykazanie chęci i aktywne działanie na rzecz toczącej się akcji. (culture.pl)



Salto Mortale is a black circus for six grand pianos and twelve actors, it is a universal story about the end of the old order, about humiliation of those in authority and obliteration of our heritage. It was inspired by an authentic event from the 2nd World War. When the fighting was coming to an end, the Russian army stationed in Stettin (presently Szczecin), stole hundreds of pianos and wanted to take them to the Soviet Union. The instruments were lying for months along the railway track but for some unknown reasons they were never transported anywhere. Abandoned and forgotten, they were disintegrating until they became ruined taking down with them a part of the city memory and a part of the old order and culture. Each piano carried with it a history of human tragedy, and together – devastated and abandoned – they became a symbol of art and culture profaned by the atrocities of war.

Salto Mortale presents this story in a metaphorical way, creating an image of a strange piano funeral procession lead by circus artists who will transform the funeral ceremony into a mad ritual of destruction. The instruments – objects of grotesque entertainment – will be eventually totally ruined. “We are interested not only in the past, but most of all in what we are experiencing here and now”, says Adam Zajski. Salto Mortale is a story of oblivion, about the condition of contemporary civilization that grew on the post-war trauma and history that is verbatim and metaphorically a part of our everyday landscape – often unwanted, painful and forgotten. The spectacle was created in 2008 as a part of the Polish Year in Israel, and the premiere of its first version took place in Poland and Israel in cooperation with Clipa Dance Theater from Tel Aviv. Presently Salto Mortale is performed by Teatr Strefa Ciszy actors and Polish dancers.

Teatr Strefa Ciszy (The Silence Zone Theatre) is one of the most popular theatre companies performing in the streets, in urban space, provoking unexpected situations. The company was created in 1993 by a group of friends. Initially they worked inside, then they moved the area of their artistic quest outside. Adam Ziajski, the leader of the group, in the following way explains why the group left the traditional box theatre: “the street was an answer to the problem of my inner disagreement with the conventionality of the enclosed space. When I went out into the open space with The Judases in 1995 I discovered how the street could fuel the theatre with its liveliness, its tensions, vitality and ‘organicality’.” Several dozen happenings and performances in Poland and abroad, including The Judases, The City Vaudeville, Mission, Pressing, and Postscriptum indicate that when we talk about Teatr Strefa Ciszy, we talk about an urban theatre. They were the first to use urban atmosphere and traditions on such a wide scale in order to construct dramatic tales. This particular characteristic of Adam Ziajski’s artistic activities is complemented by his company’s orientation towards a continuous contact with the spectator, and interaction with every passer-by they come across on the street, with anyone who can complete the actors’ activities thanks to their personality, physiognomy, social function, or life role, with anyone who can discover their creative abilities, inclination to play, and to reflect on everyday life thanks to the actors of Teatr Strefa Ciszy. (sztukaulicy)

2 comments
Posted in , , ,

Meshell Ndegeocello - Devil's Halo (2009)



Prawdziwe nazwisko Michelle Lynn Johnson. Amerykańska piosenkarka, kompozytorka, autorka tekstów, raperka i multiinstrumentalistka. W swojej muzyce łączy elementy soul, funk, hip-hop, reggae, R&B, rocka i jazzu. Cieszy się uznaniem krytyków. Otrzymała dziesięć nominacji do nagrody Grammy. Uważa się ją za prekursorkę ruchu neo-soul.

Urodziła się 29 sierpnia 1968 roku w Berlinie jako córka saksofonisty w randze porucznika Jacquesa Johnsona oraz pracownicy służby zdrowia Hellen. Dorastała w stanie Washington, gdzie uczęszczała do Duke Ellington School of the Arts i Oxon Hill High School. W trakcie swojej kariery wielokrotnie zmieniała nazwisko, aby w końcu przyjąć pseudonim Meshell Ndegeocello, co oznacza „wolna jak ptak”.

Ndegeocello jest biseksualna. Przez kilka lat była w związku z pisarką i feministką, Rebeccą Walker. Choruje na epilepsję wywoływaną przez błyski światła, jak choćby fleszy aparatów fotograficznych. W 1989 roku urodziła syna, który nosi imię Askia.

Artystka zasłużyła się dla sceny go-go pod koniec lat 80. występując z takimi zespołami, jak Prophecy, Little Bennie and the Masters czy Rare Essence. Nie udało jej się zająć miejsca basistki w zespole Living Colour w 1992 roku. Jako solistka podpisała kontrakt z Maverick Records, dla której nagrała swój debiutancki album „Plantation Lullabies”. Album zaprezentował artystkę jako dwupłciową personę.



Jej największym przebojem jest cover Vana Morrisona „Wild Night”, nagrany wspólnie z Johnem Cougarem Mellencampem. Piosenka dotarła do 3. miejsca na liście Billboardu. Na listę Billboard 100 trafiło jeszcze tylko jedno jej nagranie – „If That’s Your Boyfriend (He Wasn’t Last Night)”, które dotarło do 73. pozycji. Na licie dance udało jej się dotrzeć na sam szczyt z własną wersją piosenki Billa Withersa „Who Is He (and Now Is He To You?)”. Do pierwszej 20. notowania trafiły także - „Earth”, „Leviticus: Fagot”, „Stay” i „…Boyfriend”. Artystka zaśpiewała w chórkach w utworze Madonny „I’d Rather be Your Lover” na albumie „Bedtime Stories”.

Jej muzykę można usłyszeć w wielu filmach: „How Stella Got Her Groove Back”, „Lost & Delirious”, „Batman & Robin”, „Love Jones”, „Love & Basketball”, „Talk To Me”, „The Best Man”, „Higher Learning” oraz „Down in the Delta”.

Gościnnie występowała na płytach wielu artystów. Oprócz wspomnianej Madonny grała z takimi gwiazdami jak: Basement Jaxx, Indigo Girls czy The Blind Boys of Alabama. Zagrała na basie w utworze „Saint Of Me” na płycie Rolling Stonesów „Bridges of Babylon” oraz w „So Unsexy” i „You Owe Me Nothing To Return” pochodzących z płyty Alanis Morissette - „Under Rug Swept”. Na płycie Zap Mama - „ReCreation” gra na basie w utworze „African Diamond”.

W dokumentalnym filmie „Standing in the Shadows of Motown” zaśpiewała utwór zespołu The Miracles „You’ve Really Got A Hold On Me”.

Pod koniec lat 90. ruszyła w trasę koncertową z Lilith Fair. Ponadto na płycie „Just Because I’m A Woman: The Song sof Dolly Parton” z 2003 roku zamieściła własną wersję utworu „Two Doors Down”.

Podczas drugiego rozdania nagród Independent Music Awards pełniła rolę jurora (miastomuzyki.pl)



Romance stalks Meshell Ndegeocello like a killer on "Devil's Halo," which features such murderous tunes as "Slaughter" and "Die Young." Yet Ndegeocello has rarely sounded stronger, and the disc's stripped-down approach accentuates her musical brawn.

An alumna of both Howard University and the District's go-go scene, Ndegeocello has explored pop, jazz, hip-hop and other forms. Where 2007's "The World Has Made Me the Man of My Dreams" was eclectic and expansive, "Devil's Halo" keeps things simple. With just a three-piece band behind her, Ndegeocello alternates between starkly catchy pop-funk numbers and torch songs that sometimes burst into flames. The opening "Slaughter" sets the tone: "Don't say you love me/I'll run away," croons Ndegeocello, playing the lounge singer on the verses but boosting her voice to match co-producer Chris Bruce's guitar during the hard-rock refrains.

Sonically, the busiest track is the up-tempo yet dejected "Lola," whose heroine turns to drink after "the boy she loved/Left her for another girl/The girl she loved/Left her for another boy." The song has a playful energy that belies its subject. The album can also be potent at lower speeds, as "Love You Down" demonstrates. This come-on is slow and sultry, but its bristling guitar coda proclaims that Ndegeocello can never be mellow.-- Mark Jenkins

link in comments
No comments
Posted in , , ,

Agnostic Mountain Gospel Choir - Fighting and Onions (2005)



Out of Canada, howling like wind through the chinks of a cabin, comes a sound so traditional it evokes something primal and yet so new you’ve never heard it before.

It is the Agnostic Mountain Gospel Choir, a four-piece band from Calgary that combines Blues, bluegrass, Appalachian folk and attitude into a rough, raw sound all its own. At its best, this music creates a hypnotic effect in which players and instruments and audience all become one, where nothing else matters but everything is included and you don’t wake up until the music stops.

The band was formed early in 2001 and played its first gig on only a week’s preparation – three rehearsals. Members had in mind playing small clubs in the area, nothing more.

We accepted from the start that our music is, well, odd – by which I mean it’s not ever going to be popular, exactly,” said Judd Palmer, one of the founders.

But after that first impromptu gig, people kept asking them to play more. And more. So, three or four gigs down the road, the members started to talk seriously about what direction the band should take.

Nearly seven years later, AMGC’s music is still odd. It’s never going to outsell Britney Spears, nor even, for that matter, Keb’ Mo’. But the band has moved far beyond the local club scene. Based in part on its 2005 release, “Fighting And Onions,” and in part on the intensity of its live performances, AMGC has won an international following – not least in the U.K., which it toured in September.

The U.K. folks seem to like us,” said Bob Keelaghan, another of the band’s founders. “We get a lot of interest. We haven’t had a stinker of a gig over there yet.

The band’s origins lie in a near-hallucinatory experience Palmer had one day as he staggered around the mountains, perhaps in the grip of altitude dementia.

I found myself bellowing oaths at the crags that there were Gods in the rocks, and that they deserved a gospel music of their own, a mountain gospel, in fact,” he said.



But this wouldn’t be the same as the traditional gospels, he told himself. This would be an agnostic gospel. As the dementia really took over, he imagined he could form an agnostic mountain choir, good people who would join in loud and raucous hallelujahs – not exaltation of religion but enthusiasm for mystical feelings, the kind that can grip us all, religious or not.

I clambered down from the mountaintops,” he said, “with this big plan for a huge band of people who would stomp and holler and bang and clang and shout and therefore be overwhelmingly entertaining.

In the end, only four people showed up for rehearsals. The huge choir remains more an aspiration than a reality.

But bang and clang they do. The first drummer, Jason Woolley, who plays on “Fighting And Onions,” had a drum kit that included pots, pans and, said Keelaghan, “a big piece of metal that looked like an Italian car’s muffler.” Woolley left, having felt the need for a more stable job. But his replacement, Pete Balkwill, is no more conventional. On one of his cymbal stands hangs a Belgian army helmet.

And the band stomps and hollers, too. Palmer and Keelaghan handle the lead vocals; neither will ever be mistaken for Sinatra. With voices that sound like five miles of gravel road, their singing can evoke wind howling at the mouth of a cave, or maybe someone in therapy giving a primal scream.

Keelaghan, a guitarist, never sang until he got into Delta Blues, songs that didn’t work without vocals.

Since it was the Blues that got me going, I wanted to get a throaty resonance,” he said. “Many stores don’t sell throaty resonance, so I had to find it on my own.

But he found inspiration in the singing of Don Van Vliet, otherwise known as Captain Beefheart, and that of the renaissance Bluesman Alvin Youngblood Hart. And both of them, Keelaghan believes, were influenced in turn by the great Delta country Blues singer Charley Patton.

Keelaghan describes his own style as “Delta Blues yowling laced with high lonesome wailing.”

Patton was active in the 1920s and ‘30s. And, for all its volume, clatter, Italian mufflers and Belgian helmets, AMGC’s music has the feel of that era. Palmer plays banjo, harmonica and fiddle; Keelaghan contributes his Delta Blues guitar; Vladimir Sobolewski anchors the mix with his upright bass; and all of this is played, of course, over the clang and bang of the current drummer.

Four of the 18 cuts on “Fighting And Onions” are covers. One, “Look Up Look Down That Lonesome Road,” is traditional. The others were written by Son House, the Rev. Gary Davis, and Skip James – all Bluesmen whose careers date to the ‘30s.

But these covers are not musicologists’ cerebral revivals, faithful note-for-note to the originals. Far from it. These are old Blues songs warped through the unique sensibilities of this band.

For Keelaghan, the process of making someone else’s song his own starts with mistakes. He doesn’t sit with the CD and try to get every note perfect. Sometimes he learns the song from memory, as it has been filtered through his mind, then revises it later when he learns the lyrics. He’ll turn a major chord into a minor, or change the tuning, using a drop-D, for example, instead of an open tuning. But he does want to keep the feeling of the original intact.

The sound of these covers, traditional yet original, can best be described as Delta Blues meets old-time Appalachian folk.



Those types of music have a lot of crossover,” Keelaghan said. “Both are intense forms of music. Many of the songs are modal, in that they mess with major and minor while hanging on one or two chords. Our theory is that, at some point in the evolution of those musics, they mingled and interbred, but for political and social reasons, America split them apart. I guess we’re reconciling that.

The originals are in the same style. The album “Fighting And Onions” opens with a violin slowly sawing out of tune, as it might sound on the front porch of a tumble-down shack. The song, with no words until it is reprised to close the album, is “Stay Here For Awhile – fittingly, an invitation.

Some cuts are frenetic, bluegrassy, rough and noisy, like “Buried Them In Water.” The music to that song is original but the lyrics are from the late Howard Finster, a minister and acclaimed folk artist who lived in north Georgia, in the American South. Finster lived in the grip of life-long obsession – or inspiration, if you prefer – creating art like a madman and painting pictures, his own words and biblical verses over anything in his path – bicycles, automobiles, buildings and what have you.

Finster and AMGC make a good fit – inspired, artistic, crazy perhaps but eclectic and utterly unconcerned with fashion.

Other originals – “Oh Sorrow,” for example – are slower and more haunting, Bluesy but still twangy.

There’s no template here. Five of the cuts on “Fighting And Onions” are under a minute long; a sixth is only 1:04. The longest is 5:25. This band does whatever the hell it wants, whatever feels right – a lot like Finster. There’s freedom in knowing you’ll never outsell Britney.

The music is so rough and genuine that almost every note, intentionally or not, carries with it implied criticism of the glossiness and shallowness of contemporary culture.

I’m not a fan of consumer culture,” Keelaghan said. “The masses get hung up on the product and not the ingredients. Sugar and fat are no good for you? No kidding! And it’s in nearly every damn pre-packaged food product! Do they realize that many celebrities are retards and what they do in their personal lives means not a stitch more than what regular folks do in theirs?”

And so it is with popular music, too, he said. People who listen to what’s on the charts give no thought to how the music is made, what the ingredients are. They don’t know that some bands don’t play their own music, that some singers have their voices altered with pitch correction, or that the musicians aren’t even in the same room at the same time.

But the ingredients affect the music. “To me, most of it sounds devoid of feeling,” Keelaghan said.

The album title “Fighting And Onions” comes from “Under Milkwood,” the radio play by the Welsh poet Dylan Thomas (from whom Bob Dylan took his adopted name). In the play, a sea captain is haunted by the spirits of drowned sailors. They come to him in the night and ask if life is still as they remember it, if their favourite things are still around.

How’s it above?” one asks.

Is there rum and lavabread?” asks another.

Bosoms and robins?” asks a third.

Yet another, thinking of what he misses most, asks, “Fighting and onions?”

These are symbols of life. This is a music that is pungent, flavourful, full of life and full of fight.

But what is AMGC’s music, sometimes cacophonous, always off the beaten track, about? It’s not dance music; it’s not meant to soothe the savage breast; these are not love songs or serenades.

What, to these players, is the purpose of music?

It’s a hard question to answer directly. Keelaghan and Palmer have talked about boogie hypnosis, the trance that rhythmic, one-chord songs bring on. And the music is about communication, too – union, a form of oneness.

As Keelaghan studied pre-World War II Blues, he was struck that no one sang or played half-heartedly. AMGC wants to communicate that same intensity – whether the emotion is sorrow, fear or joy – without relying too much on amplification. When audience members sing along, or stamp their feet, or roar with approval, then that has been achieved.

For the last few years, I’ve been big on the idea of transcendence through music,” Keelaghan said. “Those are the moments when we play, or I play, that are so good nothing else is noticeable until the song ends. The fingers and the strings are one. You don’t make mistakes. You take musical chances in the moment and they succeed. Everyone is on the same page and you know it. The audience knows it, too. That’s pure communication through music. It doesn’t happen very often, but I’ve had that more with this band than any other.

Agnostic Mountain Gospel Choir will record over the winter and hopes to release a new CD next spring or summer. They hope, also, to visit the U.K. in 2008, this time for a longer tour.

The band’s success has surprised its members, given that their ambition was just to play local clubs. But they know they’ve got something going.

We’re in it for the long haul,” Palmer said. “I think there’s plenty more to explore about the forms of music that inspire this band.” (M.D. Spencer - mdspenser.blogspot.com)



They’re a quartet. And they’re not from the mountains, though Calgary is close. The music, on the other hand, is not a joke. People often mention whiskey, brimstone, the Mississippi Delta and the Appalachian Mountains when they talk about their music. There are few bands who conjure the intensity of the original blues and folk music pioneers while uniting roots and rock audiences. The Agnostics are one of them.

Hollering, growling, and high, lonesome keening. Duelling slide guitars, tin can banjo, frenetic finger picking, sheet metal percussion, and pounding upright bass. That’s The Agnostics. Critics drop adjectives like ‘punk’, and make comparisons with Tom Waits, and Captain Beefheart. The band maintain that the punk spirit was born in Delta and the mountains. Beefheart and Waits know that too.

Since the band’s first gig in 2001, word has spread. St. Hubert, the AMGC’s first CD, garnered a fist full of college radio airplay in Canada and ushered them into the roots music festival circuit. Their 2005 follow-up, Fighting and Onions, hit the top 10 of Earshot’s Canadian national campus radio chart, landed them a couple of national performances on CBC radio, bumped them up to bigger festivals – including a hit appearance the 2007 Winnipeg Folk Festival, and started a cult following outside Canada. Mark Lamarr is a convert – they played two rambunctious BBC Radio 2 sessions for him – and so is the roots legend, Seasick Steve. After gigs together at the Open House Festival in Belfast in 2006 and 2007 Steve proclaimed them “my new favourite band.”
Ten Thousand, their latest release, ups the ante. The Agnostics push the boundaries of their sound without straying from what endears them to roots and rock fans. Once again, what’s old is new. And it’s new because the Agnostics make it so.

link in comments
7 comments
Posted in , ,

Julius Hemphill - 'Coon Bid'ness (1975)



Ta płyta chodziła za mną od dłuższego czasu. I wreszcie ją zdobyłem. Usłyszałem ją kiedyś, w którejś z edycji Trzech Kwadransów Jazzu w Trójce - ale nie była to edycja Ptaszyna (bodajże poniedziałkowa), który ekscytował się naonczas jakimiś big bandowymi piardami. Nie pamiętam kto zainfekował mnie tzw. loft jazzem. Prezentowana płyta jest jedną z sztandarowych przykładów tego nurtu- Loftu - czarnego, niepokornego, burzącego ówczesny porządek melodyczny, ale też zaaangażowanego politycznie i społecznie. Sylwetkę Juliusa Hemphilla prezentowałem już przu okazji płyty Dogon A.D. Ten album - a szczególnie ponad 20-minutowa kompozycja - "The Hard Blues" - jest kamieniem milowym "loftu".

  • Julius Hemphill – alto sax, flute
  • Baikida Carroll – trumpet
  • Abdul Wadud – cello
  • Phillip Wilson – drums
  • Arthur Blythe – alto sax
  • Barry Altschul – drums
  • Daniel Zebulon – congas



Julius Hemphill formed the World Saxophone Quartet with David Murray, Hamiet Bluiett and Oliver Lake in 1977 and was its most significant force as a player and writer. It's for this group that he is perhaps best known. He was one of the coterie of players on the seventies' New York loft scene. But where musicians like Murray and Chico Freeman went on to build careers, Julius Hemphill was more often spoken of then heard.

Hemphill died in 1995. For saxophonist Tim Berne, he was a mentor and friend. A couple of years ago, Berne reissued Hemphill's lovely Blue Boye on CD. When he was in England on tour with his trio Big Satan, we talked about Hemphill's influence on him and the scene in general.

Berne paints a picture of a genuine one-off, a man with an original but restless mind with little time for the business side of the music. Though he never really fulfilled his promise, Hemphill did leave behind a remarkable, if in some ways incomplete, body of work.

It was Hemphill's ability to reconcile different aspects of various musical styles that made him special for Berne right from his first contact with his music. :His album Dogon AD bridged all these things I'd been listening to. I was able to reconcile the R&B side of me with the side that listened to Braxton and Roscoe Mitchell. Somehow he managed to do everything in the same package without anything being idiomatic. And he had a really soulful sound that I could relate to from listening to guys like King Curtis and Junior Walker."

When Berne moved to New York in 1974, he'd only been playing saxophone for about a year. He took a few lessons with Anthony Braxton, but as Braxton's success grew, he had less time for teaching. He suggested Berne give Hemphill a call. At the time, he hadn't even realized that his idol lived in the city.

"I'd seen him before but I didn't know it. I saw a Lester Bowie concert at Studio RivBe and I saw this big guy playing and I thought, 'Wow! Who the hell is that?' I had no idea because I had never seen a picture of him. I saw him again at a Lester Bowie recording. Julius was conducting because it was his tune and there was this big guy in a suit. I thought it was Oliver Nelson (laughs)."

The relationship was more like an apprenticeship than a teacher-pupil thing. "We'd have these three hour lessons. Sometimes I'd just play long tones for three hours while he massaged my back and taught me how to relax. Sometimes we'd just sit around and bullshit."

Berne would help him promote gigs and work the door. At the time no one was interested in Hemphill, although he as something of a legend amongst fellow musicians. According to Berne, he only did maybe two or three concerts a year. "If you weren't a self-promoter, you weren't going to be anywhere and Julius was the furthest thing from that you could be. He didn't pick up the phone. He had no time to bullshit with people." The experience of working with Hemphill served him well when he came to start his own career as a musician. "I sort of apprenticed the whole business with Julius. I helped him put out Blue Boye. I used to make flyers for his gigs. That's how I learned to do all that. He turned me on to the distribution thing. That's what I do to this day, if I do a gig in New York. I'm sure I wouldn't have started a label, if it hadn't been for him."

People like Stanley Crouch and Gary Giddens would write about David Murray or Chico Freeman or Sam Rivers but to Berne's disgust never about Hemphill. "I don't really know why. It just didn't happen for him until the Saxophone Quartet and even then he wasn't really recognized. In the 20 years I knew him, I bet he didn't do five tours with his own band. He just had no time for the business side of music."

For someone as far ahead of the game as Hemphill, you wonder what he might have achieved with a manager who knew what he had. His attention to detail was astonishing. He couldn't just play a gig. He had to build a whole new set of music stands or get the band to wear different outfits or use weird lighting. And no two concerts would contain the same material. "He was always thinking how it looked and he'd make the guys wear certain things. He was just way ahead of everybody else in that regard. It really inspired me to find my own way. Not copy him but to get my own ideas."

Talking to Berne, you get a sense of Hemphill as a man who got bored when there was no challenge to confront. Maybe he just had too much talent. "He told me that he used to go to jam sessions and purposely not learn the tunes just because it challenged him. He was always contrary. He was just a really independent thinker. Being around someone like that gives you the confidence to have your own ideas."

Born in Fort Worth, Texas, and according to Berne a cousin of Ornette Coleman, Hemphill grew up to the sounds of Gospel and R&B, and the blues would never be far away in his music. "He grew up near those juke joints and he heard music coming out of these places all the time.

And of course he played with Kool & the Gang in the seventies. He had a band with Cornell Dupree and Richard Tee and he played with Ike and Tina Turner. All the way to the end Julius could evoke blues or jazz without resorting to cliches because he didn't follow any rules. He could write a blues and it didn't sound like anybody else's blues. He could write a gospel tune for six saxophones and it sounded like the real deal. I can't think of anybody else who could do that so convincingly."

It's been suggested that Ornette was quite an influence of Hemphill's music but Berne dismisses this. "If they're from Texas and knew Ornette and they're not playing chord changes, then they're going to say he sounds like Ornette. His first influences were really Charlie Parker, Lee Konitz—he had a band that used to play Gerry Mulligan arrangements—and he was totally into Cannonball."

I think that's influence as an inspiration. It's actually hard to imagine Hemphill sounding like anyone else. That sense of being your own person and having your own voice was something that Hemphill didn't have to talk about. It was, by Berne's account, simply central to the man and matched by a generosity to those still trying to find their own voice.

"There's always these guys telling you you'll never have your own voice. Julius never said anything like that. It was always, 'You wrote some music, let's look at it.' It was never, 'You can't do that.' It was inspirational. It would be so easy to dismiss a 25-year-old guy trying to play the saxophone, but he never doubted that I could do it if I wanted to."

The story Berne tells is a touching one. Hemphill comes across as a slightly cranky, crotchety but playful character. Like how he invented this alter ego, Roy Boye, just for fun, and would do these solo things with tape wearing a silver lame suit. Blue Boye came out of that and was like the blues version. It's a wonderful record, quite pastoral in its feel and full of wit and invention.

Toward the end of his life, Hemphill's health had deteriorated to the point where he couldn't play. Open-heart surgery was to prove a means of merely prolonging his life a short while. He could still write, and Berne was terrified to be asked to take his place in a couple of projects. The first of these was the recording session that produced Five Card Stud. The second was a piece for a chamber orchestra.

"One of the pieces was this alto solo over these shifting chords on the track called 'Lenore' and he asked me to solo on it which just blew my mind. That was the first time I worked with him as the leader and it was pretty scary for me. It was like that and the tribute record (Diminutive Mysteries) were my final exam."

Diminutive Mysteries was a labor of love for Berne, but the only way he felt he could to the tribute was if Hemphill wasn't there. When Berne took the tapes up to Hemphill's house, he was nervous as hell. "I was shaking. I had to get stoned, which I don't usually do. I really wanted his approval and I got it in his typically understated way. It was one of the most important things in my life." When Berne tells the story you know that it is still so important to him that Hemphill liked the record.

"So, I played him the first tune and he's smiling and really digging it. Just every once in a while a little comment and I'm gaining confidence.

So, I think he's heard one cut and liked it. I'll quit while I'm ahead. And he says, 'What else you got?' Then the next cut and he's getting really excited and listening intently for an hour. Then we went out and had dinner and I couldn't have been any happier."

Sometimes the trouble with having heroes is that they let you down. Tim Berne is really blessed that his never did this to him, and Hemphill clearly remains an inspiration to him.

"When I get too caught up in all the business shit, I try to remember the most important thing is the music and not worry about all that other stuff. He was just a great role model in terms of creativity. In order to grow you have to fail. You have to have a bad concert, or write something that doesn't work, so you can find out why. I realized that that's why you make records. It's not so you can sell them. It's really just so you candevelop. He really embodied that. That's why he did it—to express himself." (Duncan Heining)

A big influence on many musicians, this recording catches Julius Hemphill at his best. The recording opens with "Reflections" - a mournful dirge of saxophne harmonies by Hemphill, future World Saxophone Quartet compadre Hamiet Bluiett, and future World Saxophone Quartet replacement Arthur Blythe. "Reflections" subtly morphs into "Lyric", a more strident pieces with saxophone improv, sparse percussion, and some soulful bowing and plucking from cellist Abdul Wadud before suddenly ending with a series of scorching multiphonics. Congas and drums set up the throbbing martial pace that drives the composition "Skin 1"; this work has also been recorded by Tim Berne's Bloodcount and Erik Friedlander's Topaz. This gives way to "Skin 2" a twisty groove of a number that would sound right at home on a WSQ recording. The main work "The Hard Blues" was re-recorded by the Julius Hemphill Sextet on his release "Fat Man and the Hard Blues". Heard here in its original version it sounds more bluesy, more loose. Starting with Abdul Wadud playing the opening riff on cello the work unfolds over the next 20 minutes with ample soloing by Hemphill and Baikida Carroll; Hamiet Bluiett doesn't get to solo on this one but his baritone sax adds a lot of color to the piece. A great example of the avant garde music of the 1970's loft scene.

link in comments
3 comments
Posted in , , , ,

Masataka Hara - Hatsukunishirasumeramikoto (1973)



Jeśli istniałby odpowiednik grafomaństwa w muzyce to z pewnością ta płyta znajduje się w tej kategorii. Wprost niewiarygodne wydawnictwo bliżej nieznanego Masataka Hara, który ponoć nagrał ten album jako soundtrack do swojego filmu. Trudno ocenić intencje jakimi się kierował - czy jest to muzyczny żart? czy sen wariata? Gdybym znał japoński to może choć w warstwie tekstowej album jest bardziej interesujący. Ale już zupełnym kuriozum jest to, że wydała go tak zasłużona dla muzyki progresywnej i psychodelicznej - wytwórnia Vertigo (japoński oddział). Postanowiłem jednak zaprezentować ją jako muzyczne dziwadło.

***

A Japanese parody on singer/songwriter music? The instruments (especially the bassguitar) are not tuned properly, the singer is mostly out of key, the songs are monotonous, so we cannot do more than hope that the real interest lies in the lyrics. One can, of course, also wonder what people of different cultures than ours will make of early Bob Dylan... That latter gentleman at least didn't use this grating fender piano. B1 is a very long instrumental track quite close to some eastern-tinged tracks of US sixties bands, a welcome diversion. B2 makes use of highly distorted accompaniment, even though nothing in the atmosphere of the music seems to call for it. The rest is business as usual and we cannot refrain from thinking that this is how the Bonzo Dog Band would impersonate a Japanese folksinger. For initiates only, we guess.

And indeed, the singer poses quite spiritually inclined on the cover. On the back he is on horseback, striding among the lyrics. This is again a single cover. The lettering is very beautiful again, but this is not a big surprise from albums from the land of the rising sun.

link in comments
3 comments
Posted in , ,

Stone Harbour - Emerges (1974)


Przypomniana po ponad trzydziestu latach przez Lion Productions jedyna płyta duetu Stone Harbour to album ważny i interesujący z kilku powodów. Po pierwsze kilkanaście utworów nagranych domowymi metodami przez Rica Ballasa i Davy'ego McCarthy'ego w roku 1974 w Ohio przynosi nam bezcenną wiedzę o kulturowym tle psychodelicznej rewolucji, jaka przetoczyła się przez Amerykę na przełomie lat 60. i 70. minionego stulecia. Oficjalny obieg muzyczny z gwiazdami popu zainfekowanymi psychodelicznym bakcylem, wielkomiejski underground Nowego Jorku i Los Angeles, kontrkulturowe oblicze San Francisco, hipisowska awangarda nie wyczerpują bowiem bezliku zjawisk, które w ciągu kilku lat wypełniły "zieleniącą się Amerykę" od Florydy po Alaskę. I to wypełniły twórczo! Po drugie - święcąca obecnie światowe triumfy neofolkowa awangarda spod znaku Jackie-O Motherfucker, Sunburned Hand of the Man czy NNCK jest w USA głęboko zakorzeniona, przywracając obecnie pamięci dokonania "wielkich zapomnianych" psychodelicznego undergroundu z prowincjonalnych stanów "głębokiej Ameryki". Do tych zapoznanych protoplastów należą zaś z pewnością Ballas i McCarthy ze swą oszałamiającą i bezczelnie naiwną wizją acid folku, w której banalne piosenki zmagają się z eskalacją psychodelicznych efektów brzmieniowych, eksperymentalną elektroniką rodem z zestawu "młodego technika" i produkcją "very lo-fi". Kosmiczny folk i brutalno-liryczny rock'n'roll o szorstkim, undergroundowym posmaku. Jakby Velvet Underground przenieśli się z artystycznego offu NYC na kompletną prowincję, między łany kukurydzy! Powód trzeci jest banalny - Emerges to solidna porcja fascynującej muzyki! Dla miłośników amerykańskich ekstrawagancji - pozycja obowiązkowa! (GAZ-ETA)


Extraordinary basement psych with two multi-instrumentalists creating a melancholic dreamlike state with songs fading in and out of the speakers, cavemen drums, primitive electronics and murky fuzz lurking in the background. The best tracks go into places no other albums reach. Actually closer to the heart of psychedelia than most other records listed here

This is a trip into the true dark heart of psychedelia! The music? ‘You’ll Be a Star’ shimmers and aches in the midnight; cymbals wash over you, Dave McCarty’s vocals emerge from some subterranean cave, as the keyboards flicker, flicker, flash across the periphery of the song; ‘Rock & Roll Puzzle’ is dark, twisted fried garage punk blues brutality, pre-empting The Gories and Pussy Galore by a good ten years! Songs fade in and out; finger-picking blurs into screaming squelching synths; guitars melt in the mid-summer heat. ‘Grains of Sand’ frazzles like The Stooges through a fucked-up amp and filtered through a transistor radio with the valves burning out, whilst ‘Summer Magic is Gone’ is the most haunted, haunting song in many a long strange moon. Shimmers like stars in the 2 am fog and haze, and bleeds lost and lonely and bruised into the heat-warped dawn. You’re still awake, although the brain doesn’t work like it used to. Blurred and bleary and exhilarated and stoned to the very core of your soul.” (lightintheattic)

link in comments 
1 comment
Posted in , , ,

Woody Guthrie - Ballads of Sacco & Vanzetti (1947)



23 sierpnia 1927 Sacco i Vanzetti zostali mordowani przez państwo.

- Panowie sędziowie, wy wiecie, że jestem niewinny. Powtarzam to od siedmiu lat. Skazujecie dwóch niewinnych ludzi - krzyczał Nicola Sacco skazany wraz z Bartolomeo Vanzettim przez amerykański sąd stanu Massachusetts na karę śmierci za morderstwo pierwszego stopnia.

W tym czasie Vanzetti żegnał się z rodziną:
- Żegnaj droga żono, kochane dziecko i moi przyjaciele. Żegnaj mamo.

On również zapewniał o swojej niewinności:
- Nigdy nie dopuściłem się żadnej zbrodni, a jedynie grzechów. Jestem niewinny, nie popełniłem ani tej zbrodni, ani żadnej innej.

W dniu egzekucji wokół więzienia Charlestown zgromadził się tłum podekscytowanych gapiów, a także zwolennicy obu skazanych. 23 sierpnia 1927 r. zaraz po północy na krześle elektrycznym został stracony Sacco, za nim Vanzetti, a przed nimi Celestino Madeiros, portugalski strzelec skazany za inne morderstwo.

Swe ostatnie słowa Sacco wykrzyczał po włosku:
- Niech żyje anarchia!

Tak zakończyło się siedmioletnie śledztwo w sprawie morderstwa kasjera i jego ochroniarza, przewożących pieniądze przeznaczone na wypłaty dla robotników fabryki obuwia. Sześć lat niepewności, czy wyrok śmierci zostanie wykonany, sześć lat błagania, by sprawiedliwości stało się zadość... całe zajście trwało kilka minut.

Było kwietniowe popołudnie 1920 r. Dochodziła trzecia. Na ulicy w South Braintree stali klienci, robotnicy oraz dwaj mężczyźni opierający się o płot oddzielający firmy Rice & Hutchins oraz dwie fabryki Morill, w których wyrabiano obuwie.



Kasjer Frederick A. Parmenter i jego ochroniarz Alexander Berardelli, jak co tydzień przewozili główną ulicą pieniądze przeznaczone na wypłaty dla robotników fabryki Slater i Morill. W pewnym momencie Berardelli, który kierował ciężarówką, zahamował, aby przepuścić dwóch przechodniów. Wtedy właśnie poczuł, że ktoś przyłożył mu pistolet między żebra. Wystrzelono kilka razy i wyrzucono ochroniarza z samochodu do rowu. Kasjer Parmenter, widząc co się święci, chwycił kasetkę z pieniędzmi i zaczął uciekać ulicą. Bandyta ruszył w pościg i zastrzelił kasjera drugim strzałem. W tym czasie drugi sprawca oddał jeszcze kilka strzałów do Berardelliego i raz wystrzelił w powietrze. Z bocznej przecznicy wyjechał samochód. Przestępcy wrzucili pieniądze do nadjeżdżającego pojazdu i odjechali pośpiesznie z miejsca napadu. Całe zajście trwało kilka minut.

Cztery miesiące wcześniej, rankiem w Wigilię Bożego Narodzenia 1919 r, w Bridgewater, robotniczym miasteczku kilkadziesiąt mil na południe od Bostonu, furgonetka przewożąca pieniądze dla pracowników zakładu obuwniczego White Shoe została zatrzymana na drodze.

Ze stojącego nie opodal samochodu wyskoczyli mężczyźni wyglądający na cudzoziemców. Dwóch z nich oddało strzały, jeden w kierunku kierowcy furgonetki. Ponieważ pociski nie dosięgły celu, a kierowca furgonetki również zaczął strzelać, napastnicy zdali sobie sprawę, że ich zamiar się nie powiedzie i odjechali.

W toku śledztwa policja z Bridgewater w lokalnym warsztacie naprawczym znalazła samochód, który kila dni wcześniej przyprowadzono do naprawy. Policja podejrzewała, że jego posiadaczem lub przynajmniej kierowcą był Włoch o nazwisku Boda, a samochód wykorzystano do napadu na furgonetkę przewożącą pieniądze dla robotników. Policjanci poprosili dyskretnie Johnsonów prowadzących warsztat, by jak najszybciej poinformowali ich, gdy ktoś zgłosi się po pojazd.

Wieczorem piątego maja rzeczywiście senior Boda przyszedł odebrać samochód. Towarzyszyli mu Sacco i Vanzetti oraz inny Włoch o nazwisku Orciani. Kiedy Boda rozmawiał z panem Johnsonem, jego żona pod pretekstem przyniesienia mleka poszła do sąsiadów i powiadomiła policję o wizycie właścicieli pojazdu. W międzyczasie Johnson zwrócił uwagę Body, że samochód nie ma prawdziwej tablicy rejestracyjnej. Po krótkiej wymianie zdań Włosi domyślili się, że Johnson poinformował już policję i opuścili pospiesznie warsztat. Boda i Orciani odjechali motorem, a dwaj pozostali poszli pieszo.

Jeszcze tego wieczoru Sacco i Vanzetti zostali aresztowani. Jak się okazało, byli uzbrojeni. Przewieziono ich do lokalnego komisariatu policji i oskarżono o nielegalne posiadanie broni, do czego się przyznali. Zapytano ich o powód wizyty w Bridgewater oraz gdzie przebywali w ciągu ostatnich dni. Policja jeszcze nic konkretnego nie ustaliła, ale gazety już zaczęły spekulacje na temat ich ewentualnych powiązań ze sprawcami napadów na konwojentów pieniędzy. Bodę i Orciano także aresztowano, ale po przesłuchaniu obydwu wypuszczono.

Kiedy Sacco i Vanzetti przebywali w areszcie, przesłuchiwano świadków zajść w Bridgewater i South Braintree. Sacco przedstawił swoje alibi.

Twierdził, że pracował w wigilię świąt Bożego Narodzenia, więc nie mógł popełnić przestępstwa w Bridgewater. Jednakże okazało się, że miał on dzień wolny 15 kwietnia. Obciążono go więc zarzutem morderstwa w South Braintree. Vanzetti, sprzedawca ryb, mimo iż twierdził, że na pewno 14 i 15 kwietnia sprzedawał ryby, został oskarżony o popełnienie dwóch zbrodni.



Ławę przysięgłych kompletował prokurator Fred Katzman. Od samego początku był zdeterminowany w swych pomysłach. "Ukrzyżować tych przeklętych radykałów" - powtarzał. Miał poparcie dwunastu konserwatywnych sędziów przysięgłych i sędziego Webstera Thayera, który tak mówił po procesie: "Czy widzieliście, co zrobiłem z tymi anarchistycznymi sukinsynami?"

Kłopoty oskarżonych nie kończyły się tylko na wrogo nastawionej ławie przysięgłych. W akcie desperacji oskarżeni zwrócili się o pomoc do anarchistycznych grup z Nowego Jorku. Poradzono im, by poprosili Freda Moore`a, aby podjął się on ich obrony przed sądem. Był to jednak najgorszy wybór. Nie tylko dlatego, że ściągnęli z Kalifornii zatwardziałego radykała z długimi włosami. Na niekorzyść działał również fakt, że sędziowie ze stanu Massachusetts krzywo patrzyli na prawników z innych niż oni okręgów.

Akt balistyczny

Strażnik Berardelli zmarł na ulicy. Obok niego znaleziono cztery puste łuski naboi. W zwłokach Berardellego tkwiły cztery pociski kalibru 32.

Jeden z nich przebił prawe płuco i zatrzymał się na kości biodrowej. Pewne było, że to on spowodował śmierć. Drugiego strażnika, umierającego Parmentera umieszczono w szpitalu. Trafiły go dwie kule. Ranny zmarł cztery godziny później. Szef policji miejskiej w Massachusetts kapitan Proctor zabezpieczył wszystkie kule i łuski. Chodziło o łuski firmy Peters, Remington i Winchester. W procesie Sacco i Vanzettiego te właśnie pociski, naboje, pistolety i rewolwer nabrały decydującego znaczenia.

Biegły od spraw balistyki na pytanie prokuratora: czy kula oznaczona symbolem III, która spowodowała śmierć Berardellego, została wystrzelona z pistoletu Sacco, odpowiedział: "Skłaniam się do mniemania, iż pocisk został wystrzelony z tego automatycznego pistoletu Colta. Na dnie lufy pistoletu znajduje się ślad rdzy, którego odbicie znalazłem na pociskach".

Biegły powołany przez obrońcę oskarżonych był odmiennego zdania. On również oddał strzały porównawcze z pistoletu Sacco. Przed sądem oświadczył, stanowczo, że jest niemożliwe by "kula III" kiedykolwiek została wystrzelona z pistoletu Sacca. Jego zdaniem lufa, z której wyszła śmiercionośna kula, nie miała na dnie śladu rdzy, ale była po prostu zardzewiała w całości. Drugi biegły powołany przez obrońcę stwierdził wprost: "Kula III nie została wystrzelona z pistoletu Sacca. Nie mogłem na kuli III zobaczyć żadnych znaków, które dałyby się porównać z kulą pochodzącą z tej broni..."

W 1923 r., kiedy to odrzucono wnioski o wznowienie postępowania, obrońca oskarżonych jeszcze raz nawiązał do "aktu balistycznego" dramatu Sacco - Vanzetti. Ale również i tym razem wysiłki jego okazały się bezskuteczne.

Wątpliwe alibi

Podczas procesu Sacco twierdził, że nie był w pracy w dniu, gdy popełniono morderstwo, czyli 15 kwietnia. Mówił, że tego dnia pojechał do Bostonu do konsulatu włoskiego, aby zasięgnąć informacji o warunkach uzyskania paszportu, gdyż planował powrót do Włoch. Antonio Dentamore, świadek obrony, twierdził, że oskarżony Sacco został mu przedstawiony tego właśnie dnia około 14.45. Rozmawiał z nim przez dwadzieścia minut między innymi o paszporcie i wyjeździe do Włoch. Zapytany, jak może udowodnić, że było to 15 kwietnia, odpowiedział, że spotkanie dobrze pamięta, gdyż tego dnia szedł na bankiet wydany na cześć wydawcy, którego gazeta popierała Włochy w czasie wojny.

Właśnie wychodził na bankiet, gdy w konsulacie zjawił się Sacco.

Świadek obrony - pani Alphonsine Brini zeznała, że 15 kwietnia widziała Vanzettiego ze sprzedawcą ryb - Josephem Rosenem, między godziną 11.30 a 12. Vanzetti miał jej pokazywać płótna na sprzedaż. Ona również dobrze pamiętała, że miało to miejsce 15 kwietnia, gdyż było to w pierwszym tygodniu po jej wyjściu ze szpitala.

Sprzeczne zeznania dróżnika

Oskarżenie bazowało między innymi na zeznaniach świadków, którzy twierdzili, że widzieli oskarżonych w czasie napadu na kasjera wiozącego pieniądze dla robotników z fabryki Slater i Morill. Przedstawiono ławie przysięgłych dowody, że zaraz po napadzie sprawcy uciekali samochodem, mijając przejazd kolejowy oraz kilka miasteczek znajdujących się w sąsiedztwie miejsca zdarzenia.

Obu oskarżonych widziało wiele osób, które później zidentyfikowały ich podczas procesu. Świadkowie twierdzili, że 15 kwietnia widzieli Włochów w samochodzie przed popełnieniem morderstwa, inni mówili że widzieli ich podczas ucieczki. Jednym ze świadków był dróżnik z South Braintree - Michael Levangie.

Na początku mówił, że nikogo nie widział. Był za bardzo przerażony, aby cokolwiek zobaczyć:
- Zobaczyłem tylko wylot lufy broni bandytów i pospieszyłem do budki dróżniczej, do której oni zaczęli strzelać.

W sądzie jednak Levangie opowiedział inną historię. Prowadzony pytaniami przez oskarżyciela Harolda P. Williamsa mówił, że widział człowieka w samochodzie. Zeznał, że to jeden z oskarżonych prowadził samochód. Miał on ciemną karnację, wystające kości policzkowe, czarne włosy i krzaczaste wąsy, nosił kapelusz i żołnierski płaszcz.

- Widział pan tego mężczyznę? - zapytał Williams świadka.
- Tak - odpowiedział M. Levangie. - Tego z wąsami - dodał i wskazał na Vanzettiego.

Obrona szybko zdołała obalić zeznania Levangiego. Zbyt wielu innych świadków twierdziło, że kierowcą pojazdu był blondyn. Jednak prokurator Katzman obstawał przy zeznaniach Levangiego. W swojej końcowej mowie do lawy przysięgłych postawił retoryczne pytanie:
- Czy zeznania dróżnika Levangiego powinny być odrzucone tylko dlatego, że nie zgadzają się z zeznaniami pozostałych?

Jeden ze świadków twierdził, że widział, gdy Sacco strzelał do Berardelliego. Oskarżenie twierdziło, że łuska od kuli, która zabiła ochroniarza, mogła pochodzić z rewolweru znalezionego później u oskarżonego. Jednakże powołany ekspert nie był w stanie stwierdzić, z jakiego rewolweru wystrzelono pocisk, mimo że ślady na nim zgadzały się z tymi na pistolecie Sacco. Na miejscu zdarzenia znaleziono kapelusz, który mógł należeć do Sacco. Podczas procesu zapytano go, czy to jego kapelusz.

- Wygląda jak mój - odpowiedział.
- Czy w domu miał pan kapelusz taki jak ten, gdy pana aresztowano?
- Tak, sądzę, że to mój kapelusz.

Następnie poproszono oskarżonego, aby założył kapelusz.
- Nie wiem - odpowiedział. - Jak na mój kapelusz, jest za brudny. Nigdy nie noszę brudnych kapeluszy. Chyba zawsze mam przy sobie pięćdziesiąt centów na nowy, ale ten jest za brudny, i poza tym mój kapelusz jest bardziej szary.

Gdy ponownie zapytano Sacco, czy to jego kapelusz, odpowiedział:
- Chyba tak, ale jest brudny.



Dlaczego skłamali?

Podczas przesłuchania w policyjnym komisariacie Sacco i Vanzetti zaprzeczyli, że znali seniora Bode, właściciela samochodu i że byli w warsztacie u Johnsonów. Vanzetti podczas procesu zmieniał wyjaśnienia ze śledztwa. Twierdził, że był u Johnsonów. Zapytany, dlaczego korzystał z samochodu Body, odpowiedział, że chciał nim przewieźć literaturę anarchistyczną w bezpieczniejsze miejsce niż jego dom.

Wtedy oto właśnie pierwszy raz poznano poglądy polityczne Vanzettiego.

Vanzetti wyjaśniał, dlaczego skłamał policji, gdy go aresztowano.
- Ponieważ groziłaby mi deportacja - tłumaczył.

Sacco i Vanzetti skłamali, gdyż zostaliby deportowani, gdyby wyszło na jaw, że w 1917 r. uciekli do Meksyku, aby uniknąć służby wojskowej.

Natomiast jeśli chodzi o rewolwer, Vanzetti powiedział, że nie chciał mieszać w sprawę swych przyjaciół, od których kupił broń cztery lata wcześniej w Bostonie.

- To był niebezpieczny czas w Ameryce - wyjaśniał ławie przysięgłych.

Twierdził, że posiadał broń w celach samoobrony, ponieważ często pobierał znaczne kwoty pieniędzy na zakup ryb.

Sacco również nie mówił prawdy policji, gdyż, jak wyjaśnił przed sądem, nie chciał wydać swych przyjaciół socjalistów - anarchistów.
- Oni mieli literaturę socjalistyczną w domu - tłumaczył.

Sześcioletnie oczekiwanie

14 lipca 1921 r. skazano obu oskarżonych na karę śmierci. Przez sześć lat zdołano odroczyć najgorszy dla nich moment - wykonania wyroku śmierci poprzez składanie wniosków o wznowienie postępowania. W międzyczasie Portugalczyk Celestino Modeiros przyznał, że był zamieszany w napady na kasjerów. Wyznał również, że Sacco i Vanzetti nie mieli z nimi nic wspólnego. Jednak sędzia Thayer nie uznał winy Portugalczyka i 15 kwietnia 1927 r. zatwierdził wyrok śmierci na Sacco i Vanzettim.

Opinia publiczna zmusiła gubernatora Massachusetts, by powołał niezależną komisję w celu ponownego zbadania sprawy. Jej członkowie uznali jednak Sacco i Vanzettiego winnymi popełnienia morderstwa w Suuth Braintree.

Skazanych przygotowano do egzekucji 10 sierpnia. Obcięto im włosy, aby w ten sposób ułatwić przepływ prądu. Nieoczekiwanie nadeszła wiadomość, że egzekucję odroczono o dwanaście dni, ale i ta iskierka nadziei zgasła bardzo szybko.

Wyrok jednak wykonano 23 sierpnia. Zaraz po tym ciała złożono w trumnach. Ostatnie wyrazy szacunku oddano Włochom podczas pogrzebu, na którym zgromadziły się tysiące ich zwolenników. Wszyscy chcieli w ten sposób zamanifestować swój protest przeciwko skazaniu na śmierć dwóch najprawdopodobniej niewinnych ludzi i podkreślić wstrząsającą pomyłkę amerykańskiego wymiaru sprawiedliwości.

Przedruk „Prawo i Życie”



In 1945, Folkways Records founder Moses Asch commissioned Woody Guthrie to document in song the tale of Sacco and Vanzetti. The United States had wrongly convicted the two Italian immigrants, both anarchist labor organizers, of murder and executed them in Boston in the 1920s. Compare their case to the O.J. Simpson trial with its publicity circus, questionable witnesses, tainted evidence (even a hat that didn't fit), and the deep social divisions it brought to light. Compare the music Guthrie made for the recently released Dead Man Walking soundtrack, with its themes of dignity, justice, and capital punishment. Better yet, compare these songs to The Ghost of Tom Joad, Bruce Springsteen's Guthriesque look at the still-hot issues of immigration and worker exploitation. Whatever you compare it to, the newly reissued Ballads of Sacco & Vanzetti--with its 50-year-old songs and 70-year-old story--is as relevant today as ever.

With only his rambling guitar and raw voice, Guthrie offers eleven takes on what was the first "trial of the century." Using stock folk melodies and techniques, the songwriter first paints a backdrop of postwar prosperity and growing worker unrest, then introduces characters, narrates details of the trial, explains political motivations, reports the city's mood, relays the men's last plea of innocence, then ends by musing on a world full of misunderstanding. Guthrie--a people's poet if ever there were one--never meshed his humanism and his politics better than he did here, and few album reissues have been more worth hearing. --Roni Sarig

Product Description

Woody Guthrie was one of the twentieth century's greatest poets and songwriters, and his songs about Sacco and Vanzetti include some of his best songs. The murder trial of Sacco and Vanzetti was one of this century's most controversial. Sacco and Vanzetti's story was dramatic; their front-page trial was filled with dubious procedures; and the years of appeals and their eventual execution led to protests around the world.

These songs, written and recorded nearly twenty years later, have been carefully remastered from the original acetate discs and are presented with a previously unpublished letter by Guthrie to the judge in the case. Produced by Moses Asch. Reissue compiled by Anthony Seeger and Jeff Place.

link in comments
    Serpent.pl