2 comments
Posted in , , ,

Alfred Schnittke - Requiem


Alfred Sznitke (ur. 24 listopada 1934 w mieście Engels w ZSRR, zm. 3 sierpnia 1998 w Hamburgu) – kompozytor, pianista, teoretyk muzyki i pedagog pochodzenia rosyjsko-niemiecko-żydowskiego. Jego muzyka wywodzi się z tradycji rosyjskich (Dymitr Szostakowicz i Igor Strawinski), niemieckich (Gustav Mahler i Alban Berg) oraz amerykańskich (Charles Ives). Skomponował m.in. dziewięć symfonii (ostatnia niedokończona), sześć concerti grossi, cztery koncerty skrzypcowe, trzy fortepianowe, dwa wiolonczelowe, koncert potrójny (na skrzypce, altówkę i wiolonczelę) oraz cztery kwartety smyczkowe i trzy opery.

Jego ojciec urodził się w Niemczech w żydowskiej rodzinie o rosyjskich korzeniach i w 1926 r. przeprowadził się do ZSRR – jego matka urodziła się w Rosji i była Niemką z Powołża. Alfred Sznitke urodził się w mieście Engels (dawniej Pokrowsk) – stolicy ówczesnej Niemieckiej Nadwołżańskiej Autonomicznej Socjalistycznej Republiki Radzieckiej. Języka niemieckiego nauczył się przed rosyjskim, co przyczyniło się do tego, że czuł się obco w swym ojczystym kraju.

Edukację muzyczną rozpoczął w Wiedniu, dokąd jego ojciec został oddelegowany po II wojnie światowej jako dziennikarz i tłumacz. Muzyczne tradycje Wiednia – zarówno klasyczne, związane z Haydnem, Mozartem i Beethovenem, jak i pochodzące z przełomu wieków, wywodzące się od Mahlera i Schönberga – znacznie wpłynęły na poczucie estetyki Sznitkego. Po powrocie do Moskwy w 1948 r. kontynuował studia muzyczne w Konserwatorium Moskiewskim, gdzie w latach 1953-1958 uczył się kontrapunktu oraz kompozycji u Eugeniusza Gołubiewa, a instrumentacji u Mikołaja Rakowa.

W 1961 r. zakończył studia i poślubił Irinę Katajewą – od 1982 r. Irinę Sznitke – pianistkę i interpretatorkę jego dzieł. W tym samym roku wstąpił do Związku Kompozytorów ZSRR. Do 1972 r. nauczał instrumentacji w Konserwatorium Moskiewskim, zajmując się jednocześnie komponowaniem muzyki filmowej oraz teatralnej. W okresie 1962-1996 napisał muzykę do ok. sześćdziesięciu filmów, co stanowiło istotne źródło utrzymania jego rodziny. Dzięki temu mógł swobodniej oddawać się komponowaniu dzieł muzyki poważnej. W skład jego twórczości wchodzi m.in. dziewięć symfonii (ostatnia niedokończona), sześć concerti grossi, cztery koncerty skrzypcowe, trzy fortepianowe, dwa wiolonczelowe, koncert potrójny (na skrzypce, altówkę i wiolonczelę) oraz cztery kwartety smyczkowe i trzy opery.

Jego twórczość stała się znana za granicą w latach 80. XX wieku dzięki emigrującym artystom radzieckim, w szczególności skrzypkowi Gidonowi Kremerowi. W 1985 r. Sznitke doznał udaru mózgu, po którym zapadł w krótkotrwałą śpiączkę. Po powrocie do zdrowia kontynuował prace kompozytorskie. W 1990 r. Alfred, Irina oraz ich syn Andriej opuścili ZSRR i osiedli w Hamburgu. Powodami emigracji były zlecenia, jakie Sznitke zaczął dostawać w Niemczech: umowy z teatrami, zamówienia na nowe partytury oraz zaproszenia na wykłady. Wyjazd na Zachód był ponadto uzasadniony względami medycznymi. Zdrowie Sznitkego pogarszało się jednak nadal. Na cztery lata przed śmiercią, w 1994 r., po kolejnym udarze, został sparaliżowany prawostronnie i praktycznie zaprzestał komponowania. Zmarł w Hamburgu jako obywatel Niemiec.

Muzyka Alfreda Sznitkego wywodzi się z tradycji rosyjskich (Dymitr Szostakowicz i Igor Strawinski), niemieckich (Gustav Mahler i Alban Berg) oraz amerykańskich (Charles Ives). Sznitkego zestawia się niekiedy z Szostakowiczem – tak ze względu na czerpane przezeń inspiracje, jak z uwagi na zakres jego twórczości. O ile jednak Szostakowicz zaczynał komponować w burzliwych czasach porewolucyjnych i kontynuował pracę w epoce terroru stalinowskiego, to pierwsze utwory Sznitkego powstawały w czasie odwilży chruszczowowskiej, a większość jego dorosłego życia przypadła na stagnację rządów Breżniewa.

Kulturowa izolacja Rosji od XVIII w. oraz zakaz wykonywania muzyki zachodniej w ZSRR czasów stalinizmu spowodowały zacofanie ojczyzny Sznitkego pod względem muzycznym. Dopiero odwilż po śmierci Stalina pozwoliła odkrywać radzieckim kompozytorom i muzykom światowy dorobek. Całe to bogactwo znalazło odzwierciedlenie w twórczości Sznitkego, w której cytaty i kryptocytaty z Bacha sąsiadują z nawiązaniami do Vivaldiego, parodiami Schönberga, Bartóka i Beethovena, rozwinięciami wątków zaczerpniętych od Mahlera czy przetworzeniami popularnych tang lub kolęd (np. Cicha noc).



W latach 60. XX wieku pisał on głównie dzieła kameralne, korzystając z rozmaitych technik (m.in. serializm) i poszukując własnego języka muzycznego. Te eksperymenty, wywodzące się z XX-wiecznej muzyki zachodniej, skazywały żyjącego w Związku Radzieckim Sznitkego na marginalizację. Pod koniec lat 60. zaczął łączyć ze sobą elementy różnych stylów (polistylizm), co jeszcze wyraźniej przejawiało się w jego utworach z lat 70. Pierwszym dziełem koncertowym, w którym użył tej techniki, była Quasi una sonata (1967-1968). Jego kompozycje z tego okresu łączą swobodnie rozmaite style oraz gatunki: tanga, polki i walce na równi z sonatami, fugami oraz passacagliami. Sznitke definiował polistylizm jako interakcję pomiędzy rozmaitymi obszarami stylistycznymi, między różnymi cytatami zaczerpniętymi z kompletnie odmiennych rodzajów muzyki, a o swoich utworach utrzymanych w tej konwencji powiedział: Jednym spośród moich życiowych celów było utworzenie pomostu nad przepaścią pomiędzy muzyką poważną i lekką, nawet jeślibym miał skręcić przy tym kark.

Sznitke odchodził niekiedy od technik awangardowych, jak na przykład w poświęconym pamięci jego zmarłej matki Kwintecie fortepianowym (1972-1976). Kilka pomysłów, które nie weszły do tego kwintetu, kompozytor wykorzystał w mniej reprezentatywnym dla jego twórczości, ale cieszącym się sporym powodzeniem u słuchaczy czternastoczęściowym Requiem (1975).

Z końcem lat 70. znalazł swój własny język, spajający rozmaite idee w homogeniczną całość, i tworzył większe formy: symfonie, koncerty i concerti grossi. Wraz z pogarszaniem się jego zdrowia, pod koniec lat 80. oraz później, zaczął odchodzić od polistylizmu i znalazł schronienie w posępnym, hermetycznym stylu. Niektórzy uczniowie Sznitkego twierdzą, że te późne dzieła stanowią najbardziej znaczącą część jego dorobku.

Po śmierci Sznitkego ukazało się kilka niepublikowanych wcześniej utworów. Aleksander Iwaszkin, jego biograf, namówił Irinę Sznitke do udostępnienia praw do dwóch młodzieńczych dzieł kompozytora: zainspirowanej twórczością Szostakowicza i napisanej na niewielką orkiestrę Symfonii nr 0 (1956) oraz powstałego pod wpływem Carminy Burany Carla Orffa oratorium Nagasaki (1958). Z kolei sama Irina postanowiła udostępnić niedokończoną przez Sznitkego trzyczęściową IX Symfonię (1997-1998), która jest jej zdaniem muzycznym testamentem artysty. Pisany lewą ręką i częściowo nieczytelny rękopis odcyfrował i zrekonstruował w 2007 r. rosyjski kompozytor Aleksander Raskatow.

Bardzo obszerny katalog nagrań dzieł Alfreda Sznitkego oferuje melomanom szwedzka wytwórnia muzyczna BIS Records, powiązana z mającym siedzibę w Hongkongu Naxosem. Płyty z utworami Sznitkego wydają ponadto między innymi brytyjski Chandos Records Ltd i rosyjska Melodia. Z kolei nakładem niemieckiego Capriccio Records, również związanego z Naxosem, ukazały się cztery albumy z muzyką filmową Sznitkego. (wikipedia)


Alfred Garrievich Schnittke was born on 24 November 1934 in Engels in southern Russia. On his mother’s side he was of Volga German and Roman Catholic extraction, on his father’s side he was German-Jewish. His sense that his background set him apart from the majority in the USSR was reinforced when, from 1945-48, his father was posted to Vienna, and the delighted boy discovered Austro-German cultural and musical traditions.

He entered the Moscow Conservatory in 1953, completed post-graduate work in 1961, and from then on earned his living, partly by teaching, partly by writing for the cinema (nearly 70 scores in 30 years). Fired by the rebellious modernism prevailing in Moscow in the early 1960s, Schnittke embarked on a voyage of compositional discovery. His works of the 1960s show him embracing the modernist and avant-garde fascinations of the time. Outstanding among his pieces of this period are 2 violin sonatas (1964, 1968), and the String Quartet No.1 and Violin Concerto No.2 (both 1966).

In 1972 he finished the massive First Symphony, blending Soviet symphonic thought, often parodied, with highly experimental elements. This powerful work established him as a leader of Soviet modern music, loathed by the authorities and adored by the anti-Soviet ‘underground’. Later came the hauntingly simple Piano Quintet (1976), and the comically sinister Concerto Grosso No.1 (1977). All three pieces have taken his name all over the world.



String concertos play a large part in Schnittke’s output and reflect his close friendship with some of the leading players of his time including Gidon Kremer, Yuri Bashmet and Mstislav Rostropovich. For such stars he has written 4 violin concertos, a viola concerto, 2 cello concertos, 6 concerti grossi and much else besides. Symphonies continued to be important. At the time of his death he had sketched, but not finished, a Ninth. He also wrote much chamber music.

In 1985 Schnittke suffered a stroke which left him in bad health for the rest of his life. Far from impeding him, however, sickness seems to have released an inner torrent and in later years he became prolific, answering each successive brush with death with a further flood of music. And with each new work he moved further from the more playful and satirical modernism of his earlier pieces into a dark and often difficult but always personal world where spiritual concerns and religious themes predominate. In his last years he and his wife moved to Hamburg, where he died on 3 August 1998. (boosey)

link in comments
1 comment
Posted in ,

The Advancement (1969)





A sixties Hollywood outfit whose album is one of those strange late sixties barrier-breaking experimental efforts trying to fuse different musical genres. Orient Express, Autosalvage and John Berberian are other similar projects which spring to mind. This particular one is an attempt to fuse jazz with folk, rock and acid. After collaborating with Gabor Szabo on such superb efforts as More Sorcery and Dreams, bassist Louis Kabok and drummer Hal Gordon further embraced jazz-rock fusion under the Advancement aegis, issuing their sole LP in 1969. The opening "Juliet" establishes a dark, moody atmosphere immediately bolstered by the intriguing "Painful Struggle," with its eerie vibes and Kabok's extended bass bridge. "Moorish Mode" is Gordon's star turn, highlighted by an impressively restrained drum break. But it's the most overtly rock-influenced cuts that make Advancement worth seeking out, in particular "Fall Out," an impressively heady mTlange of jazz, hard rock, and psychedelia. (AMG)

Colin Bailey -drums
Lynn Blessing - vibes, organ
John De Rose - guitar
Hal Gordon Conga - drums, percussion
A.A. Johnson - guitar
Lou Kabok - bass
Richard Thompson - organ, harpsihord

After collaborating with Gabor Szabo on such superb efforts as More Sorcery and Dreams, bassist Louis Kabok and drummer Hal Gordon further embraced jazz-rock fusion under the Advancement aegis, issuing their sole LP in 1969. The opening "Juliet" establishes a dark, moody atmosphere immediately bolstered by the intriguing "Painful Struggle," with its eerie vibes and Kabok's extended bass bridge. "Moorish Mode" is Gordon's star turn, highlighted by an impressively restrained drum break. But it's the most overtly rock-influenced cuts that make Advancement worth seeking out, in particular "Fall Out," an impressively heady mTlange of jazz, hard rock, and psychedelia.~ Jason Ankeny, All Music Guide

link in comments
2 comments
Posted in , ,

The Red Crayola - Live 1967



Uwaga !!! Tylko dla koneserów i miłośników muzyki zakręconej !!!

Red Krayola (lub Red Crayola) to jeden z najdłużej działających zespołów psychelicznych, które debiutowały pod koniec lat sześćdziesiątych. W kontekście muzycznej propozycji grupy - określenie "psychedeliczny" jest niefortunne. Red Crayola nigdy nie fundowała swoim słuchaczom rozbudowanych lub transowych kompozycji, w których słychać mnóstwo sfuzowanych, rzężących i odrywających głowę instrumentów (głównie gitar). Muzycy kierują swoje propozycje do wymagających i ambitnych odbiorców i można zaryzykować stwierdzenie, że są prekursorami współczesnej awangardy oraz nowej fali (pobrzmiewają też elementy punka).

Red Crayola powstał w Houston w Teksasie w 1966 roku. Założyło ją trzech muzyków, studentów lokalnego uniwersytetu: gitarzysta, wokalista i artysta - Mayo Thompson, perkusista Frederick Barthelme (brat pisarza Davida Barthelme) oraz Steve Cunnigham. Najbardziej "psychedeliczny" okres działalności grupy przypadł właśnie na koniec lat 60-tych kiedy to muzycy podpisali kontrakt z legendarną dzisiaj wytwórnią International Artist kierowaną przez Lelana Rogersa (brata Kenny Rogersa).

Wytwórnia ta zasłynęła przede wszystkim z "wylansowania" zespołu The 13th Floor Elevators. Grupa nagrała dla tej wytwórni swoje dwa "sztandarowe" albumy: "Parable of Arable Land (1967)" oraz "God Bless The Red Krayola And All Who Sail With It" w roku 1968. Pomiędzy tymi dwoma albumami zespół nagrał jeszcze płytę "Coconut Hotel" w 1967, który jednak został przez wytwórnię wstrzymany z powodów "niekomercyjnych" (płyta ujrzała światło dzienne dopiero w 1995 roku). Utwory zawarte na tych płytach to przedziwna mikstura psychedelii, folku i eksperymentów muzycznych. Po tych dokonaniach drogi muzyków rozeszły się.

Mayo Thompson rozpoczął solową karierę pod własnym szyldem lub nazwą Red Crayola. W latach siedemdziesiątych nawiązał rozliczne muzyczne kontakty z muzykami sceny awangardowej i nowofalowej m.in z Pere Ubu, Cabaret Voltaire, The Fall czy Primal Scream. Uczestniczył w wielu projektach artystycznych i muzycznych. W latach 90-tych wskrzesił grupę The Red Krayola z udziałem nowych muzyków i z powodzeniem się realizuje kontynuując swoje muzyczne pomysły. Muzyka Red Krayola jest szczególnie godna polecenia - nie traci nic ze swej świeżości i wciąż zaskakuje pomysłowością.



The Red Krayola (formerly The Red Crayola) was a psychedelic, avant-garde rock band from Houston, Texas, formed by art students at the University of St. Thomas (Texas) in 1966. The band was led by singer/guitarist and visual artist Mayo Thompson, along with drummer Frederick Barthelme (brother of novelist Donald Barthelme) and Steve Cunningham. Their work prefigured punk and the no wave scene in 1980s New York City. Thompson has continued using the name, in its legally required permutation The Red Krayola, for his musical projects since.

They make noise rock, psychedelia and occasionally folk/country songs and instrumentals in a DIY-punk fashion, an approach that presaged the lo-fi aesthetic of many 1990s US indie rock groups. Reviewing the band has produced conflicted results- in an extremely positive review from Pitchfork Media, critic Alex Lindhardt wrote "It's a band that has no idea how to play its\ instruments. In fact, they don't even know what instruments are, or if the guitarist has the ability to remain conscious long enough to play whatever it is a 'note' might be."He added, "This is a band that was paid ten dollars to stop a performance in Berkeley. If Berkeley's not having it, you know you're in for rough sledding."

In 1966 the band signed to International Artists, home label to fellow psych-rockers The 13th Floor Elevators that was run by Lelan Rogers (brother of country musician Kenny Rogers). In 1967 the label released the psychedelic album, Parable of Arable Land (...) The minimalist music album Coconut Hotel was recorded in 1967 but rejected by International Artists for its lack of commercial potential because of its complete departure from the full-soundin guitar/ bass/ drums/ vocals rock sound of the Red Krayola's first album. Coconut Hotel featured such self-described tracks as "Organ Buildup", "Free Guitar" and a series of atonal "One-Second Pieces" for piano, trumpet and percussion. The album did not see release until 1995. During this period, the band performed a concert in Berkeley, California where they attached a contact microphone to a sheet of aluminium foil that was set under a block of melting ice. The Red Krayola also performed with guitarist John Fahey and recorded an entire studio album of music in collaboration with him, but label head Lelan Rogers demanded possession of the tapes and recorded documentation of those sessions has been missing ever since.

The band's second album to see release (and the first to be released with the new "Krayola" spelling) was 1968's God Bless The Red Krayola And All Who Sail With It. God Bless presented a middle ground between Parable of Arable Land and Coconut Hotel (...) The album was not as well received as the band's first release and the Red Krayola's original lineup disbanded.

In 1969, Thompson recorded a solo album called Corky's Debt to His Father for a small label called Texas Revolution. The album, which has come to be regarded by many as the unheralded jewel of the Krayola catalogue, is devoid of Thompson's usual avant-garde indulgences, and consists instead of ten lyrically dense but warm-hearted pop songs, in various styles - Dylan-inspired blues-rock, Tex-Mex pop-rock with psychedelic touches, and early country rock not dissimilar to the contemporary work of Gram Parsons and the Flying Burrito Brothers. Thompson was backed by studio musicians on the album and none of his usual Krayola (or 13th Floor Elevators) cohorts appear.

Mayo Thompson continued to make music, both under his own name and as The Red Crayola (...) His collaborations in the 1970s and 1980s read like a roll call of the avant-garde and experimental artists and musicians of the era. The Red Crayola teamed up with the Conceptual Art collective Art & Language for three LPs (...) and 1983's Black Snakes. Thompson joined Pere Ubu for a period in the early 1980s, performing on a couple releases, and provided soundtrack music for Derek Jarman.

Throughout this time he was prolific as a producer for many other seminal experimental and alternative rock acts, including The Fall, The Raincoats, Scritti Politti, Blue Orchids, Cabaret Voltaire, Stiff Little Fingers, Kleenex, The Chills and Primal Scream.

The 1990s found The Red Krayola with a new audience, who came to the group via musicians associated with Chicago's Post Rock scene and in particular the Drag City label, who had joined the band's ever-shifting line-up for a number of releases including the LPs Hazel (1996) and Fingerpainting (1999). These were, amongst others, Jim O'Rourke and David Grubbs of Gastr del Sol, the post-Conceptual visual artist Stephen Prina, German painter Albert Oehlen, George Hurley (...)In 1995, Drag City released 1967's Coconut Hotel LP and in 1998 issued The Red Krayola Live 1967 with material from the Angry Arts Festival and Berkeley Folk Music Festival including their live collaboration with John Fahey. Thompson is active as an art critic and currently lives in Edinburgh, Scotland, and in California, where he teaches at the Pasadena Art Center College of Design (wikipedia)

link in comments
3 comments
Posted in ,

Neon Pearl - 1967 Recordings


Pierwszy zespół Petera Duntona grającego później w świetnych grupach Bulldog Breed, Please czy wreszcie T2. Nie znajdziemy tu progresywnego rocka, zamiast tego otrzymujemy dużą dawkę wciągającej brytyjskiej psychodelii, która pogrąża nas w sennych i marzycielskich przestrzeniach. Łagodny śpiew wokalisty, umiejętne wyczucie instrumentów,  prosta lecz nie banalna aranżacja utworów sprawiają, że muzyka jest gładko przyswajalna i natychmiast rozpoznawalna.



The Neon Pearl trio consisted of Peter Dunton (vocals/guitar/keyboards/drums), Bernard Jinks (bass/backing vocals), and Nick Spenser (guitar/harmonium/keyboards). In 1967 they recorded the material issued on 1967 Recordings, which is fair if somber period British psychedelia in its hazy riffs, mild guitar distortions, and vocal harmonies, though the songs aren't too imaginative or varied. Dunton was also in the marginally less obscure British psychedelic bands the Flies and Please, while Jinks would later play in Bulldog Breed and T2, the latter of which also included Dunton.

This collection of obscure British psychedelia has a pleasantly foggy, ethereal feel. There are steadily jangling guitars, accomplished subdued distortion and effects, pulsating riffs, dreamy lyrics ("Dream Scream" is one title), and attractive vocal harmonies, with occasional harmonium tossing in an unusual spice. It fits the cliché of being suitable background music for launching into a meditative doze, or for an altered state of consciousness using specific substances. There's also a serious-mindedness to the mood that, while sincere, would probably never be adapted by a post-20th century band unless it was done with a certain amount of irony totally missing here. What's to complain about? Not much, but the songs themselves are on the monotonous and undeveloped side, sounding more like grooves to work off of than fully realized compositions. The tracks could be viewed as vague forerunners of a more modern form of Terrastock-era psychedelic-influenced ambient and trance rock. But the absence of better songs confines this to the realm of specialists, and excludes it from the upper reaches of the better obscure late-'60s British psychedelic music that might be considered for exploration by collectors. (AMG)

link in comments
1 comment
Posted in , , ,

The Village Fugs - Sings Ballads Of Contemporary Protest, Point Of Views, And General Dissatisfaction (1965)



The Fugs to nowojorska formacja, która jest jedną z najważniejszych undergroundowych grup. Niech żaden szanujący się słuchacz muzyki dziwnej i innej nawet nie wspomina, że ta nazwa jest mu nieznana.

Powstali gdzieś koło 1964 roku w Nowym Jorku. Założyli ją dwaj żydowscy emigranci - Tuli Kupfenberg i Ed Sanders. Inspiracją zespołu była szeroko pojęta spuścizna kulturowa od Arystotelesa, przez "Króla Ubu", dadaistów, beatników, Charliego Parkera etc. Był to swoisty tygiel artystyczny. Swoje pierwsze występy grupa rozpoczęła w 1965 i w tymże też roku miała miejsce pierwsza sesja nagraniowa dla Folkways Records. Pierwszy album również ukazał się w roku 1965 w małym nakładzie wydany przez Broadside pod tytułem "The Village Fugs Sings Ballad Of Contemporary Protest". Grupa miała przeróżne konotacje kulturowe - odwiedzała komunę Kena Keseya z jego Merry Pranksters, uczestniczyła w ekscesach psychodeliczenej sceny San Francisco z Grateful Dead, Jefferson Airplane, i - a jakżeby inaczej - zakumplowali się z Frankiem Zappą i jego Mothers Of Invention. Występy grupy bardzo często kończyły się ekscesami i interwencją policji. Grupa nie stroniła od muzycznych eksperymentów, które mogła realizować m.in. dzięki współpracy ze słynną wytwórnią ESP-Disk dla której nagrała album "The Virgin Fugs". Muzycy znaleźli się nawet pod lupą FBI za swoje lewackie sympatie. Współpraca z ESP-Disk wkrótce się zakończyła ponoć z tego powodu, że cała wytwórnia była tylko przykrywką dla mafii. Muzycy z Fugs często sięgali po wszelakie akcje typu performance. Często ich aktywnym wsparciem był nie kto inny jak poeta "przeklęty" świętej pamięci Allen Ginsberg (jego sylwetkę muszę przypomnieć w którymś z kolejnych postów). Nie ma sensu wymienianie wszystkich albumów The Fugs - zainteresowani sami sobie wyguglują - oraz muzyków, którzy przewinęli się w składzie - jednak taki podstawowy wyglądał mniej więcej tak:

Tuli Kupfenberg - voc, perc
Ed Sanders - voc, guitar, viol, harm
John Andrerson - bass
Vinny Leary - guitar
Ken Weaver - drums
Steve Weber - guitar, voc.



Nikt nie wyraził dosadniej nęcących idei hippisowskiej rewolty niż The Fugs. "Nienawidzimy wojny. Kochamy seks, trawkę i LSD" – śpiewali w zawianym chórze w songu "Jesteśmy the Fugs" ze swej debiutanckiej płyty wydanej w 1965 roku. Nagrania umożliwił im Harry Smith, choć należeli do całkiem nowej tradycji miejskiego folku. Ekspresję ulicznej orkiestry łączyli z prowokacyjną i zwariowaną aurą artystycznego kabaretu. The Fugs nagrywali dla jednej z pierwszy niezależnych wytwórni – nowojorskiej ESP, która reklamowała się hasłem: artysta sam decyduje o tym, co znajdzie się na albumie. Dzięki temu utrwaliła nagrania plejady ekscentryków lat 60., świętych szaleńców free jazzu: Sun Ra i Alberta Aylera oraz ekscentrycznych folkowców. Miejskiego ducha, obok The Fugs, oddawali protopunkowcy z The Godz. Eteryczni trubadurzy z Pearls Before Swine połączyli songi inspirowane prozą Tolkiena i protest przeciw wojnie w Wietnamie. Najbardziej zbzikowani byli Holy Modal Rounders. Ich album z 1967 roku "Indian War Whoop" przynosi najosobliwsze interpretacjetradycyjnych folkowych tematów. Nabuzowani LSD muzycy na przemian zapadają w oniryczne transy i rozwichrzone kawalkady, w których zawodzeniu skrzypiec zdają się towarzyszyć głosy indiańskich duchów.

Najdziwniejszym bardem epoki psychodelicznej był niejaki Tom Baker. Przekonany o własnej świętości adept jogi i właściciel restauracji ze zdrową żywnością leżącej nieopodal Hollywood. Zgromadził wokół siebie grupę wyznawców, których pod imieniem Father Yod karmił typową papką mistycyzmu kalifornijskiego: medytacja, wolna miłość, tantryczne sztuczki z orgazmem, cześć dla zwierząt i wegetarianizm. Otoczony haremem trzynastu żon poczuł się ciasno w Stanach, przybrał imię YaHoWa 13 i założył komunę na Hawajach. Przez cały ten czas tworzył słodkie ballady i odprawiał psychodeliczne rytuały własnego kultu. W 1999 roku japońska oficyna Captain Trip wydała zbiór jego nagrań liczący 13 kompaktów! Brzmią ciekawiej niż niesławne więzienne songi innego guru tamtej epoki, Charlesa Masona. Legendę Bakera ugruntowała jednak nie muzyka, lecz okoliczności śmierci. Jedni twierdzą, iż miał wypadek szybowcem, inni, iż dokonał nieudanej lewitacji. Faktem jest, że poturbowany święty odmówił pomocy medycznej, miały go uleczyć chóralne śpiewy i… regularne lewatywy. Ponoć gdy skonał, wyznawcy wypchali jego zabalsamowane ciało, by oddawać mu cześć. Był rok 1975! Na pozostałych po nim płytach najbardziej przejmujące są chóralne śpiewy jego własnych dzieci zawodzących o "naszym Yahowie". --- Rafał Księżyk



The Fugs are a band formed in New York City in 1965 by poets Ed Sanders and Tuli Kupferberg, with Ken Weaver on drums. Soon afterwards, they were joined by Peter Stampfel and Steve Weber of the Holy Modal Rounders. The band was named by Kupferberg, from a euphemism for "fuck" used in Norman Mailer's novel, The Naked and the Dead.

The band's original core members, Sanders, Kupferberg, and Weaver, were joined at various times in the 1960s by a number of others, some of whom were noted session musicians or members of other bands. These included Weber and Stampfel, bassist John Anderson, guitarist Vinny Leary, guitarist Peter Kearney, keyboardist Lee Crabtree, guitarist Jon Kalb, guitarist Stefan Grossman, singer/guitarist Jake Jacobs, guitarist Eric Gale, bassist Chuck Rainey, keyboardist Robert Banks, bassist Charles Larkey, guitarist Ken Pine, guitarist Danny Kortchmar, and drummer Bill Wolf.

For most of the last twenty-five years, The Fugs have been composed of primary singer/songwriters Sanders and Kupferberg, composer, song writer, guitarist, and long-time Allen Ginsberg-collaborator Steve Taylor, singer/songwriter and percussionist Coby Batty, and Scott Petito, a musician and music producer.

A satirical and self-satirizing rock band with a political slant, they have performed at various war protests — against the Vietnam War and since the 1980s at events around other US-involved wars. The band's often frank and almost always humorous lyrics about sex, drugs, and politics have caused a hostile reaction in some quarters.

Their participation in a protest against the Vietnam War in the late 1960s, during which they purportedly attempted to encircle and levitate the Pentagon, is chronicled in Norman Mailer's novel, Armies of the Night.

The Fugs have remained committed to literature and poetry with a socio-political thrust and often mine the history of European and American literature as inspiration for song lyrics. One of their better-known songs is an adaptation of Matthew Arnold's poem, Dover Beach. Others were renditions of William Blake's poems: Ah! Sun-flower and How Sweet I Roam'd.



After pursuing individual projects over the years, in 1984 Sanders and Kupferberg decided to reform the band and stage a series of Fugs reunion concerts. On Wednesday, August 15, 1988 at the Byrdcliff Barn in Woodstock, New York, the Fugs performed one of their first real reunion concerts. This incarnation of the Fugs included, at various times, guitarist and singer Steve Taylor who was also Allen Ginsburg's teaching assistant at the Naropa Institute, drummer and singer Coby Batty, bassist Mark Kramer, guitarist Vinny Leary (who had contributed to the first two original Fugs albums), and bassist/keyboardist Scott Petito. The re-formed Fugs performed concerts at numerous locations in the U.S. and Europe over the next several years.

In 1994 the band intended to perform a series of concerts in Woodstock, New York, (where Sanders had lived for many years) to commemorate the 1969 Woodstock Festival, which had actually occurred near the town of Bethel, some 50 miles away. They learned that a group of promoters were planning to stage Woodstock '94 that August near Saugerties, about 8 miles from Woodstock, and that this festival would be much more tightly controlled and commercialized than the original. Consequently The Fugs decided to stage their own August 1994 concerts as "The Real Woodstock Festival", in an atmosphere more in keeping with the spirit of the 1969 festival. The basic Fugs roster of Sanders, Kupferberg, Taylor, Batty, and Petito performed in this series of concerts with additional vocal support from Amy Fradon and Leslie Ritter and also with appearances by Allen Ginsberg and Country Joe McDonald.

link in comments
2 comments
Posted in , , ,

VA - Authentic Way Cool Sixties Artifacts Vol 1&2 (1997/1999)





What sets this apart from the many other similar '60s garage-psych releases is the extremeness of the music. Tracks collected here feature grungier guitars, slower or varied tempos and darker and more ominous atmosphere than earlier punk singles...and more fuzz and heavier feedback (even the occasional oscillator). These tracks were typically cut later than many of the other garage-band compilation series, and influences are second generation bands like Steppenwolf, Blue Cheer, Love, and the Stooges. While poppier sounds are eschewed on these sides, according to the liner notes these heavier slabs are the flip sides of lighter material. If the ballads on garage comps are the ones you skip over, by all means pick up a copy of this collection...you won't be disappointed. An extra bonus are six caveman-stomping cuts by the Boneheaded 31 Flavors, originally from two low-budget psych-sploitation albums on the Crown label --- Jim Powers, AllMusic





With 23 very rare singles originating from all over North America, from 1966-1970 (dates are not given for a couple but they certainly fit the time frame), this is very much in the Pebbles garage compilation mentality. The key difference is that the focus is on a later era -- only two to three years later on the average, mind you, but a significant difference when you're talking about the '60s, when styles and sounds changed very quickly. It logically begets another difference between this and your average garage compilation: there is much more weight given to hard, even heavy, guitar rock and psychedelic lyrics. Nonetheless, much of the fuzz guitar and cheesy organ texture typical of "classic" garage music remains. You have to dig pretty deep even for any names that are known by association on this comp, as all of the groups are unknown: three members of Adam went on to the Balloon Farm, Light's "Back Up" was produced by Music Machine producer Brian Ross, and Steve Cropper co-produced the Aardvarks' "Subconscious Train of Thought." For all the effort involved in locating these 45s, and the informed and entertaining liner notes, it's not scintillating stuff, either on its own merits or in comparison to similar psych/garage comps. There's a dearth of outstanding material, and the blurry guitars and organs yield a somewhat monotonous, homogenous effect over the course of the 70-minute disc. You get some interesting moments here and there, usually in off-the-wall vocal or instrumental distortions, but the melodies are usually mopey and unimaginative. --- Richie Unterberger, AllMusic

links in comments
1 comment
Posted in , , ,

Weidorje (1978)


Weidorje to francuski zespół założony w 1977 roku przez byłych członków grupy Magma - basistę Bernarda Paganotti i klawiszowca Patricka Gauthier. Zostawili po sobie tylko jeden album nagrany w 1978 roku, mocno osadzony w stylistyce zeuhl. Ta hipnotyczna płyta pełna muzyki o wyrazistej ekspresji powinna w pełni zadowolić wszystkich fanów Magmy.



In 1978, keyboardist Patrick Gauthier and bassist Bernard Paganotti decided to leave Magma and found their own band, Weidorje. Weidorje means “celestial wheel”. This word appears in Magma’s album “Üdü Wüdü” in the form of a short track composed by Paganotti and Blasquiz.

In addition to a guitarist and a drummer, they also recruited a second keyboardist and two horn players to join them in this magnificent project. Their music is quite Zeuhl, featuring throbbing bass, electric piano, and that classic “Zeuhl beat.” However, unlike Magma, the music is not ominous and the vocals are of secondary (perhaps even tertiary) importance.

In Weidorje’s selftitled sole album, Paganotti’s all-powerful bass is by far the dominant instrument. He kicks the distortion one level higher than anyone ever dared to in Magma and puts on one hell of an impressive performance. He drives, pounds, and relentlessly assaults your eardrums. The other musicians are in top form as well, though the drummer seems a bit bland, particularly in comparison to Paganotti’s old rhythm-section partner, Christian Vander.

The compositions themselves are quite good. The music tends to be more upbeat than (post-1001) Magma, and vocals are used only occasionally. The pieces are, as with most music from the French Zeuhl scene, focused on repeated riffs, grooves, and chord progressions with varying melodies. The music is strictly based on what sounds good; there’s no complexity-for-the-sake-of-it to be found here.

In addition to the three tracks from the original LP, this edition features two live bonus tracks of the band performing original compositions which did not make this album. These pieces are actually quite close to the lofty standard set by the songs on the LP. The sound quality is somewhat rough, but the pieces themselves more than make up for it. (progarchives


link in comments
3 comments
Posted in ,

Angelic Upstarts - Solidarity (1983) 12"



Angelic Upstarts był jednym z najważniejszych zespołów mojego nastolęctwa. Zetknąłem sie z nimi po raz pierwszy dzięki składance "Back Stage Pass" i to był chyba 1982 rok, moje punkowe początki. Na składance była m.in. ich piosenka "Police Opression", która jakże pasowała do atmosfery tego okresu w Polsce. A niedługo potem usłyszałem hymn "Solidarity" w ich wykonaniu, dedykowany polskim robotnikom:

all the polish workers fight to make their stand
and behind them evry honest working men
in unity there`s each otherand your friend becomes your brother
and in the tyrant`s heart will be a lesson learned

give them hopegive them strengthgive them live
like a candle burning in the black of night
we're all with you in our hearts and in our minds
and we'll pray for our nation through its darkest times

Dodajmy do tego tak znakomite utwory jak "Teenage warning", "Last night another soldier", "Leave me alone" czy "I won't pay for liberty".

Będąc na koncercie w Warszawie, było oczywiście "Solidarity", było "Police Opression", a jednak miałem niedosyt, nie da się ukryć, że oglądaliśmy starszych panów. Zagrali 22 kawałki, ambitny set, widać było, że dobrze się bawią i dobrze się znają, ale ostrości tej muzyce brakowało. Wokalista Thomas 'Mensi' Mensforth to weteran sceny punk, Angelic Upstarts grają od 1977 roku - zaraz minie 35 lat.

Dziwny był zestaw kapel, które wystąpiły wczoraj na festiwalu Good Night White Pride Fest VII, na jednej scenie grali co by nie mówić lewacy, bo tak trzeba traktować Angelic Upstarts i kapele, które lewactwem się brzydzą z Analogsami na czele, którzy zresztą zagrali jak zawsze bardzo dobry koncert. Rewelacyjne - też jak zawsze - było Eye For An Eye.

Wkurwiali mnie organizatorzy koncertu, którzy nie pozwalali rejestrować na wideo ani robić zdjęć. Na dzień dobry zabrali aparat i kamerę, przemyciłem jeszcze mały aparat z możliwością zapisu wideo, przez co omal nie wyleciałem z klubu, kiedy ochrona zobaczyła, że kręcę Analogsów. Dopiero po długich dyskusjach udało mi się jakoś do tych ludzi trafić, że w rejestrowaniu koncertów nie ma nic złego (musiałem zobowiązać się, że nie będę fotografował publiczności!) --- Disorder


Formed in South Shields, England in 1977, the Angelic Upstarts was one of the period's most politically charged and thought-provoking groups; though technically a skinhead band, their records attacked the racism and fascism so prevalent throughout the skinhead community, and while also technically a punk unit, their music quickly evolved beyond the movement's limited scope.

The Angelic Upstarts were led by the rather nasal vocalist Mensi (born Thomas Mensforth), whose impoverished childhood became a frequent lyrical touchstone. Along with a highly fluid lineup which initially comprised guitarist Mond, bassist Ronnie Wooden, and drummer Sticks, the group debuted with the 1979 single "Murder of Liddle Towers," a scabrous attack on police brutality. The record caught the attention of Sham 69's Jimmy Pursey, who produced their debut album "Teenage Warning", which, like its 1980 follow-up, "We Gotta Get Out of This Place", roundly ridiculed the oppressive policies of Margaret Thatcher while offering an outpouring of sympathy for the working class.

As the Upstarts' popularity surged, so did the levels of violence at their live shows; they became mortal enemies of National Front fascist supporters, who railed against the band after first misinterpreting their leftist songs as supportive of their cause. At the same time, the band's music was becoming more complex and accomplished; by 1983's "Reason Why?", the strongest Angelic Upstarts record, Mensi's songwriting skills had become tighter and more melodic, even branching out into reggae and folk, while the group's base broadened with the addition of keyboards and saxophones.

The 12 inch single "Solidarity" was releasend on Anagram Records in 1983. The title track, "Solidarity", is in reference to the Polish shipyard workers trades union led by Lech Walesa which at the time were being repressed by the Communist regime in Poland.

Found on Zero G Sound

Thanks to Zero

link in comments
1 comment
Posted in , , , ,

Candy (1968) Original Sondtrack





High school student Candy (former Miss Teen Sweden Ewa Aulin) seemingly descends to Earth from space. In the relatively simple plot, she naively endures an escalating series of situations in which her oblivious allure triggers satirical porn-film-like encounters. Roger Ebert wrote, "Candy caroms from one man to another like a nympho in a pinball machine, and the characters she encounters are improbable enough to establish Terry Southern's boredom with the conventions of pornography."

In school, her father (John Astin) is also her teacher. At a poetry recital, eccentric poet MacPhisto (Richard Burton) offers Candy a ride home in his limousine. At her home, MacPhisto drunkenly waxes boisterously poetic, arousing Candy and her gardener Emanuel (Ringo Starr) into sex. Scandalized, her family sends her to private school, where she embarks on a psychedelic journey during which she meets a number of strange people, including a sex starved military general (Walter Matthau), a doctor who performs public operations (James Coburn), a hunchback (Charles Aznavour) and a fake Indian guru (Marlon Brando). As the film ends, she continues to cavort with other people plus some of the characters she met in the film, followed by her return to outer space.
  • Ewa Aulin - Candy
  • Richard Burton - McPhisto
  • Ringo Starr - Emmanuel
  • Marlon Brando - Grindl
  • Charles Aznavour - dzwonnik
  • John Astin - T.M. Christian/Jack Christian
  • James Coburn - Dr A.B. Krankheit
  • John Huston - Dr Arnold Dunlap
  • Walter Matthau - Gen. R.A. Smight
  • Elsa Martinelli - Livia
  • Sugar Ray Robinson - Zero

This was the solo film acting debut of then Beatle Ringo Starr; Starr had previously appeared alongside his bandmates John Lennon, Paul McCartney, and George Harrison in A Hard Day's Night (1964), Help! (1965) and Magical Mystery Tour (1967).

Ringo continued appearing in movie roles through the 1960s, 1970s, and 1980s — including another film based on a Southern novel, The Magic Christian — while he continued his music career.Candy was one of many psychedelic movies that appeared as the '60s ended, along with Yellow Submarine, The Trip, and Head. The film opened to mixed box office, but later became a cult classic from the psychedelic years of film. Reviews were generally positive with a few misgivings: the film rates 80% at the Rotten Tomatoes review aggregator. In a review representative of most professional reviewers at the time, Roger Ebert found it "a lot better than you might expect" but missed the "anarchy, the abandon, of Terry Southern's novel." Renata Adler decried "its relentless, crawling, bloody lack of talent".

link in comments
3 comments
Posted in , ,

Günter Schickert - Überfällig (1979)


Gunter Schickert to pochodzący z Berlina artysta będący pionierem w gitarowych eksperymentach na niemieckiej scenie. Na instrumencie tym tworzył unikalne, wielowarstwowe przestrzenie, swoimi niezwykłymi dokonaniami na trwale wpisując się w historię krautrocka. W 1973 roku z gitarzystą Axelem Struck i perkusistą Michaelem Leske założył trio GAM, z którym nagrał dwie płyty. Jako solista zarejestrował trzy wydawnictwa - wydane własnym sumptem "Samtvogel" (1974), następnie "Uberfallig" (1979) i na koniec wypuszczone tylko na kasecie "Kinder in der Wildnis" (1987). Oprócz tego, w 1995 roku wychodzi jeszcze kompilacja jego nagrań pt. "Somnambul". W międzyczasie współpracuje z kilkoma twórcami, m.in. Klausem Schulze a także tworzy muzykę teatralną.



Though his name barely registers among most of the Krautrock intelligentsia, Gunter Schickert was both prolific in the background and an important artist. Along with the better-known Achim Reichel, Schickert pioneered the echo guitar, where the repeated guitar tones create unique, multi-layered textures that take the instrument quite beyond the ordinary.

Schickert was active through much of the '60s in the Berlin free jazz scene, though it wasn't until 1974 that his first album, Samtvogel, came out, self-released by Schickert in a small batch. The album was unique enough that it was quickly snatched up by the legendary Brain label, and they reissued the record the next year. Samtvogel is quite similar to Manuel Göttsching's solo-guitar album, Inventions for Electric Guitar, where guitar sounds are layered and layered on top of each other to create new hypnotic textures.

In 1973, Schickert founded the trio GAM, with guitarist Axel Struck and percussionist Michael Aleska, and with Schickert on guitar, vocals, and trumpet, this group created a unique sort of freaked-out space rock. GAM recorded some jam sessions in 1976, which were finally released on cassette in 1986 and titled Gam 1976, and an unreleased album called Eiszeit in 1978.

At this time Schickert was also creating music for a theater company, and even performing live on-stage in some of the productions. He also served as a roadie for electronic music pioneer Klaus Schulze, and sometimes played live with Schulze as well. Schickert's second solo album, Uberfallig, came out in 1979 on Sky Records, this time with Charles Heuer on drums to augment Schickert's echoed guitar textures.

In the '80s, Schickert's work in theater production continued, and he also took part in a couple of bands, No Zen Orchestra and Ziguri Ego Zoo. A third album under his own name, this one a completely solo effort with him on guitar, tapes, vocals, percussion, and trumpet, 1993's Kinder der Wildnes only came out on cassette, though it showed that Schickert was expanding into a wider range of musical styles. Another collection, Somnabal, was released in 1995 on CD with music from throughout the decade-and-a-half before that. Though his recordings are few and hard to track down, especially the debut Samtvogel, Schickert is an innovative music creator who deserves more notice. (allmusic)
 
link in comments
1 comment
Posted in ,

The Little Boy Blue - In The Woodland Of Weir (1968)





Little Boy Blues started as a mid-'60s garage rock band leaning toward Rolling Stones-ish blues rock, with a lesser degree of folk-rock. By the time their sole album came out in 1968, however, they were very much into period psychedelic heavy rock, with more of a soul color to some of the songs and the arrangements than the average such band. Comprised entirely of original material (from Little Boy Blue Ray Levin), In the Woodland of Weir is of fair but somewhat anonymous quality, stewing together psychedelic-influenced wordplay, blue-eyed soul, and fuzz guitar-and-organ-drenched harder rocking passages without much cohesion. Though a lot of stylistic ground is covered -- running even beyond the above genres with the good-time bouncy piano-grounded "Is Love," jazzy improvisation on "The Death of Don Quixote," and classical-influenced strings on "Dream Weaver"/"Seed of Love" -- the material doesn't have staying power.

link in comments
2 comments
Posted in , ,

The Loading Zone (1968)





The Loading Zone was an American rock band of the late 1960s and early 1970s. They issued two albums worth of material, with differing band lineups, before disbanding in 1971.

They were formed in Oakland, California in 1966 by singer-keyboardist Paul Fauerso, following the dissolution of his jazz group The Tom Paul Trio. The original lineup was Fauerso, bassist Bob Kridle, drummer Ted Kozlowski (replaced by George Newcom), and guitarists Peter Shapiro and Steve Dowler, both formerly of Berkeley psychedelic rock band The Marbles, who had supported Jefferson Airplane at the historic "Tribute to Dr. Strange", the inaugural Family Dog promotion concert held at San Francisco's Longshoreman's Hall in October 1965.

The Loading Zone's first major concert was the Trips Festival at the Longshoreman's Hall in January 1966. Although primarily an R&B band, The Loading Zone added contemporary psychedelic influences and soon became a popular attraction on the burgeoning Bay Area music scene. The Loading Zone was based at the Berkeley venue The New Orleans House, but performed numerous times at major venues including the Fillmore West.

Although The Loading Zone occasionally headlined, the group is better known for supporting some of the biggest acts of the period including Cream, The Who, The Byrds, Big Brother & the Holding Company, The Grateful Dead, Country Joe & The Fish, Howlin' Wolf, Sam & Dave, Chuck Berry and Buddy Miles.

In 1968 Fauerso placed an advertisement in the San Francisco Chronicle seeking a new lead vocalist, which led to the recruitment of Linda Tillery, who joined just prior to the band's signing with RCA Records. Despite their live popularity, the group lacked a strong base of original material; their self-titled debut album was poorly received, and was criticised for its excessive production and its reliance on cover versions. The Loading Zone was unable to garner support from radio, and eventually split in 1969.

In 1969, Fauerso re-formed the group with new members- guitarist Steve Busfield, bassist Mike Eggleston, and drummer George Marsh, and initially with previous horn players, Todd Anderson (tenor sax) and Patrick O'Hara (trombone). Anderson was replaced after a few months by Ron Taormina. The new Zone also recruited old friend and drummer, Frank Davis to play with the group for a while. During this brief period, the band performed with two drummers at the same time - Davis and Marsh - with some exciting results. The band recorded their second LP One for All for their own label, Umbrella, before disbanding in 1971.



Tillery released her solo debut album Sweet Linda Divine on CBS Records in 1970. It was produced by Al Kooper of Blood, Sweat and Tears fame. Fauerso went on to produce the unreleased Mike Love solo album First Love and more recently, a second entitled "Only One Earth". Fauerso went on to make recordings of new age music and also to compose and produce award-winning commercials for radio and TV. Tillery resurfaced with the jazz fusion group Cesar 830 before embarking on a solo career.

In 2005, Fauerso reconnected with Eggleston and Marsh to record a new Loading Zone CD entitled "Blue Flame" (available through CD Baby and iTunes) The album contains five new tracks and three cuts from the second Zone album, "One For All".

George Newcom died from a heart attack on July 1, 2010, in Red Bluff, California. He was 63 years old. Pat O'Hara, trombonist, later worked with Buddy Miles on "Cold Blood" and others, and died in the late 70's or early 80's of an overdose.

link in comments
1 comment
Posted in , ,

Piotr Figiel - Piotr (1971)



Piotr Figiel – polski kompozytor, aranżer, pianista, organista i wokalista. Absolwent PWSM w Krakowie w klasie fortepianu (1960). Autor muzyki filmowej do wielu filmów, programów telewizyjnych, widowisk teatralnych oraz radiowych, a także piosenek dla znanych artystów muzycznych.

Zadebiutował w roku 1963 jako pianista. W roku kolejnym rozpoczął pracę kompozytorską (pierwszą jego piosenką był Wędrowny cyrk napisany do tekstu Janusza Kondratowicza dla Marii Koterbskiej). W tym czasie nawiązał też współpracę z Orkiestrą Taneczną Polskiego Radia pod kierownictwem Edwarda Czernego, z którą związany był do 1967 roku.

Współpracował też jako kompozytor i aranżer z Big Bandem Andrzeja Kurylewicza, Orkiestrą Polskiego Radia i Telewizji Studio S-1 Bogusława Klimczuka oraz ze Studiem M-2 (eksperymentalnym studiem muzyki rozrywkowej). Założył też własną orkiestrę Radiowego Studia Rytm, którą kierował.

W latach 1967-1969 współpracował z zespołem muzycznym The Clivers, składającym się z muzyków różnych narodowości. Z grupą tą koncertował jako organista w Szwecji i Finlandii.

Od 1971 roku prowadzi własne grupy muzyczne zajmujące się przede wszystkim muzyką instrumentalną. Od roku 1973 tworzy muzykę dla potrzeb filmu, a od 1974 – również do spektakli teatralnych. W roku 1974 założył studyjną orkiestrę Piotr Figiel Ensemble.

W roku 1981 wyjechał do RFN. Był tam pianistą i aranżerem big bandu działającego przy stacji radiowej Rias. Później miał też możliwość współpracy ze studiami nagraniowymi Global Music Group.

Współpracował z wieloma gwiazdami polskiej estrady: Ewą Bem, zespołem Bemibek, Stanem Borysem, Katarzyną Bovery, Krzysztofem Cugowskim, zespołem Czerwono-Czarni, Bogdanem Czyżewskim, Fryderyką Elkaną, Henrykiem Fabianem, Marią Figiel, Anną German, Anną Jantar, Ireną Jarocką, Marią Koterbską, Stenią Kozłowską, Krzysztofem Krawczykiem, Jolantą Kubicką, Haliną Kunicką, Kwartetem Warszawskim, Jackiem Lechem, Heleną Majdaniec, Alicją Majewską, Bogusławem Mecem, Wojciechem Młynarskim, Lucyną Owsińską, Jerzym Połomskim, Krystyną Prońko, Danutą Rinn, Marylą Rodowicz, Ireną Santor, Urszulą Sipińską, Katarzyną Sobczyk, Zdzisławą Sośnicką, Jadwigą Strzelecką, zespołem Trubadurzy, Teresą Tutinas, Zbigniewem Wodeckim, Tadeuszem Woźniakiem, Bogdaną Zagórską, Andrzejem Zauchą.


Piotr Figiel (born April 13, 1940 in Warsaw) - Polish composer, arranger, pianist, organist and vocalist. He debuted in 1963 as a pianist, in 1964 he composed the first song. Since 1971, leading his own musical group primarily involved in instrumental music. Since 1973, he creates music for film, and since 1974 - also to the theater. In 1974 he founded the studio orchestra Piotr Figiel Ensemble. He collaborated with many stars of Polish show artists.

link in comments
2 comments
Posted in , , ,

Them - Here Comes The Night (1965)


Zespół powstał w 1964 roku w Belfaście. W jego skład weszli wtedy Van Morrison, Billy Harrisom, Eric Wrixon, Alan Henderson, Raymond Sweetman i Ronnie Millings.

Jeszcze w tym samym roku grupa przeniosła się do Anglii i podpisała kontrakt z wytwórnią Decca Records. Przy współpracy z nią Them nagrali sześć utworów, a wśród nich swój debiutancki singiel - "Don't Start Crying Now". Jednak początki nie były łatwe - utwór nie odniósł sukcesu.

Dlatego menedżer zespołu Phil Solomon i Dick Rowe zatrudnili muzyków (Jimmy'ego Page'a, Petera Bardensa i Bobby'ego Grahama), którzy razem z Morrisonem nagrali cover utworu "Baby Please Don't Go" Big Joe Williamsa. Dzięki temu Them mieli w 1964 roku swój telewizyjny debiut w programie "Ready Steady Go". Singiel bardzo szybko stał się popularny, również dzięki stronie B, na której znalazł się utwór "Gloria". Początek następnego roku to już trasa koncertowa po Anglii.

Decca postanowiła wydać EP-kę Them zatytułowaną "Philosophy", na której znalazły się nagrania z poprzedniej sesji, po czym swoją premierę miał wielki przebój Them "Here Comes the Night". Następnie Solomon zatrudnił Berta Bernsa, który pomógł w pisaniu przeboju "Twist and Shout". Menedżer postarał się także o sesyjnych muzyków - Pila Coultera i Andy'ego White'a. Zatroszczono się również o odpowiednią promocję w mediach.

W 1965 roku zespół dał koncert na Wembley Empire Pool, który przeszedł do historii. Them wystąpili tam obok The Beatles, The Rolling Stones czy The Animals.

Kolejny singiel grupy to "One More Time", po czym zespół wydał albumy "The Angry Young Them" i "Them Again". Następnie formacja wyruszyła w trasę koncertową. W tym czasie zespół rozpadł się m.in. z powodów finansowych. (rmf)


Not strictly a British group, but packaged as part of the British Invasion, Them forged their hard-nosed R&B sound in Belfast, Ireland, moving to England in 1964 after landing a deal with Decca Records. The band's simmering sound was dominated by boiling organ riffs, lean guitars, and the tough vocals of lead singer Van Morrison, whose recordings with Them rank among the very best performances of the British Invasion. Morrison also wrote top-notch original material for the outfit, whose lineup changed numerous times over the course of their brief existence. As a hit-making act, their résumé was brief -- "Here Comes the Night" and "Baby Please Don't Go" were Top Ten hits in England, "Mystic Eyes" and "Here Comes the Night" made the Top 40 in the U.S. -- but their influence was considerable, reaching bands like the Doors, whom Them played with during a residency in Los Angeles just before Van Morrison quit the band in 1966. Their most influential song of all, the classic three-chord stormer "Gloria," was actually a B-side, although the Shadows of Knight had a hit in the U.S. with a faithful, tamer cover version.

Morrison recalled his days with Them with some bitterness, noting that the heart of the original group was torn out by image-conscious record company politics, and that sessionmen (including Jimmy Page) often played on recordings. In addition to hits, Them released a couple of fine albums and several flop singles that mixed Morrison compositions with R&B and soul covers, as well as a few songs written for them by producers like Bert Berns (who penned "Here Comes the Night"). After Morrison left the group, Them splintered into the Belfast Gypsies, who released an album that (except for the vocals) approximated Them's early records, and a psychedelic outfit that kept the name Them, releasing four LPs with little resemblance to the tough sounds of their mid-'60s heyday. (allmusic)

link in comments


2 comments
Posted in , , ,

Ainigma - Diluvium (1973)



Willy Klüter - organ, lead vocals
Wolfgang Netzer - guitar, bass, backing vocals
Michael Klüter - drums

Ainigma, which hailed from Germany, only produced one album titled "Diluvium." Unfortunate that is, because they had much potential for a wider audience than what they got during the year this was finished, which was 1973. The use of organ is very prevalent in their recordings. Their sound has a Krautrock/ psych/ spacerock atmosphere, and is often very gloomy and dramatic. It is clear that Ainigma liked to make long jam sessions when hearing their tracks. A good album to listen to while in the midst of deep thought, in my opinion.

link in comments
1 comment
Posted in , ,

Jasper - Liberation (1969)


Mało znany zespół brytyjski, założony w 1967 roku w Londynie pod nazwą Union Blues. Niedługo potem, po niewielkich roszadach personalnych grupa zmienia nazwę na Jasper. Dodatkowo, co wyszło im zdecydowanie na korzyść, muzycy postanowili poszerzyć swoje dotychczasowe brzmienie, proponując od tej pory pomysłową i urozmaiconą mieszankę psychodelii i blues rocka. W trakcie krótkiej działalności zarejestrowali tylko jeden album "Liberation" (1969), zawierający kilka utworów zasługujących z całą pewnością na uwagę. Wkrótce po nagraniu płyty zespół rozpadł się a wszyscy członkowie podążyli nowymi scieżkami nie rezygnując z muzyki.



Jasper were five young men who were individually excellent musicians and collectively, a very tight group. Their standard of musicianship was extremely high. They fit into no particular sector of music. They covered rock, free form and various other combinations of music styles. There is vigour, excitement and youth in their music - (the average age of the group was only twenty). Steven Radford was their very strong lead guitarist who also plays fine acoustic guitar. Nick Payn was excellent on flute, vocals and harmonica. Alan Feldman was their very skilled pianist, organist and harpsichordist, while Jon Taylor (bass) and Brian Greenwood (drums) provided rhythm and a strong foundation for the rest of the group.

Sheffield guitarist Steve Radford came down to London two years earlier and formed the band by a combination of introductions through friends and classified adverts in the Melody Maker. The line-up of himself, bass guitarist Jon Taylor, vocalist and harmonica player Nick Payn and drummer Paul Doherty called themselves the Union Blues. Paul quit soon after the formation due to pressure from his girlfriend about their nights out. Consequently, he was replaced by Brian "Chico" Greenwood.

As the 60's drifted towards the 70's, the blues boom was thought to be over. The boys decided to expand their sound by recruiting a new keyboard player. Alan Feldman got the job partly on the strength of his playing and partly because his chosen instrument was the Farfisa, which was small enough to fir into the tour bus - Anything larger would have necessitated buying a van which, they could not afford. In keeping with the spirit of the times, the boys then decided to change their name in order to distance themselves from the unfashionable blues. It was Jon Taylor who renamed them Jasper.

Spark Records were keen to move the band away from the blues and encouraged them to become more experimental - although at the time, nobody knew how to achieve that. Producer Peter Eden (aka Alvin Springtime) had no more idea what they wanted than they did.

By the time their album 'Liberation; came out, it was too late - Jasper had split up. They had been lured away from the band by other lucrative offers totally unaware they had recorded a timeless classic. Jon Taylor moved to New York where he ran his own Rot record label. Steve Radford played in blues clubs in Los Angeles. Alan Feldman joined 'Sniff 'n' the Tears and in the mid nineties worked with jazz vocalist Noel McCalla a did Nick Payn who for the last 25 years worked a freelance hom player. Chico Greenwood provided drumming services for a whole range of talents but went on to combing backing bluegrass star Paul Candy with running a hotel on the North Devon Coast. (digitalpressure)

link in comments
1 comment
Posted in , ,

Pan & Regaliz (1971)


Z archiwów katalońskiego undergroundu. Hiszpańska scena psychodeliczna nie należała w latach 60. i 70. - z oczywistych względów politycznych, do nadmiernie ekspansywnych. Tym ciekawsze są jednak publikowane tu i ówdzie pierwociny tamtejszej psychodelii. Debiutancki album formacji Pan & Regaliz należy do takich właśnie rarytasów, wystawiając zacne świadectwo niepokornemu duchowi katalońskiej rewolty kulturowo-muzycznej. Płyta zawiera dziewięć utworów (w tym jeden bonus), utrzymanych w większości w atrakcyjnym klimacie acid folku i onirycznej psychodelii przywodzącej na myśl wczesne nagrania Pink Floyd czy Group 1850. Dynamiczna, rockandrollowa ekspresja splata się tu w intrygującą całość z wyrafinowanymi, subtelnymi piosenkami o uroku bliskim dokonaniom Pearls Before Swine. Eteryczne partie fletu osadzone są w żywiołowym, nierzadko rhythm&bluesowym podkładzie, zaś gitara eksponuje brzmienia, które za sprawą artystów z San Francisco (Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, It's A Beautiful Day) uzyskały status psychodelicznego kanonu. Pełna uroku, fantastycznie wydana płyta z muzyką, w której dyskretny urok archiwaliów zostaje, jak sądzę, ocalony za sprawą subtelnych i nieuchwytnych smaczków, kształtujących atmosferę zgromadzonych na niej nagrań. (Dariusz Brzostek)



Spain isn't the first place you think of for psychedelic gems, and especially not during the Franco regime, but Pan & Regaliz pulled off such an album, in 1971, during Franco's regime. This is not a name of a duo, but the name of a band, which consisted of bassist and vocalist Arturo Domingo, vocalist and guitarist Alfonso Bou, drummer Pedro Van Eeckhout, and vocalist and flautist Guillermo Paris.

This album was thought of as sounding like Jethro Tull's Stand Up under the influence of acid. Well, comparisons to Tull can be true to a point, but the flute work is absolutely nothing like Ian Anderson's at all. Strange psychedelic sounds can be heard in the background to many of the songs. And while released in 1971, the music has a more late 1960s feel.

Although from Spain, all the vocals are in English. Some of my favorites include "I Can Fly", "One More Day", "Today, It's Raining", "Waiting in the Monster's Garden", and "Thinking in Mary". It's a little difficult trying to describe the songs, because they are all more or less in the same mould. "Dead of Love" reminds me of Triana, a flamenco influenced prog band also from Spain that existed from the mid 1970s to early 1980s, except without the flamenco influences.

The only song I can say I don't care for is "A Song For the Friends". It has too much of a 1930s cocktail lounge jazz style that totally clashes with the overall excellent psych sound of the album.

A wonderful album that really took me be surprise. Also, this album is very rare and collectible, but if you can track down a copy, you too will be pleasantly surprised. (Ben Miler)
 
link in comments
2 comments
Posted in , , ,

Marek Grechuta - Droga za widnokres (1972)

 
Gdy na przełomie lat 60. i 70. Marek Grechuta występujący wraz z zespołem Anawa zyskiwał popularność przesiąkniętymi poezją romantycznymi piosenkami, szybko został uznany w świadomości odbiorców za czołowego rodzimego przedstawiciela tak zwanej poezji śpiewanej. Poza rolą znakomitego interpretatora poezji, artysta ten był jednak również twórcą bardzo różnorodnej, stylistycznie urozmaiconej muzyki, pełnym rozwojowych muzycznych wizji, mimo że jego inklinacje kompozytorskie poniekąd przyćmiewał fakt, iż nie był on głównym kompozytorem w zespole. Owe zróżnicowanie muzyki tworzonej przez Marka Grechutę znakomicie obrazuje zestawienie lirycznych autorskich kompozycji artysty z dwóch pierwszych płyt z zawartością trzeciego albumu, zatytułowanego „Droga za widnokres”, sygnowanego tym razem wyłącznie imieniem i nazwiskiem autora.

Przebojowe „Wesele”, „Będziesz moją panią”, radosny „Chodźmy”, refleksyjny „Ocalić od zapomnienia” to reprezentatywne przykłady stylu cechującego najwcześniejsze dokonania Grechuty i Anawa, z kolei pochodzący z drugiej płyty słynny „Korowód”, był niejako zapowiedzią kierunku muzycznego, jaki Grechuta miał obrać wówczas, gdy stanie się solowym artystą, a więc kierunku obecnego na „Drodze za widnokres”. Płyta ta w porównaniu z poprzedniczkami jest dziełem wybitnie surowym, chłodnym, monochromatycznym. Jazzowe inklinacje, które Grechuta przejawiał we wspomnianym „Korowodzie” właściwie nie zostały tu rozwinięte, mimo że do nowego składu artysta zaprosił muzyków jazzowych  – z jazzującego, rozimprowizowanego przeboju Marek Grechuta w swój nowy styl włączył niemal wyłącznie upodobanie do honorowania sekcji rytmicznej. Rzeczywiście, rytm w wypełniających album kompozycjach jest bardzo istotny, artysta ogromny nacisk położył na działanie instrumentów perkusyjnych i kontrabasu. Gdzieniegdzie zaś rozwiązania rytmiczne do jazzu nawiązują w sposób bezpośredni, za sprawą rozwiniętych linii granych przez trzech muzyków odpowiedzialnych na płycie za instrumenty perkusyjne („Może usłyszysz wołanie o pomoc”, „Pewność”).

Nagranie przez Grechutę albumu z tak odmienną aniżeli dotychczas muzyką, a przy tym w gruncie rzeczy dość monotonną i wyjątkowo ascetyczną, oraz trafienie nim w gusta publiczności mogło być nie lada wyzwaniem, gdyby nie fakt, że o sile artystycznej marki Grechuty w ogromnym stopniu zawsze, tak więc i w tym przypadku, przemawiała warstwa literacka utworów. Tak zatem na „Drodze za widnokres” osiągnęła ona największe w dotychczasowym dorobku artysty znaczenie na tle muzyki. Nowoczesna poezja pełna metafor szarej rzeczywistości znakomicie została więc zsyntezowana z chłodną, rytmiczną muzyką.

Owa monotonia, ascetyczność kompozycji, wbrew wpływowi „Korowodu” unikających improwizacji, nie jest jednak w żadnym wypadku zarzutem, ale wyjątkową, niepowtarzalną cechą świadczącą o artystycznej sile tej płyty - dzięki zaaranżowaniu na skład jazzowy i w ogromnej wrażliwości kompozytora zespoleniu ze skrupulatnie dobranymi lirykami udało się stworzyć album ze wszech miar wyjątkowy. Kto wie, czy dzięki tak bardzo osobliwemu charakterowi muzyczno-lirycznej zawartości „Droga za widnokres” nie przewyższa klasą następnej znakomitej płyty Marka Grechuty, „Magia obłoków”, która dzięki bardziej „pospolitemu” wykorzystaniu muzyków jazzowych, chętnie improwizujących, najbardziej w karierze zbliżyła artystę do wzorców muzyki zachodniej, prezentując dźwięki z pogranicza świata jazz rocka i rocka progresywnego. Ale to już zupełnie inna historia. (Przemysław Stochmal)



Marek Grechuta was born on 10 December 1945 in Zamość where he went to primary and secondary school. He'd been interested in music since childhood and begun to learn playing the piano in the age of seven.

He bound his fate with Kraków though, where he moved to study architecture. There Grechuta met his future friend Jan Kanty Pawluśkiewicz with whom he decided to start a cabaret group in the manner of Piwnica pod Baranami (an artistic bohema in Kraków which lasts to this day). This cabaret, which took the name Anawa (from french en avant which means "forward"), begun to perform in a student club "Bambuko". The first decent success came with the performance on Festiwal Piosenki Studenckiej in 1967. Marek Grechuta took the second place in this contest behind a young student from Warszawa - Maryla Rodowicz (who later also became a famous singer in Poland). The final of the contest was broadcast live by the television what enabled the young archtecture student to be seen by the whole Poland. The next important event for Marek Grechuta was partaking in FAMA Festival where the young artist won the first prize.

This two successes led him to perform on the most important contest in Poland in that time which was the Festival in Opole. In the next year, 1970, Marek Grechuta released his debut album called simply "Marek Grechuta & Anawa" (predated by a 4-song EP in 1969). It was a mix of cabaret, lyrical songs with neobaroque sound so characteristic, as it turned out later, for Anawa.

In 1971 Marek Grechuta and Jan Kanty Pawluśkiewicz recorded their second album titled "Korowód" which is considered one of the most important in the history of Polish popular music. It contained two songs regarded as generation hymns - "Świecie nasz" and title "Korowód". This album made Marek Grechuta a star!

Despite all this successes the band suddenly broke up. Marek Grechuta and Jan Kanty Pawluśkiewicz split. As Grechuta admitted himself there were too many individualities in the group so it couldn't last long.



Marek Grechuta arranged his own band then - Wiem. The name is an abreviation of "w innej epoce muzycznej" which means "in another musical epoch". This way Grechuta wanted to communicate the complete change of musical direction. The two albums he recorded with Wiem - "Droga za widnokres" in 1972 and "Magia Obłoków" in 1974 - are the key albums for any prog lover who wants to explore Marek Grechuta's works. The music they contain is magical, poetic artrock with jazz influences.

However, the artist himself felt insecure within new musical direction and his flirt with artrock ended in 1976 when he begun to cooperate with Jan Kanty Pawluśkiewicz again. Together they reactivated Anawa (with known from Laboratorium Ścierańscy brothers) and wrote a musical based around works of a Polish avantgarde writer Stanisław Ignacy Witkiewicz (also called Witkacy) titled "Szalona Lokomotywa". This musical and LP with music from it (issued in 1977) made a huge success after which Grechuta and Pawluśkiewicz split again.

In the following years Grechuta performed in Piwnica pod Baranami and issued many good and well received albums with compositions to poems of several Polish poets.

In Marek Grechuta recorded an album titled "Dziesięć ważnych słów" dealing with social problems which was unusual for him.1994

In 1997 he surprised his fans by rerecording material from "Droga za widnokres" with Anawa in order to expose young generations to this cult masterpiece.

Marek Grechuta was really adored and when in the age of 60 he suddenly (though it wasn't a secret that he'd been ill for a long time) died on 09 October 2006 the whole Poland was mourning... (Bartłomiej Ślązak)

 link in comments
No comments
Posted in , , ,

Bert Jansch (1965)


Bert Jansch (1943-2011) - szkocki muzyk folkowy i współzałożyciel folk-rockowego zespołu Pentangle. Pochodzący z Glasgow Jansch stał się popularny w latach 60-tych dzięki innowacyjnej technice gry na gitarze akustycznej. Od tamtej pory stal się czołową postacią brytyjskiej muzyki folkowej. Nagrał co najmniej 25 albumów, a przez blisko 50 lat swojej kariery zagrał mnóstwo koncertów. W miedzy czasie współpracował również z innymi artystami, m.in. Johnem Renbournem i Anne Briggs. Od 1968 współtworzył grupę Pentangle, w której występował aż do jej rozpadu w 1972 roku. Po odejściu z zespołu kontynuował z powodzeniem karierę solowa. Swoją ostatnią płytę "The Black Swan" wydał w 2006 roku, a we wrześniu 2011 roku odwołał z powodu choroby ostatni koncert w Edynburgu. Niestety, po długiej walce z rakiem, muzyk zmarł rankiem 5 października w jednym z londyńskich hospicjów. Jego twórczość inspirowała takich artystów, jak Neil Young, Paul Simon, Jimmy Page, Nick Drake i Donovan.



One of the most important figures in contemporary British folk, Bert Jansch brought an unsurpassed combination of virtuosity and eclecticism to the acoustic guitar, both as a solo act and a key member of Pentangle. Also a talented songwriter and affecting (if gruff) vocalist, he wrote dark and sparse material that recalled the folky side of Donovan, though he was much less pop-oriented than the psychedelic pop troubadour. Incorporating elements of blues, American folk, and British Isles traditional music into his playing, his influence was not only immense in the British folk scene, it also extended to the rock world -- Neil Young and Jimmy Page, two electric guitar gonzos who often turn to acoustic picking as well, have acknowledged Jansch as a major influence. Young went as far as to tell Guitar Player that Jansch did for the acoustic guitar what Jimi Hendrix did for the electric. A revered elder statesperson in the U.K., he has escaped widespread notice in the States. He has all the prerequisites for a large cult following on the order of Nick Drake, another musician whose work contains definite echoes of Jansch.

Born in Scotland, Jansch vagabonded around the U.K. and Europe for a while before basing himself in London in the early '60s. He made an impact on the city's folk community not only for his guitar skills, but for his original songwriting, singing his own compositions at a time when Dylan was just beginning to make that practice widespread in folk circles. Friend and fellow folksinger Anne Briggs helped Jansch get a contract with Transatlantic, a small British folky label. Recorded on a single microphone and a borrowed guitar at Jansch's apartment, his first album immediately established him as a major force in British folk. Consisting almost entirely of original compositions, the brooding, plaintive compositions showcased his dextrous fingerpicking. "Needle of Death," inspired by the heroin-related death of a friend, may still be his most famous composition.

Jansch graduated to a real studio for his second album, It Don't Bother Me. That LP featured some contributions from guitarist John Renbourn, and the pair would record a joint effort in the mid-'60s as well, Bert and John. Soon Jansch and Renbourn would be playing together as part of a five-member group, Pentangle, one of the greatest folk acts of the 1960s. Pentangle, also featuring vocalist Jacqui McShee and the rhythm section of Danny Thompson and Terry Cox, was very much a group effort. Of all the group members, however, Jansch was probably the most important, writing the best original material, singing occasional lead vocals, and recording some enthralling guitar tandems with Renbourn.

Jansch's increasing involvement (and eventual commercial success) with Pentangle did not mean an end to his solo career, although Pentangle got first priority in the late '60s and early '70s. Nicola, from 1967, was a pretty good attempt to commercialize his sound somewhat with poppier material and some fuller studio arrangements. 1969's Birthday Blues was an effort more consistent with his early folk recordings, and included instrumental support by some members of Pentangle. Rosemary Lane (1971) is acclaimed by Jansch fans as one of his finest works.

Jansch's first decade of recording attracts the lion's share of interest from listeners, but he continued to record with his instrumental skills intact. For instance, Jancsh played in re-formed versions of Pentangle in the 1980s and '90s, while Drag City released the widely acclaimed Black Swan in 2006. (AMG)

Jansch died on 5 October 2011, aged 67, at a hospice in Hampstead after a long battle with cancer.
 
link in comments
    Serpent.pl