From the U.K.-based Big Beat reissue label comes one of the most interesting entries in their "Nuggets From the Golden State" series. These recordings highlight some of the lesser-known artists that contributed to the Bay Area's mid-'60s cultural renaissance. The Berkeley EP's gather the contents of the unique extended-play releases of Country Joe & the Fish, Frumious Bandersnatch, Mad River, and Notes From the Underground. Although geography ultimately bounds these four groups, their decidedly diverse styles and presentations accurately represent the extensive spectrum of pop and rock being produced in every strata of San Francisco's multifarious psychedelic music scene. The tracks featured here originally comprised the second issue/"talking edition" of Country Joe & the Fish's self-produced periodical Rag Baby. Parties interested in hearing the first and third of these releases are advised to seek out Collectors Items: The First Three EP's, which also features two contributions from Peter Krug. All three of these tunes would turn up on their debut long-player for Vanguard, albeit re-recorded and arguably less edgy than these original workings. Combining blues-based rhythms with a somewhat dated farfisa-driven instrumentation, the languidly trippy "Section 43" contrasts the presumably amphetamine-fuelled "(Thing Called) Love." Somewhere in between those seemingly incongruous extremes is "Bass Strings," with its eerie harp (read: harmonica) leads and noir lyrics. The criminally underrated Frumious Bandersnatch bridged the gap between garage punk and psychedelia on their Muggles Gramophone Works EP. With a dense sound that can be directly attributed to having no less than three guitarists performing all at once, the band only recorded a handful of tracks at the Sausalito-based Pacific High Recorders in the spring of 1968. Three of those sides were issued on their self-titled EP and are available on this release. "Hearts to Cry" is a languid rocker that churns some inspiring lead electric and bass guitar interplay. The lighter and more pop-oriented "Misty Clouds" recalls the Strawberry Alarm Clock. "Cheshire," while somewhat derivative of the slinky syncopation of Jimi Hendrix's "Foxy Lady," bristles with a guitar onslaught and subsequent wall of energy. As the track grinds and winds its way throughout some tricky tempo and key changes, the band likewise recalls the adeptness and agility of Quicksilver Messenger Service. Several members of Frumious Bandersnatch would continue to make noise in notable Bay Area bands. Bassist Ross Valory, along with the band's co-manager and guru, Herbie Herbert, would become a key player in the saga of '70s and '80s arena rockers Journey. Likewise, all five bandmembers would tour and record at some point in the '70s with another San Fran-based rock legend, Steve Miller. Unlike the other groups featured on The Berkeley EP's, Mad River actually began their existence in Yellow Springs, OH, rather than California. Their defection to Berkeley in 1967 would ultimately yield not only the three-track EP featured here, but also two long-players for Capitol: an eponymously titled debut and Paradise Bar & Grill, which were issued in 1967 and 1968, respectively. While Mad River's experimental and highly idiosyncratic sound was partially to blame for their eventual obscurity, it likewise creates some of the most interesting and sonically probing material on this compilation. Blending the freedom of bop jazz arrangements with acid-drenched rock & roll instrumentation, their music doesn't immediately overwhelm the listener. The effects are more insidious, especially on the Eastern-tinged anti-Vietnam track "Orange Fire," available only on this debut EP, unlike the other two sides, which ended up on their self-titled album. True to form, the sinuous melody creeps around before unleashing a few atomic blasts of its own. The folk-flavored Notes From the Underground issued a single four-song EP drawn from an April 1967 recording session that also bore an additional three tracks; this makes their debut release on this package. While certainly not a psychedelic band, their compact tunes and almost polished garage sound is strikingly similar to Kenny & the Kasuals or Things to Come. Although the band would release two LPs for different major labels, their eclectic styles range from saccharine pop on the Sopwith Camel-esque "Down in the Basement" to the heavier and bluesy "Let Yourself Fly," which boasts a chooglin' "Smokestack Lightning" rhythm. (review by Lindsay Planer from Allmusic)
Posted by Ankh
Reissue on CD of what was actually the 5th and final album by West Coast Pop Art Experimental Band. Singer/womaniser Bob markley thought it better to release it under his own name, as a showcase for his various dementia's. The album is chocked full of rich harmonies and delicate arrangements which show the abundant influence of Michael Lloyd, who co-produced the album with (mad) Bob . A surprisingly consistent and accomplished album for a band about to collapse under the collective weight of it's own insanity.
There are few groups as enigmatic, as mysterious as The West Coast Pop Art Experimental Band. The prime mover in the band was Bob Markley, born in Oklahoma and the son of an oil tycoon. He moved to Los Angeles early in the 1960's, and in late 1961 he began his recording career with "It Should've Be Me" / 'Summers Comin' On", released on Warner Bros. Both sides were pure teen doo-wop, giving little indication what would follow. Markley remained involved in music, and three years later he met up with two brothers, Shaun and Danny Harris, whose interest in music seemed inevitable as their father was a renowned classical composer and their mother a concert pianist. In 1964 Shaun and Danny formed a group The Snowmen, with two musicians who would go on to form The Sunrays and score 1967 hits with 'Andrea' and 'I Live For The Sun'. Later, with the group now split, Shaun and Danny were studying at the Hollywood Professional School where they met Michael Lloyd, leader of yet another local band, Laughing Wind, who had cut some tracks for Tower Records. With Bob Markley and John Ware, a friend of the family, they started a new group. In 1966 the line-up was Dan Harris (lead guitar), Shaun Harris (bass), Michael Lloyd (guitar), John Ware (drums), and Bob Markley who became the inspirator of the band. They band played around all the Sunset Strip clubs and "every freakout that ever happened at the Hollywood Palladium" (to quote Ware).
By 1966 the band had signed to Reprise and their debut album, 'Part One', included some daring cover versions of L.A. contemporaries as Van Dyke Parks, Frank Zappa and P.F.Sloan. The album opened with one of its strongest cuts, the marvelous 'Shifting Sands'. Here is all that was good about the early WCPAEB, that mixture of understatement and melody, with exceptional guitar work which flew over the top of the song, creating an atmosphere that was itself unique. It's the style that the group would expand on. The album-sleeve was a colored collage of anonymous photographs, with no personnel listed. It is not clear who actually played on the album, although Bob Markley is listed as the co-producer.
With the release of the group's second album 'Vol 2', Markley's hold on the group was obviously completed and the air of anonymity removed. The WCPAEB was clearly seen as a trio, with photographs on both the front and back sleeves. Alongside Markley were the Harris brothers. The album included some gems. "Smell of Incense" is particularly good with some strong instrumentation. Released as a single (in a cut-up and remix version), it was the hit the group never had; They were curiously beaten by a cover version by the Southwest F.O.B., who reached no.56 a few months later.
The third album 'A Child's Guide to Good and Evil' appeared in mid 1968 and was the group's most accomplished collection. Still operating as a trio the band now found themselves with a new depth of sound, better able to shape their ideas. This was fully explored in "Eighteen is Over The Hill", where by using layers of multi-track, there was now a fuller wash of harmonies and instruments to complement the often-complex material.
Another confused period followed after the group was dropped by Reprise, as their sales were falling. Bob Markley took out some time to work as producer on other projects. The WCPAEB did, however, re-appear, and a further album 'Where's My Daddy' was released on Amos Records late in 1969, although not of the same class as the Reprise material. Once again the line-up was made up of the crucial three. This album effectively ended the name of the West Coast Pop Art Experimental Band, although some time later the trio resurfaced together for one last project, a Bob Markley solo album.
'Markley, A Group' released on the obscure Forward label, was effectively the fifth Pop Art album; the personnel was the same and indeed, the music too was an extension of 'Where's My Daddy'. Once again it lacked the heady atmosphere of say "Smell Of Incense", but it was by no means indispensable. 'A Group' did, however, mark the end of the collaboration between Markley and the two Harrises and they each went their separate ways. (original note from ChrisGoesRock)
There are few groups as enigmatic, as mysterious as The West Coast Pop Art Experimental Band. The prime mover in the band was Bob Markley, born in Oklahoma and the son of an oil tycoon. He moved to Los Angeles early in the 1960's, and in late 1961 he began his recording career with "It Should've Be Me" / 'Summers Comin' On", released on Warner Bros. Both sides were pure teen doo-wop, giving little indication what would follow. Markley remained involved in music, and three years later he met up with two brothers, Shaun and Danny Harris, whose interest in music seemed inevitable as their father was a renowned classical composer and their mother a concert pianist. In 1964 Shaun and Danny formed a group The Snowmen, with two musicians who would go on to form The Sunrays and score 1967 hits with 'Andrea' and 'I Live For The Sun'. Later, with the group now split, Shaun and Danny were studying at the Hollywood Professional School where they met Michael Lloyd, leader of yet another local band, Laughing Wind, who had cut some tracks for Tower Records. With Bob Markley and John Ware, a friend of the family, they started a new group. In 1966 the line-up was Dan Harris (lead guitar), Shaun Harris (bass), Michael Lloyd (guitar), John Ware (drums), and Bob Markley who became the inspirator of the band. They band played around all the Sunset Strip clubs and "every freakout that ever happened at the Hollywood Palladium" (to quote Ware).
By 1966 the band had signed to Reprise and their debut album, 'Part One', included some daring cover versions of L.A. contemporaries as Van Dyke Parks, Frank Zappa and P.F.Sloan. The album opened with one of its strongest cuts, the marvelous 'Shifting Sands'. Here is all that was good about the early WCPAEB, that mixture of understatement and melody, with exceptional guitar work which flew over the top of the song, creating an atmosphere that was itself unique. It's the style that the group would expand on. The album-sleeve was a colored collage of anonymous photographs, with no personnel listed. It is not clear who actually played on the album, although Bob Markley is listed as the co-producer.
With the release of the group's second album 'Vol 2', Markley's hold on the group was obviously completed and the air of anonymity removed. The WCPAEB was clearly seen as a trio, with photographs on both the front and back sleeves. Alongside Markley were the Harris brothers. The album included some gems. "Smell of Incense" is particularly good with some strong instrumentation. Released as a single (in a cut-up and remix version), it was the hit the group never had; They were curiously beaten by a cover version by the Southwest F.O.B., who reached no.56 a few months later.
The third album 'A Child's Guide to Good and Evil' appeared in mid 1968 and was the group's most accomplished collection. Still operating as a trio the band now found themselves with a new depth of sound, better able to shape their ideas. This was fully explored in "Eighteen is Over The Hill", where by using layers of multi-track, there was now a fuller wash of harmonies and instruments to complement the often-complex material.
Another confused period followed after the group was dropped by Reprise, as their sales were falling. Bob Markley took out some time to work as producer on other projects. The WCPAEB did, however, re-appear, and a further album 'Where's My Daddy' was released on Amos Records late in 1969, although not of the same class as the Reprise material. Once again the line-up was made up of the crucial three. This album effectively ended the name of the West Coast Pop Art Experimental Band, although some time later the trio resurfaced together for one last project, a Bob Markley solo album.
'Markley, A Group' released on the obscure Forward label, was effectively the fifth Pop Art album; the personnel was the same and indeed, the music too was an extension of 'Where's My Daddy'. Once again it lacked the heady atmosphere of say "Smell Of Incense", but it was by no means indispensable. 'A Group' did, however, mark the end of the collaboration between Markley and the two Harrises and they each went their separate ways. (original note from ChrisGoesRock)
"Człowiek od zawsze próbuje opowiedzieć świat. Opisać go i zamknąć w słowach swoich języków. Dlatego mamy tyle wspaniałych powieści. I piękną poezję. I gdzieś tam jestem jeszcze ja, w swoim zadufaniu uważający, że potrafię pisać o muzyce. A potem, pewnego wiosennego dnia przychodzi "Muzyka jakiej swiat nie widzi" i przynosi pokorę. Świat można próbować opowiedzieć. Muzyki nie. Tak jak nie da się opowiedzieć miłości, bólu, swiatła i nocy. Wiele niezdarnych słów i żadne z nich nie zbliża do prawdy. Na szczęście. Muzyka powinna pozostać muzyką - "westchnieniem Zmierzchu, mruczeniem zza pieca, śpiewem bestii, snem alchemika". Paweł Freli
Lubelska firma fonograficzna Obuh, nawet pośród wydawnictw niezależnych, zajmuje pozycję szczególną. Nie tylko dlatego, że obok kaset ma w swym katalogu płyty analogowe. Nie tylko dlatego, że produkcja jej wydawnictw odbywa się z niemałym nakładem pracy ręcznej. Nie tylko dlatego, że skupia wokół siebie artystów niezwykłych. Dlaczego? Łatwiej byłoby mnożyć dalsze powody, niż dać jednoznaczną odpowiedź.
Założyciel, szef i podstawowy pracownik Obuha - Woicek pojawił się w niezależnym obiegu w 1987 roku. Od początku, jako szyld dla różnych form działalności towarzyszy mu nazwa Obuh - najpierw pojawił się artzine, wkrótce pierwsze kasety. Równocześnie Wojcek zajmował się tworzeniem muzyki. Sztuka zaproponowana przez Niego i Jego przyjaciół z grupy Za Siódmą Górą niełatwo daje się określić. Sam Wojcek mówi o muzyce alchemicznej, metafizycznej, dźwiękowym wyrazie odwiecznych ludzkich tęsknot i niespełnień.
Nagrania Za Siódma Górą ukazywały się nakładem niezależnych firm z Włoch i USA. Kontakty z zaprzyjaźnionymi wydawcami i artystami zagranicznymi naładowały Wojcka dodatkową energią do podjęcia własnej działalności wydawniczej, dokumentującej osiągnięcia sceny nonkonformistycznej w Polsce.
Założyciel, szef i podstawowy pracownik Obuha - Woicek pojawił się w niezależnym obiegu w 1987 roku. Od początku, jako szyld dla różnych form działalności towarzyszy mu nazwa Obuh - najpierw pojawił się artzine, wkrótce pierwsze kasety. Równocześnie Wojcek zajmował się tworzeniem muzyki. Sztuka zaproponowana przez Niego i Jego przyjaciół z grupy Za Siódmą Górą niełatwo daje się określić. Sam Wojcek mówi o muzyce alchemicznej, metafizycznej, dźwiękowym wyrazie odwiecznych ludzkich tęsknot i niespełnień.
Nagrania Za Siódma Górą ukazywały się nakładem niezależnych firm z Włoch i USA. Kontakty z zaprzyjaźnionymi wydawcami i artystami zagranicznymi naładowały Wojcka dodatkową energią do podjęcia własnej działalności wydawniczej, dokumentującej osiągnięcia sceny nonkonformistycznej w Polsce.
Wojcek: "Pod koniec lat 80. istniało w Polsce wiele grup, tworzących nietypową muzykę spoza głównego, komercyjnego nurtu. We Wrocławiu działały Muzyczna Frakcja Galerii NiegaleriiI, Kormorany-Raj, Poławiacze pereł z Kairu. W Gdańsku Szelest Spadających Papierków, Bóm - Wakacje w Rzymie, Ziemia Mindel-Wurm, formacje skupione wokół Totartu. W Krakowie R-27, Rafael, McMarian, Wahehe. W Ustrzykach Hiena. W Dębicy Kirkut. W Poznaniu Reportaż. We Włocławku N.P. WAT i Marchlewski. I wreszcie w Warszawie Radio Warszawa, a potem Instant Art. Myślałem, że będzie ich coraz więcej, stało się jednak odwrotnie".
Profesjonalna działalność wydawnicza Obuha rozpoczęła się w maju 1993 roku. W ciągu owego roku ukazało się kilkanaście kaset i 7 płyt analogowych. Łączy je staranna oprawa plastyczna i intrygująca zawartość. Jedna z serii oficyny poświęcona jest właśnie wykonawcom, których można uznać za klasykę polskiego nurtu "non-mainstream" - zespołom z końca lat 80, które zawiesiły funkcjonowanie, pozostawiając po sobie niewydane, a przecież interesujące nagrania.
Wojcek: "Nagrania te wydaję na winylowych epkach. Powodów jest kilka. Przede wszystkim wiele z tych grup zawsze chciało wydać "czarna płytę", ale nigdy Im się to nie udało. Płyty pojawiają się dzisiaj, jako wyraz uznania dla Nich, rodzaj hołdu złożonego Im po latach".
Cykl rozpoczęła epka "Nów" zespołu Księżyc, przedstawiającego udane artystyczne zderzenie słowiańskiego folkloru z transowym klimatem i niepokojącym dźwiękiem preparowanych taśm. Niebawem ukażą się [teraz oczywiście już są - m.in. wspólny singiel obu tych zespołów] nagrania grup z Włocławka - na poły muzycznych, na poły plastycznych performerów z N.P. Wat i Marchlewskiego - jednego z pionierów odkrywania w Polsce tradycji industrialnej (występował tam Tony, aktualnie gitarzysta Kinsky'ego) oraz poetycko-muzyczne, egzystencjalne orędzie Instant Art. W dalszych planach znajdzie się prezentacja silnie zrytmizowanej, "nowobarbarzyńskiej" muzyki Ziemi Mindel-Würm, a także formacji Hiena [do tej pory nic z tego nie wyszło i nie zanosi się na to w niedalekim czasie. Ale film Piotra Wyrzykowskiego "Beta Nassau" z muzyką tych pierwszych wygrał festiwal WRO 95!].
Oddzielny, nie mniej ciekawy rozdział oferty Obuha stanowi dorobek wykonawców z ośrodka lubelskiego. Obok macierzystego zespołu Wojcka Za Siódmą Górą, centralną pozycję zajmuje tu grupa Rongwrong. Jej starsze nagrania przynosiły muzykę industrialną, ciężką, i przytłaczającą, o mrocznych, hipnotycznych pulsacjach. Aktualny etap poszukiwań RongWrong owocuje kolażami dźwiękowymi, których frapujące brzmienie bierze się z połączenia muzyki akustycznej i elektronicznej.
Współistnieją tu szumy taśm, odgłosy otoczenia, dźwięki konkretne [Artykuł o zespole w "Brumie" 6/96]. Artyści związani z RongWrong powołali do życia zespół Pies, którego pierwszych propozycji będzie można posłuchać również w barwach Obuha [z tego też nic nie wyszło - wielka szkoda, żal Psa!]. Twórczość Psa łączy w sobie rozwiązania współczesnej muzyki poważnej z energią i mrokiem przetwarzanych w postindustrialnej aurze dźwięków konkretnych.
Grupa, która w stajni Obuha pozostaje najbliższa tradycyjnie rozumianej muzyce rockowej, a nawet ma spore szanse na masową popularność, jest More Experience - swoista reinkarnacja gigantów psychodelii z końca lat 60 [artykuł o zespole w "Brumie" 4/97]. Grona przyjaciół Obuha dopełniają czołowa polska formacja world music Atmani tajemniczy artysta, który pod pseudonimem King Elf tworzy muzykę oparta na brzmieniu akordeonu.
Obraz dokonań Obuha byłby niepełny bez wspomnienia o wciąż rosnącej serii kaset licencyjnych. Ukazują one szeroka gamę poszukujących i znajdujących, niekomercyjnych artystów z całego świata - Włoch, USA, Hiszpanii, Belgii, Meksyku.
Przyznacie, że takiej firmy jak Obuh jeszcze u nas nie było. A całe to porywające przedsięwzięcie udało się z dala od wielkich pieniędzy, "układów" i reklamy. Pozostaje życzyć Wojckowi powodzenia i niesłabnącego zapału. Miejmy nadzieję, że kolejny rok przyniesie nie mniejszą porcję intrygującej muzyki. A wedle zapowiedzi Wojcka na to się zanosi! (Rafał Księżyk)
Wojcek: "Nagrania te wydaję na winylowych epkach. Powodów jest kilka. Przede wszystkim wiele z tych grup zawsze chciało wydać "czarna płytę", ale nigdy Im się to nie udało. Płyty pojawiają się dzisiaj, jako wyraz uznania dla Nich, rodzaj hołdu złożonego Im po latach".
Cykl rozpoczęła epka "Nów" zespołu Księżyc, przedstawiającego udane artystyczne zderzenie słowiańskiego folkloru z transowym klimatem i niepokojącym dźwiękiem preparowanych taśm. Niebawem ukażą się [teraz oczywiście już są - m.in. wspólny singiel obu tych zespołów] nagrania grup z Włocławka - na poły muzycznych, na poły plastycznych performerów z N.P. Wat i Marchlewskiego - jednego z pionierów odkrywania w Polsce tradycji industrialnej (występował tam Tony, aktualnie gitarzysta Kinsky'ego) oraz poetycko-muzyczne, egzystencjalne orędzie Instant Art. W dalszych planach znajdzie się prezentacja silnie zrytmizowanej, "nowobarbarzyńskiej" muzyki Ziemi Mindel-Würm, a także formacji Hiena [do tej pory nic z tego nie wyszło i nie zanosi się na to w niedalekim czasie. Ale film Piotra Wyrzykowskiego "Beta Nassau" z muzyką tych pierwszych wygrał festiwal WRO 95!].
Oddzielny, nie mniej ciekawy rozdział oferty Obuha stanowi dorobek wykonawców z ośrodka lubelskiego. Obok macierzystego zespołu Wojcka Za Siódmą Górą, centralną pozycję zajmuje tu grupa Rongwrong. Jej starsze nagrania przynosiły muzykę industrialną, ciężką, i przytłaczającą, o mrocznych, hipnotycznych pulsacjach. Aktualny etap poszukiwań RongWrong owocuje kolażami dźwiękowymi, których frapujące brzmienie bierze się z połączenia muzyki akustycznej i elektronicznej.
Współistnieją tu szumy taśm, odgłosy otoczenia, dźwięki konkretne [Artykuł o zespole w "Brumie" 6/96]. Artyści związani z RongWrong powołali do życia zespół Pies, którego pierwszych propozycji będzie można posłuchać również w barwach Obuha [z tego też nic nie wyszło - wielka szkoda, żal Psa!]. Twórczość Psa łączy w sobie rozwiązania współczesnej muzyki poważnej z energią i mrokiem przetwarzanych w postindustrialnej aurze dźwięków konkretnych.
Grupa, która w stajni Obuha pozostaje najbliższa tradycyjnie rozumianej muzyce rockowej, a nawet ma spore szanse na masową popularność, jest More Experience - swoista reinkarnacja gigantów psychodelii z końca lat 60 [artykuł o zespole w "Brumie" 4/97]. Grona przyjaciół Obuha dopełniają czołowa polska formacja world music Atmani tajemniczy artysta, który pod pseudonimem King Elf tworzy muzykę oparta na brzmieniu akordeonu.
Obraz dokonań Obuha byłby niepełny bez wspomnienia o wciąż rosnącej serii kaset licencyjnych. Ukazują one szeroka gamę poszukujących i znajdujących, niekomercyjnych artystów z całego świata - Włoch, USA, Hiszpanii, Belgii, Meksyku.
Przyznacie, że takiej firmy jak Obuh jeszcze u nas nie było. A całe to porywające przedsięwzięcie udało się z dala od wielkich pieniędzy, "układów" i reklamy. Pozostaje życzyć Wojckowi powodzenia i niesłabnącego zapału. Miejmy nadzieję, że kolejny rok przyniesie nie mniejszą porcję intrygującej muzyki. A wedle zapowiedzi Wojcka na to się zanosi! (Rafał Księżyk)
Tracklist:
1.Power
2.Bruno Inicjowany (Bruno Initiated)
3.Smok do Pacyfika w tym Swiecie Okrutnym (Smok to Pacyfik in This Cruel World)
4.Drip-Drop
5.Over the Seventh Mountain
6.Resurrecturis
Obuh Records is a legendary polish independent label lead by musician and great man - Woycek. Woycek plays also in Za Siodma Gora. The music is a wonderful fairytale collage of sounds with psychedelic and avantgarde touches. Strongly recommended for all dreamers!!!
Hati to toruński duet uprawiający muzykę, która w naszym poczciwym kraju pozostaje niemal bez precedensu (wyjąwszy może Osjan i pionierskie poczynania Atmana sprzed lat kilkunastu, choć to właściwie zupełnie inna historia). Grając niemal wyłącznie na gongach i im podobnych metalowych idiofonach, perkusjonaliach wszelakiej maści oraz archaicznych instrumentach dętych, muzycy Hati nie stylizują przy tym swej wypowiedzi muzycznej "na ludowo", co zapewne byłoby pomysłem dość nośnym i nawet możliwym do obrony. Interesuje ich jednak raczej muzyka w swej możliwie źródłowej postaci, sprowadzona do składników najbardziej elementarnych, takich jak rytm, barwa czy brzmienie. Na "Music...", jak nietrudno się domyślić, królują gongi, roztaczające nieco medytacyjną aurę, służącą kontemplacji dźwięku jako takiego. "Genius Loci" to z kolei domena dęciaków i to przede wszystkim tych najbardziej "archetypowych", jak piszczały czy rogi. Trzeba jednak dodać, iż zgodnie z tytułem, istotną rolę odgrywa na "Genius..." także otoczenie, w którym zarejestrowano nagranie - hale magazynowe Merinotexu, odznaczające się swoistą akustyką z dość unikalnym pogłosem, umożliwiającym niemal "nieskończenie" długie intonowanie dźwięku. W muzyce Hati słychać i perkusyjną intymistykę Angusa MacLise'a, metaliczne szaleństwa Z'eva, którego duch zdaje się unosić zwłaszcza nad nagraniami z "Music for...", długie dźwięki La Monte Younga, ślady "obrzędowych" nagrań Genesisa P-Orridge'a i Psychic TV, wreszcie zaś wyraźne wpływy brzmienia balijskich metalofonów. Czy więc Hati oferuje nam muzykę archaiczną? Tak, bo grę duetu cechuje dążenie do uchwycenia elementarnej mocy samego dźwięku, źródłowego brzmienia instrumentów wchodzących w intymny kontakt z ludzkim ciałem. Nie, bo nie jest to muzyka prymitywna i naiwna, wypływa wszak także ze znajomości tego, co się współcześnie w muzyce dzieje. Jest to archaik przefiltrowany przez doświadczenia minimal music z jej rytmicznymi obsesjami i fascynacjami oraz industrialu, zakochanego w blachach i wszystkim, co brzęczące. Z całą pewnością jest to zaś muzyka intuicyjna i głęboko osadzona w osobistym podejściu do dźwięku, instrumentu, brzmienia czy rytmu. Dowodem na to wzmiankowane powyżej płyty, choć przyznam, takie granie prawdziwą swą moc objawia przede wszystkim na koncercie, kiedy to nawet tak banalny gest jak zmiana instrumentu czy podwieszenie nowego gongu uzyskuje wymiar, dokonywanego w nabożnym skupieniu, aktu ceremonialnego. (Dariusz Brzostek/Antena Krzyku)
Hati are a Polish duo consisting of Rafal Iwański and Dariusz Wojtaś, and Genius Loci is a 38-minute work of 14 untitled instrumental tracks. The Hati website describes their sound as ‘electro acoustic trance gong drone music’, which is a reasonable description, although the emphasis of Genius Loci is heavily on acoustic drones. ‘Genius Loci’ is Latin for ‘spirit of the place’, and this work was evidently recorded over the course of several live performances at Merinotex Halls, Toruń, Poland, a rather cold and bleak-looking empty industrial unit with some fantastic reverberative acoustics. The instruments used on the recording include animal horns, a conch, a signal trumpet, pipes, aluminium bars and a steel door (track 13 is based around creaky hinges!), but pride of place goes to the ligawka, a large wooden trumpet which is a traditional Polish instrument. Despite the industrial surroundings, there’s little industrial-sounding about this music – instead, Hati have created a series of evocative, meditative drone pieces with their various horns and blown instruments, reminiscent at different times of the foghorns of ships passing in the night, of the trumpets used by Tibetan Buddhists in ceremony, and even of the bronze lur-horns of ancient tribal war-hordes massing for battle. The horns, alone or in overlapping waves, stir deep primordial folk-memories in the European soul. This is ritual ambient of a sort, more like Psychonaut or Moljebka Pvlse than anything else, but Hati’s sound is warm, organic and acoustic, with very little evidence of electronics or sound processing, at least on this recording. Genius Loci is a brilliantly atmospheric work, and deserves a far wider audience than it can ever find as a limited-edition CD-R. (monkeyhouse-recordings)
We received a nice letter from Alex. And some fresh and cool piece of good music.... We would like to strongly recommend his music and to read very interesting interview with the artist.
Hello there,
I found Savage Saints while cruising some Holy Warbles (RIP) related blogs. I noticed you had a bandcamp sourced post and thought it wouldn't hurt to submit my album to you guys. It's called Pretty Lies and you can hear it here. It's songwriting is based in the folk tradition but during the recording process I did a lot of experimenting with different arrangements and textures, so what you're left with is more This Heat or Scott Walker than Mark Kozelek or Joni Mitchell. I'd love to know what your impressions are even if you don't feel that it's a good fit for Savage Saints.
All the best,
Alex
I found Savage Saints while cruising some Holy Warbles (RIP) related blogs. I noticed you had a bandcamp sourced post and thought it wouldn't hurt to submit my album to you guys. It's called Pretty Lies and you can hear it here. It's songwriting is based in the folk tradition but during the recording process I did a lot of experimenting with different arrangements and textures, so what you're left with is more This Heat or Scott Walker than Mark Kozelek or Joni Mitchell. I'd love to know what your impressions are even if you don't feel that it's a good fit for Savage Saints.
All the best,
Alex
***
Livonia’s Alex Tedesco is an experimental singer/songwriter, who creates abstract, almost psychedelic tunes with a hint of folk and a distinct pop sensibility. M3 spoke to Alex about his decision to give away his new album ‘Pretty Lies’ for free…
First of all, could you tell us a bit about yourself, and what it is that you do?
First of all, could you tell us a bit about yourself, and what it is that you do?
Alex Tedesco – I’m a preschool teacher and musician living in Detroit, MI. Music is my passion.
What inspired you to start making music? What is your own musical background?
I have had an interest in music for as long as I’ve been alive. I started taking piano lessons when I was probably 6 or 7, and switched to drums when I was 8. It seemed like a good idea at the time. When I was 12 my cousin passed away and it was at that point that music became an absolute need as opposed to an interest or hobby. It saved me then, and I’ve devoted my life to it ever since. I didn’t start recording my own stuff until I was 17. I recorded a large amount of material as The Toad Disco for a few years, but dropped that god-awful name in 2010 after deciding to try to do something of greater value.
What was the reasoning behind making your recent album ‘Pretty Lies’ available for free download?
Exposure. I’m relatively unknown, so who is going to pay for my music? It’s a gamble most people aren’t willing to take. The whole point for me is to get as many people to hear my music as possible. Money doesn’t enter into it for me. The reason music doesn’t have a high standing as an art these days is because it’s been treated as a product for most of the last century.
What benefits and/or disadvantages have arisen from this distribution method?
Well, I don’t have the backing of a record label, so I’m my own PR machine. You begin to feel like a soulless asshole, emailing blog after blog asking them to post your music. On the plus side, people have instant access to it without having to worry about the RIAA.
On average, how many people would you say still pay for a release when given the option to download for free?
Oh, I’m in no position to come up with that kind of statistic. Out of the people I hang out with? Close to zero. I only know the way I work. I download everything, and if there is an album that occupies a special place in my heart, I buy it on vinyl.
Would you say this method is a realistic possibility for the future of music distribution?
It’s hard to say. Unlimited access to free music leaves you with a lot of awful stuff to sort through. Certainly the music industry as it exists today seems doomed. Spotify is an interesting new approach, and maybe the industry can adapt, but if it can’t then it’s no great tragedy. People bitch and moan about “how are the artists supposed to support themselves?” Well, maybe if they were really in it for the art, they’d get a “real” job to support themselves. Maybe if less people were in it for the money, the artistic value of the music would increase.
What would be your preferred medium to listen to music (eg. Vinyl, CD, tape, MP3 etc.), and why?
Definitely MP3! It’s so convenient! I have a large vinyl collection but I can’t fit a record player into my pocket, sorry.
Do you feel the idea of an album, as a piece of art that people will listen to from start to finish, has been undermined or forgotten about in the digital age?
No, not at all. The same types of people who have been interested only in singles throughout history are still only interested in singles today, and the album people are still interested in albums.
Much has been made of the supposed death of the record store in recent years. Do you believe the digital age has killed the record store, and if so, do you think that this is a necessary part of progression, or a tragic loss?
I think maybe it has killed the Best Buy music sections and the Virgin Megastores, but the small mom-and-pop record stores are going to be ok. I don’t think vinyl fetishists are going away anytime soon, it’s just that nobody really cares about CDs anymore. That to me is just fine.
What is your take on the current SOPA/ACTA controversy?
You can’t censor the internet. I don’t believe anyone is ever going to get away with it in America either, because we are all already too spoiled by it. People would lose their shit.
Finally, what does the future have in store for Alex Tedesco?
I’m currently working on an album inspired by Charles Atlas and the Grant Morrison character Flex Mentallo. If my math is correct then I am about 22% finished with it. Hopefully that will be out sometime next year. In the meantime I’m playing local shows with my good friend Sean Ronan (aka The Invincible Robot Brigade) as AS-90.
Alex Tedesco’s new album ‘Pretty Lies’ is available for free download now through his Bandcamp page. For more information, you can follow Alex Tedesco on Facebook.
(source)
Posted by Ankh
“Essential wax for any sexy 60’s psychedelic party. A double vinyl release from the VERY cool Vampisoul label containing tonnes of tracks and bands you probably will have never heard of. Amazingly shagadelic!” MODART (UK)
“This is real dirty soul: some of the production is appalling, raw, untouched, and it’s precisely this which gives the finishing touch to the energy, the raw soul energy.” FLY – GLOBAL MUSIC CULTURE (UK)
"YEAH! The perfect companion for a good-taste party at your apartment (let your neighbours join!), and mucho more." LOOP 23
The Vampisoul label is another in a line of several new labels, making some of the most obscure 60s and 70s funk and soul bands I've ever come across, readily available on CD for the first time, which is not surprisingly awesome! As a fan of obscure music, it's always a joy to come across artists. I've never heard of or heard of but never heard due to the difficulty of finding them on CD let alone vinyl. Movers, a compilation featuring a laundry list of many rare exciting old artists whose albums they are re-releasing is a great way to figure out who's album you'd like to run out and buy.
A standout track "Las 4 Culturas" by Rabbit's & Carrot's is so filled with the "Jame's Brown" kind of funk while also blending Spanish music and soul into the mix, that it still sounds groundbreaking. It makes you wonder why an act like this is virtually unknown today. Right off the bat, I'd buy an album from this group! Another track "Guitar Big Band" by Dennys Coffey and the Detroit Guitar Band is an exciting and interesting mix of soul, funk and psychedelic guitars that is a fun listen. The album is chock full of styles of funk and soul coming at you from a little left of center as each artist seems to be putting some sort of twist on it. This in itself makes Movers worth checking out. While there are many plus' on this comp, one minus includes a song that is pretty bad called "Chicken Thighs" by Andre Williams, in which he uses a talking sing-song style where he sings about, take a wild guess . . . his love of chicken thighs, which comes off sounding pretty lame and gets annoying quick! The Soul Searchers and Soul Survivors each have a track here and both are standout bands with songs that have driving soul sounds that are truly exciting and fun.
This a great compilation of all the acts that have either "Best of" or full-length album reissues out on the Vampisoul label. With a strong stable of artists and songs, The Vampisoul label’s Movers compilation is a great start or end to finding some really fun and obscure artists to groove to. If you're throwing a super cool dance party at your place, you really can't lose with this one. Just remember to invite me! (source)
Jo Ann Kelly appeared at one of our concerts at school in the spring of 1970. It was some event due to the ensemble that pitched up - Jo Ann's brother Dave, now of the Blues Band; Bob Brunning one time member of Fleetwood Mac; piano player Bob Hall of Savoy Brown Blues Band; acoustic blues duo Simon Prager and Steve Rye.
Jo Ann was born in London in 1944, making her recording debut in 1964 with a privately produced EP (remember those? I've got one by the Shangri Las). She really first came to the attention of the nation at large when she joined forces with Tony McPhee's Groundhogs. Her self titled album confirmed the arrival of a major talent.
As with many good things British the Americans got interested. In 1969 Jo Ann appeared live with Mississippi Fred McDowell and later made many US tours. Back in the UK (a phrase from which the Beatles later took inspiration) she became a major player on the blues circuit, recording with the John Dummer Blues Band (I would commend an album called 'Cabal' to you) and no lesser mortals than Chilli Willi and the Red Hot Peppers, as well as Stefan Grossman. I remember seeing her with John Dummer at the Marquee - Nick Pickett played too. This period of her career obviously reached its peak with our concert at Leyton County High for Boys!
In 1972 she completed an album with Woody Mann, John Miller and flashy guitarist John Fahey, before forming a group called Spare Rib. She recorded a second solo album called 'Do It' - I remember this well as it was on Alan Robinson's Red Rag label. We were producing Bully Wee's masterful 'Enchanted Lady' album with Alan around that time. The title track of Jo Ann's album is quite wonderful.
Sadly one of her last performances was at a festival in Lancashire in August 1990 when she was given the award for Female Singer of the Year by the British Blues Federation. Her last performance is thought to have been at the Three Horseshoes in Doncaster on 22nd September that year.
In 1989 Jo Ann she had an operation to remove a malignant brain tumour, initially thought to be a success.. it wasn't and she tragically died in October 1990. (source)
For blues connoisseurs and fans Jo Ann Kelly was a real blue blood. She was unanimously heralded as the British "Queen of Blues", and could have worn this title with pride. But the friendly Englishwoman with her unpretentious manner never showed a trace of self importance. Big-time promotion campaigns for her own cause were not her style, either. Her modesty is probably one of the reasons why she never achieved stardom but rather earned primarily the respect of insiders. Her almost thirty-year career is only sporadically documented on records - which fails to do justice to a "queen" of her talent. When Jo Ann Kelly died on October 21, 1990 at the age of forty-six after a tragic illness the press praised her lifetime achievements and artistry in numerous obituaries, posthumous acknowledgement which should have been hers much earlier.
Jo Ann Kelly was a passionate blues artist and at the same time a fan. She particularly respected and loved the authentic early giants of acoustic country blues: Charley Patton, Robert Johnson, Son House, and above all, Memphis Minnie, whose singing and songs were her inspiration. The girl from Streatham, South London met the magnificent Memphis Minnie through a young guitar player named Tony McPhee who was a blues fanatic just like Jo Ann and her younger brother Dave. A record shop in Streatham that sold American imports was the place to meet. At the age of fourteen Jo Ann was thrilled by Little Richard's music. She sung Everly Brothers' tunes to the first few chords her brother had taught her on the guitar. Jo Ann was swept away by the flourishing Skiffle scene headed by Lonnie Donegan. But it was contact with Delta blues which turned out to be her most significant influence.
In 1962 Jo Ann Kelly joined together with pianist Bob Hall. She was already impressing nightclub audiences and musicians with her powerful, penetrating voice, vibrating with intensity. She molded American blues classics from Memphis Minnie, Bessie Smith, or Rosetta Tharpe into her own creations with her unique singing. Jo Ann Kelly gradually developed into an attraction at clubs and on college and university stages and became the leading woman of the British blues movement. She jammed with the Yardbirds on the side and made recordings with fellow blues musicians here and there, including a record with the future leader of the Groundhogs, Tony McPhee.
Blues rock which was becoming popular was not exactly her chosen world which became apparent as Jo Ann Kelly's career reached its commercial peak with her first solo album in 1969-70. She rejected both the offer to join Canned Heat and to go on tour with Johnny Winter after the release of her album in America. Winter had become interested in the Englishwoman, who frequently traveled to land of the blues during this period, at the Memphis Blues Festival. In the 1970s, Jo Ann Kelly - parallel to regular solo and duo tours throughout Europe - explored various styles such as country, rock, and soul playing with pub rock and session bands like Spare Rib, Tramp, and Chilli Willi, but deep down she remained true to the blues. In 1979 she was, along with Dave Kelly on guitar, one of the founding members of the Blues Band. She, Pete Emery who was her duo partner and companion and former John Drummer Blues Band member, and pianist Mike Deacon founded the "Ladies and the Blues" project, a sophisticated show which paid tribute to the great women - and some men - of the blues, including of course, Memphis Minnie.
The legendary blues singer's spirt also filled the hall during her performance at the women in (e)motion festival, 1988, in a double concert with Rory Block. Only a few weeks after the concert she suddenly began to suffer the symptoms of a serious illness, a brain tumor which was then surgically removed. At first she seemed to be cured. She gave the type of first-class concerts she was known for. Her last performance in early September 1990 came at the end of a long tour with her brother Dave. A joint album was also in the planning. Jo Ann Kelly's premature and unexpected death was an immense loss for the blues world. This live recording should, above all, serve to keep alive the memory of this wonderful personality who embodied the blues with so much ability, respect, and humanity. (source)
Juicy Groove was a short-lived supergroup of sorts, featuring former members of Steppenwolf (guitarist Mars Bonfire, a.k.a. Dennis Edmonton) and Captain Beefheart's Magic Band (guitarist Mercury Flyer, a.k.a. Elliot Ingber, and bassist Gary "Magic" Marker). There were numerous drummers involved; the drums are credited to Thundercloud, a nickname for Mike Cassidy, son of Spirit drummer Ed Cassidy. The elder Cassidy is not credited, but Ed reportedly drummed on some of the songs, and Iron Butterfly's Ron Bushy drummed on one. Their lead vocalist and rhythm guitarist was a character named Michael "Rainbow" Neal, an associate of Sky Saxon who was involved in some of Saxon's post-Seeds activities. On their 1978 album, Juicy Groove played unashamed '60's-style garage psychedelia as if the previous decade had never ended.
Juicy Groove's only album was titled First Taste. It was a picture disc released on a label called Payola. It's a hilariously anachronistic set of acid-fried hippie-rock tunes, recorded with a relatively lo-fi quality for a late-'70's album. There are no songwriting credits on the disc, but at least three songs ("Starry Ride", "Drums Guitars Stars", "Tired Of Bein' Poor") were co-written by Seeds leader Sky Saxon. The uninhibited frontman "Rainbow" Neal alternately moans like a stoner and howls like a lunatic. The trippy "Starry Ride" feels like just that. "Drums Guitars Stars" is a Jefferson Airplane-like anthem (complete with a Grace Slick soundalike named Victoria Reid) about rocking and rolling your way to fame. The similar-minded "Concert Fever" (which features Iron Butterfly drummer Ron Bushy) is filled with obviously dubbed sounds of audience applause. The album's carefree drug-soaked party vibe results in infectious, delirious enjoyment. Fans of Rhino's Nuggets box sets may want to dig this record up, because they'll probably dig it. (source)
Apache Dropout to zasługujące na zainteresowanie amerykańskie trio pochodzące z Karoliny Południowej. Na wydanych przez siebie dotychczas dwóch albumach grupa częstuje słuchaczy sporą dawką energetycznego rocka garażowego w całkiem starym i dobrym psychodelicznym stylu.
Apache Dropout is a full on lysergic boogie trio from Southern Indiana who’ve self-released a handful of recordings while touring the sub-U.S. during the past couple years. Finally, their debut LP is here to catch you up with their three-minute-&-less anthems crafted of ‘60s epoch fuzz. With just guitar/bass/drums they channel soul melodies, primitive rock thump and blasted solos that are soaked in the dimethyl-trip of teenage visions (see songs "Sam Phillips Rising" and "God Bless You Johan Kugelberg" for that) and a few whifs of Tuli Kupferberg. Singer Sonny Alexander is the enigmatic howler /vocalist whose guitar swagger and melted riffs lead the way. Recorded by the band at their own Magnetic South Studio on all analogue equipment, they’ve used the studio-as-instrument to push these 11 songs into highly textured nuggets of punk art that follow in the wave of The 13th Floor Elevators, The Velvets, and Patti Smith Group. We’ve got no doubt, this is going to floor all ears in 2011. Album art and horn arrangements come by way of John Terrill (co-founder of the late '70s new/no wave Dancing Cigarettes) with engineering by Puppy Vs. Dyslexia knob-twiddler John Dawson and final audio polishing by engineer Paul “Z” Mahern, vocalist of the legendary Zero Boys.
Cóż ... chyba wszyscy szanujący się miłośnik garażowego grania wie z czym wiąże się nazwa The Monks - to protoplaści punkowego brzmienia, więc nie ma sensu żebym się zbyt wiele rozpisywał - kto chce niech sobie wygugluje.
What the label says about Demo Tapes 1965, by Monks:
Yes, the legendary band the Monks, responsible for one of the most fabulous records of of 60s (Black Monk Time). This is a totally pro studio recording that preceded the album. Here you can find earlier versions of most the album best songs. In this record we have also included two tracks of The Five Torquays (The Monks before changing names and shaving their heads), and one track of the Monks Tribute record Monk Hop by Jason Forrest.
Listen up, jerk, it's black Monk time all over again! This record collects the 1965 demos by the Monks, that storied, proto-punk garage rock platoon comprised of five renegade American GIs stationed in Germany. These sessions aren't really that raw by today's standards (or compared to, say, Stooges bootlegs), but they are grimier and more cavernous than the band's crucial, lone album, the 1966-issued (since reissued) Black Monk Time. Considering the year and the locale in which they were created, the songs on this archival effort are pretty damn bold. Dig singer Gary Burger's mental-ward sermonizing or his gnarled, no wave-ish guitar solos. Feel the primal pulse of his buddies' burbling bass, cheesy-cum-sinister church organ, silly electric banjo and tubby, tom-heavy drums. The Monks, whose Reeperbahn-fueled delusions inspired them to shave tonsures into their heads and wear robes, played the most brilliantly stupid, stripped-down music of the day. They were the self-proclaimed anti-Beatles -- unmelodic, rhythm-based, simplistic and anything but cute. Just listen to the way Burger growls, "Baby, I hate you!," and you'll get the message, loud and clear.
"...the earliest document of their minimalist past...it veers from psychotic nursery-rhyme relentlessness...to distorted psychofolk....a fascinating blueprint for the true deranged genius of BLACK MONK TIME..." MOJO SONGS: Monk Time; Love Came Tumbling Down; Boys Are Boys; Space Age; We Do Wie Du; I Hate You; Pretty Suzanne; Higgle-dy-piggle-dy; Hushie Pushie; Oh, How To Do Now; There She Walks; Boys Are Boys, Monk Hop.
Listen up, jerk, it's black Monk time all over again! This record collects the 1965 demos by the Monks, that storied, proto-punk garage rock platoon comprised of five renegade American GIs stationed in Germany. These sessions aren't really that raw by today's standards (or compared to, say, Stooges bootlegs), but they are grimier and more cavernous than the band's crucial, lone album, the 1966-issued (since reissued) Black Monk Time. Considering the year and the locale in which they were created, the songs on this archival effort are pretty damn bold. Dig singer Gary Burger's mental-ward sermonizing or his gnarled, no wave-ish guitar solos. Feel the primal pulse of his buddies' burbling bass, cheesy-cum-sinister church organ, silly electric banjo and tubby, tom-heavy drums. The Monks, whose Reeperbahn-fueled delusions inspired them to shave tonsures into their heads and wear robes, played the most brilliantly stupid, stripped-down music of the day. They were the self-proclaimed anti-Beatles -- unmelodic, rhythm-based, simplistic and anything but cute. Just listen to the way Burger growls, "Baby, I hate you!," and you'll get the message, loud and clear.
"...the earliest document of their minimalist past...it veers from psychotic nursery-rhyme relentlessness...to distorted psychofolk....a fascinating blueprint for the true deranged genius of BLACK MONK TIME..." MOJO SONGS: Monk Time; Love Came Tumbling Down; Boys Are Boys; Space Age; We Do Wie Du; I Hate You; Pretty Suzanne; Higgle-dy-piggle-dy; Hushie Pushie; Oh, How To Do Now; There She Walks; Boys Are Boys, Monk Hop.
Moon Phantoms to projekt będący efektem współpracy zespołów Bardo Pond i japońskiej grupy Suishou No Fune. Podczas wspólnego koncertowania na wschodnim wybrzeżu Stanów wpadli na pomysł, że jeszcze ciekawiej będzie zarejestrować muzykę zagraną w tym składzie. I tak powstał ten album, swoiste jam session zainspirowane towarzyszącym im podczas trasy księżycem w pełni, dźwięki mocno osadzone rzecz jasna w typowych psychodelicznych klimatach spod znaku Bardo Pond.
Moon Phantoms are a collaboration between Bardo Pond (resp. side-project Alasehir) and Suishou No Fune from Japan. Once they toured the US East Coast and decided it would be fun to record a session together in Spring 2008. Their eponymous album (2009, Important Records) is consisting of long, trippy, hallucinogenic jams with the focus on guitar explorations. (progarchives)
"We Suishou No Fune and Alasehir played in East Coast tour of one week together again in the autumn, 2007. During the autumn concert tour, we had felt like that Moon always chased us. I started to look for where the moon was unawares when we visited each town. I have strongly remembered that the moon was full and very clear cut one night in Boston. The night was very pleasant and let us relax. Michael, John and Jason had a good conversation comfortably, looking at the moon. Kageo and myself also enjoyed the night to be just eased under the moonlight. I believed that we, Suishou No Fune and Alasehir could be one band under this special moonlight. The next day, I spoke my wish to perform music in one band to the members and we, all fall in each other in Providence. Therefore, the Japanese and American band named Moon Phantoms based on the concert tour with the full moon. And Moon Phantoms made the concert tour in the East Coast of the U.S.A. and had recording in Spring, 2008. Then we made this album." (Pirako Kurenai/Suishou No Fune)
Nie mam właściwie nic ciekawego do powiedzenia o tej płycie jako tylko tyle, że jest tam sporo dobrej muzyki, którą nagrał włoski artysta. Nie znam żadnych okoliczności powstania tej płyty czy związanych z nią - bądź z wykonawcą - smaczków. Jak już kiedyś wspominałem - scena muzyczna Włoch lat 70-tych - to kawałek niezłego grania. Na tym albumie mamy kilka fantastycznych, funkowo-psychedelicznych groove'ów. Mimo, iż płyta mało znana, ale jest to swego rodzaju klasyk.
Not too much to tell about this amazing album. Incredible psychedelic funk.
Posted by Pausts
Charlemagne Palestine (Chaim Moshe Tzadik Palestine lub Charles Martin) - urodzony w 1945 lub 1947 roku w Nowym Jorku, amerykański kompozytor minimalistyczny, performer i artysta wizualny. Album "Strumming Music" to jedna z pierwszych i zarazem najbardziej znana pozycja w dorobku tego twórcy, zaliczana dziś do ścisłej klasyki szeroko pojętego minimalizmu.
***
Charlemagne Palestine (born Charles Martin or Chaim Moshe Tzadik Palestine August 15, 1945, or 1947, in Brooklyn, New York) is an American composer, performer, and visual artist. Palestine has studied at New York University, Columbia University, Mannes College of Music, and the California Institute of the Arts.
A contemporary of Philip Glass, Terry Riley, Phill Niblock, and Steve Reich, Palestine wrote intense, ritualistic music in the 1970s, intended by the composer to rub against Western audiences’ expectations of what is beautiful and meaningful in music. A composer-performer originally trained to be a cantor, he always performed his own works as soloist. His earliest works were compositions for carillon and electronic drones, and he is perhaps best known for his intensely performed piano works. He also performs as a vocalist: in Karenina he sings in the countertenor register and in other works he sings long tones with gradually shifting vowels and overtones while moving through the performance space or performing repeated actions such as throwing himself onto his hands.
Palestine's Strumming Music (1974) remains his best-known work. It features over 45 minutes of Palestine forcefully playing two notes in rapid alternation that slowly expand into clusters. He performed this on a nine-foot Bösendorfer grand piano with the sustain pedal depressed for the entire length of the work. As the music swells (and the piano gradually detunes), the overtones build and the listener can hear a variety of timbres rarely produced by the piano.[1] A recording of Strumming Music was also Palestine's second vinyl album in the 1970s, reissued on CD in 1991. Since then, several additional recordings (featuring Palestine on piano, organ, harmonium, and voice) from the 1970s—including new recordings of more recent works such as Schlingen-Blängen—have become available.
Palestine's performance style is ritualistic: he generally surrounds himself (and his piano) with stuffed animals, smokes large numbers of kretek (Indonesian clove cigarettes), and drinks cognac. (charlemagnepalestine)
Helmut Nadolski - bass
Jerzy Piotrowski - drums
Antymos Apostolis - guitar
Czesław Niemen, Józef Skrzek - organ, piano, vocal
Andrzej Przybielski - trumpet
Józef Skrzek - violin, bass, harmonica
Na tzw. „Czerwonym Albumie” Niemen pograł sobie żywiołowego, ciężkiego rocka. I postanowił ruszyć dalej, w świat muzycznych eksperymentów i dźwiękowych szaleństw. Towarzyszem podróży w świat dźwiękowej awangardy miał być dawny znajomy Niemena – kontrabasista Helmut Nadolski.
Czesław odwiedził Helmuta i zaproponował mu współpracę. A Nadolski wcześniej, w jednym z klubów, oglądał koncert pewnej młodej, nieźle rokującej grupy.
„Po koncercie moim, ja poszedłem do klubu i tam grali te trzy maluchy, te, no… SBB. Ja tak patrzę: takie maluchy i oni tak po niemiecku, można powiedzieć, zapieprzali tego rock’n’rolla. Ja mówię: no, z tych jeszcze coś można wyciągnąć. Bo to jeszcze nie tak zepsuci, mają dużą radość w tym. Przyjeżdżam do Warszawy i mówię: Czesiek, jak chcesz to możemy zacząć. Tylko proszę mi zaangażować tych trzech maluchów, tam, z tego…” (*) I tak u boku Niemena pojawiła się kolejna wielka indywidualność – Józef Skrzek wraz ze swoim zespołem.
Skład Niemen – Nadolski – Skrzek – Anthymos – Piotrowski (po pewnym czasie wzmocniony przez nieżyjącego już trębacza Andrzeja Przybielskiego) grał ze sobą raptem do roku 1973. Na tyle długo, że zdążyli zaistnieć na zachodnich scenach, jako zupełnie bezkompromisowy, znakomity zespół, łączący swobodę i frenetyczną ekspresję free jazzu z rockiem. Niektórzy krytycy nawet określali ich styl jako „free rock”… Była to muzyka pełna improwizacyjnej swobody, łącząca rock, jazz i awangardę w jedną, spójną całość.
Po tym składzie pozostały trzy płyty. Jedną było wydane na Zachodzie „Strange Is This World”. W Polsce zaś, grupa Niemen – tak bowiem Czesław określał tą konfigurację muzyków – nagrała dwie płyty. „Niemen vol.I” i „Niemen vol.II”. Stanowiły one dwupłytową całość, złożoną z dwóch części – „Vol.I” trudniejsza, bardziej awangardowa, „Vol.II” nieco bardziej przystępna. Na CD całość funkcjonuje pod tytułem „Marionetki”. Od tytułu pierwszego utworu z „Vol.II”, otwierającego całość. Bo na srebrnym krążku cały zestaw zaczyna się od tej drugiej części.
Ma to swoją logikę. Bo dzięki temu słuchacz jest wprowadzony w dźwiękowy mikrokosmos Grupy Niemen spokojnie, łagodnie. Utwór tytułowy to podniosła, smutna pieśń. Wykonana głównie przy akompaniamencie organów, z małymi dodatkami trąbki. W sumie, chyba najbardziej tradycyjny utwór na całym albumie. Bo „Piosenka dla zmarłej” to już porcja dźwiękowego szaleństwa. Wściekłe, atonalne improwizacje organowo – kontrabasowe. Podniosła pieśń, z dominującymi organami, intrygująco oprawiona kontrabasowymi wstążkami. Mocne, ekspresyjne partie gitary basowej. Dynamiczne, wściekłe solówki gitarowe Apostolisa. Potężna ściana dźwięku i momenty subtelne, nieco wyciszone… „Piosenka dla zmarłej” – zresztą jedyny utwór z całego zestawu powtarzający się z „Strange Is This World”, tam jako „A Song For The Deceased” – robi piorunujące wrażenie.
„Z pierwszych ważniejszych odkryć” to jakby takie SBB w pigułce. Nie tylko dlatego, że motyw otwierający całą kompozycję znajdzie jeszcze swoje miejsce na jednej z płyt tria. Ta dość zakręcona kompozycja Skrzeka to efektowna próba jazz-rocka z dodatkiem hendrixowskiego gitarowego rocka, z ekspresyjnym duetem gitary i gitary basowej, solówkami gitarowymi – to mocno ekspresyjnymi, to subtelnymi, wprowadzającymi łagodny nastrój. Do tego podniosła pieśń w części wokalnej i duet Niemena i Skrzeka… Po krótkim, spontanicznie zarejestrowanym przerywniku w postaci „Ptaszka” mamy kolejny utwór pełen kontrastów. „Com uczynił” przynosi dzikie skoki dynamiki, szalone popisy wokalne Niemena, harmonijkową wstawkę Skrzeka, ładną partię trąbki w dynamicznym jazzrockowym rozwinięciu, chwile bardziej subtelnego, wyciszonego grania…
I tak przechodzimy do „Vol.I”. „Requiem dla Van Gogha” autorstwa Helmuta to zdecydowanie najbardziej niezwykły fragment tej niezwykłej płyty. Osiemnastominutowy dźwiękowy awangardowy spektakl z kontrabasem w roli głównej, któremu towarzyszą preparowany fortepian, instrumenty perkusyjne, organy i okazjonalna trąbka (i chyba też skrzypce – Józef Skrzek na okładce ma przypisany między innymi ten instrument, ale sam nie jest do końca pewny, w którym utworze na nim grał…) Dość awangardowo rozpoczęty „Sariusz” to chyba najmniej interesujący fragment: dynamiczna piosenka, i niestety tylko tyle. Brakuje tu tej atmosfery niezwykłości, jaka jest bardzo wyraźna w pozostałych kompozycjach. Za to na sam koniec mamy instrumentalne, zbiorowo zaimprowizowane „Inicjały”. Wolna forma, w klimacie i brzmieniu kojarząca się z Milesem Davisem AD 1969 i z krautrockiem spod znaku Can. Sporo trąbki, chwilami pozbawione rytmu, medytacyjne granie, fragment z wyeksponowaną sekcją rytmiczną… Jedyne, co drażni, to wokalizy Niemena.
Co było dalej? No cóż – jak to często bywa, kilka wielkich osobowości w jednym zespole to trochę za dużo. Zwłaszcza, że podejście do muzycznej materii Niemena i Skrzeka mocno się różniło. Do tego swoje zrobiła świta otaczająca Mistrza Czesława… „Ode To Venus” Niemen nagrywał już tylko z SBB. I było to dość smutne epitafium dla jednej z najlepszych polskich grup wszechczasów.
Jak po prawie czterdziestu latach bronią się „Marionetki”? Znakomicie. To wciąż muzyka bardzo żywa, świeża, nowatorska. I w dalszym ciągu jest to jedna z najlepszych płyt rockowych, jakie kiedykolwiek powstały w Polsce. (Piotr „Strzyż” Strzyżowski)
Czesław Niemen (the real name is Czesław Juliusz Wydrzycki) was born in Stare Wasiliszki (Old Vasilishki), a village in Byelorussia, Soviet Union, in 1939. In 1958 he has repatriated to Poland. His scenical name is a pseudonym taken after the name of the river Niemen. Debuted as a rock and soul singer in the early 1960's. He recorded "Dziwny jest ten świat" (Strange Is This World) as a major Polish protest song in 1967, and was an early pioneer of psychedelic music in communist Poland in the late 60's. He recorded three albums with the band Akwarele, as well as later works with Enigmatic, Grupa Niemen, and Aerolit. His first self-acclaimed progressive work was entitled "Enigmatic", and was released in 1969. The most notable song from it was "Bema pamięci żałobny - rapsod" (A Mournful Rhapsody, in memory of Jozef Bem, a Polish solider who served as a Polish Army general in the Polish War of Independence (November Uprising).
Like "Rhapsody", many of the other songs from "Enigmatic" were based Polish folk poetry. During his progressive period Niemen played keyboards extensively, including a Hammond, and later a mellotron and finally a Moog synthesizer.
In the early 70's Niemen recorded three albums for CBS International (Schaelplatten), including a 1974 release entitled Mourner's Rhapsody with Jan Hammer and Rick Laird of Mahavishnu Orchestra, electric violin and saxophonist Michal Urbaniak of Fusion, bassist the late Seldon Powell of the Buddy Rich Band, and session pianist the late Don Grolnick. The album featured a fifteen minute version of "A Mournful Rhapsody". In the latter 70's Niemen's musical work tended more toward jazz/fusion, and even electronica. He released seven additional albums and a retrospective collection before he passed of cancer in 2004. (source)
Nick Knox - drums
Brian McMahon, John Morton - guitar, vocals
Dave E. McManus - vocal, clarinet
Brian McMahon, John Morton - guitar, vocals
Dave E. McManus - vocal, clarinet
Zawsze na początku posta staram się zaprezentować okładkę, ale w tym przypadku proszę mi wybaczyć i zamieszczę ją poniżej. Gdybym miał przeprowadzić jakiś prywatny ranking najbrzydszych okładek to płyta Electric Eels znalazła by się w pierwszej piątce. Jest tak brzydka, że chyba jest to zabieg celowy. Muzycznie chłopcy z Clevland też się nie cackają. W każdym razie warto się z zapoznać z muzyką tej grupy. Stylistycznie bliżej im chyba do Debris niż The Stooges.
The Electric Eels somehow manage to create a cavernous sound that could only be described as the sonic equivalent of incurable depression ("Natural Situation"). Some called them the predecessors of punk rock, but really, all this album proves is that the band was banging out grinding, bass-less garage rock while the White Stripes were still in diapers ("Cold Meat"). Over minimalist ZZ Top-type swaggering that makes you want to slap on a fake beard and a pair of cheap sunglasses, the Electric Eels' lead singer, Dave McManus, is the only part of the band that comes alive. McManus' vocal style is probably the only element punk rock borrowed from this group. He manages to yelp like a pained Guy Picciotto of Fugazi during "Girl" and even manages to out-whine Jello Biafra on a cover of "Dead Man's Curve." Still, the music itself is not particularly original, only noisy. A good example of sheer chaos is "Jazz Is (Part 2)," where the listener gets an idea of what would have happened had free jazz saxophonist Ornette Coleman kicked Ozzy Osbourne out of Black Sabbath to take over frontman duties. However, just because the Electric Eels make a loud noise doesn't mean that this is a must-have for your record collection. ---- Stephen Howell
Before punk was offered, digested, and popularized in the second half of the 1970s, there was the Electric Eels. This Cleveland proto-punk terror cell operated from 1972 to 1975 and, although they only actually performed live five times, provided a vital link between the MC5s and Stooges that came before all the raucous energy that would follow. They must’ve turned at least a few heads, because they’ve now got a 24-song retrospective CD (also available as a 27-song gatefold LP) to accompany an earlier Scat release of Eels material (Those Were Different Times) and a raft of websites recycling stories and minutia about the legendary band. Most flameout punk bands don’t get this sort of attention, especially 27 years after disbanding. Legend has it that Stiv Bators picked up his stage mannerisms by aping Eels lead singer Dave McManus. Legend also has it that Eels guitarist John Morton, while being led away in handcuffs after a violence-marred Eels show, booted a cop in the testicles. Naturally, Cleveland’s finest responded with decisive force and overwhelming numbers, and Morton played a subsequent Eels show with a wrench taped to his broken left hand that enabled him to play guitar. Material on The Eyeball of Hell comes from recordings made during the waning days of the band’s existence, and features a two-guitar assault (no bass) and the drumming of future Cramps pounder Nick Knox. The guitars are on overload and drip with fuzz, but the riffs are much more informed than the typical “three chords and a cloud of fuss” that mark most primordial punk efforts. In fact, brash, ass-kicking aggression aside, the Eels actually aim at arty, free-jazz pretense on some of these tracks, albeit a gutter-level version of it. Singer McManus seems to have created (or at least perfected) the snotty, nasally punk vocal styling that became a mainstay after filtering through more popular acts such as Black Flag. McManus also blows through a clarinet (probably borrowed from his sister) here and there. The disc includes extensive liner notes from band members. In terms of music history, this package isn’t exactly the Robert Johnson box set, but it’s an interesting document from an age when punk was still incubating. (source)
Posted by Ankh
Ta płyta to propozycja z kategorii "must have". Prawdziwy killer ! Płyta nowojorskiej grupy The Group Image powinna wejść do kanony muzyki psychedelicznej końca lat 60-tych. Muzycy tworzyli ekscentryczną komunę artystyczną. Muzyka jest porównywana do Jefferson Airplane, ale moim zdaniem - niech mi w tym miejscu będzie wybaczone - przyćmiewa narkotyczne brzmienie zespołu z Zachodniego Wybrzeża. To prawdziwie, nieokiełznana i dzika wersja San Francisco Sound. Wokalistka Sheila Darla emanuje taką energią jakby za chwilę miała eksplodować - Grace Slick przy niej wydaje się nieśmiałą dziewczynką. Natrafiłem właśnie na jedyny materiał wideo jaki bodajże istnieje - to prawdziwy szok kiedy ogląda się to dzisiaj. Wielka szkoda, że zespół pozostawił po sobie tylko jedną płytę.
The group Image was a Manhattan, NYC group community enterprise that lasted some two years, and who recorded some album, after some years of park gigs and regular shows with nightime ballroom association. It might be so that in the time of 1968 when the record was recorded, that its project was at this stage, over its highlight, but I can imagine with tracks like the freaky wall of sound track “Hiya” what effect they could have had (-a shorter version of the album track was also featured on the Pebbles, Vol. 14 compilation-). They had some come and go participators, which had featured on its stage people like Tiny Tim, Wavy Gravy & Diggers, and they shared stages with the Grateful Dead.
With one of the lead vocalists, Sheila Darla, Jefferson Airplane could come easily to mind, although the songs have much more jam feeling to it, and sometimes are slightly bluesy. The songs themselves have something more of the community and don’t bring one particular singer or song much to the fore, except in a stage-light fashion, where the whole group thing presentation has equal importance. It is the groove and community jam, combined often with its returning harmony vocals that is the more true presentation.
On “Aunt Ida” the instrumental jam energy increases well the energy of the song harmonies. The rhythms just now and then have the tendency to speed up like a train, which in combinations with the arrangements gives moments of a rather nervous, sound overwhelming effect, while the slower parts bring more peace, while there seems to be something going on stage all the time. On “Banana Spit” the bass wrinkles on, smoothly and groovy, but at no time do the rhythms provide lead guidance.
It remains unclear to me yet to what the music really leads to more than with its general sound. It is no doubt a product of its time and location, which entertain while walking with its soulful psychedelic and blues boots, while flashlights and other appearances on stage I am sure would have added more to a richer entity.
***
Undeniably influenced by the West Coast psychedelia of The Jefferson Airplane, New York’s The Group Image released one album in 1968, A Mouth In The Clouds, that managed to go largely ignored by critics and rock fans. Despite having a wild stage show and a dynamic lead singer in Sheila Darla, the band received little national exposure.
"The Group Image played for two years in various locations in Manhattan, NYC, including its own productions / shows at the Palm Gardens, and the Cheetah Club, and shows with the Grateful Dead in Central Park and the Fillmore East, and other outdoor shows in parks such as Tompkins Square Park in the East Village.”
While Sheila Darla shares some of Grace Slick’s hippie allure and a similarity in vocal style, her stage performance bears a striking resemblance to Patti Smith rather than the cool and collected Slick. One wonders if Patti ever saw Darla in action.
Time Magazine reviewed A Mouth In The Clouds in their November 18, 1968 issue. I don’t know who the reviewer is, but it’s amusing how hard he/she tries to get down with hipster lingo. “Liquid Eden” indeed.
"This is the first recording by the Manhattan hippie tribe that has been turning on with sound and light in a couple of off-Broadway ballrooms; it will soon open its own permanent ballroom in the East Village. The five-man band has a driving, express-train beat, and a sharp and shimmering harmony, and a high voltage singer named Sheila. Their sound is all their own, but there are some familiar touches of The Lovin’ Spoonful (Grew Up All Wrong) and Jefferson Airplane (Banana Split). In Banana Split, two electronic zaps project the listener, as through a time warp, into a liquid Eden of tinkling bells and clicking percussion. The Group Image calls it the Twinkie Zone, and it’s a pretty good place to be."
By the end of the video, the band erupts in a punk rock frenzy worthy of the Plasmatics. (source)
Big Sur on motorcycle (photo by HST, Courtesy M+B Art) |
Nie jest żadną tajemnicą, że największym fachmanem jeśli chodzi o postać Huntera S. Thompsona jest Conradino z Magivanga i tam też odsyłamy osoby pragnące się mocniej zagłębić w osobowość autora. Tutaj przedstawiamy inny artykuł Jakuba Żulczyka i nagrania, których dokonywał Thompson na swoim kaseciaku.
***
Kim był Hunter S. Thompson? Gdy próbuję wprowadzić kogokolwiek w jego postać, zaczynam od pytania: A widziałeś film “Las Vegas Parano”? To właśnie film Terry'ego Gilliama jest jedyną furtką w Polsce do zapoznania się z twórczością Thompsona. Jest to ekranizacja (bardzo dobra) jego najbardziej znanej książki, "Fear and Loathing in Las Vegas", a samego autora / jego alter ego Raoula Duke’a gra Johnny Depp. To nie jedyny film fabularny z tą szaloną postacią reportera w kapelusiku, przeciwsłonecznych okularach, w hawajskiej koszuli i z nieodłączną fifką do papierosa w zębach - już na początku lat 80. powstał "Where the Buffalo Roam", w którym w rolę dziennikarza wcielił się Bill Murray.
Thompson, zupełnie nieznany w Polsce, jest jednym z najbardziej znanych amerykańskich pisarzy. "Fear and Loathing in Las Vegas" wpisano na listę klasyki literackiej Barnes & Noble (największa amerykańska sieć księgarni), a on sam stał się ikoną kultury, będąc chyba jedynym dziennikarzem, na którego postaci były wzorowane co najmniej dwie serie komiksowe. Głównym bohaterem wydanej także w Polsce powieści graficznej Warrena Ellisa pt. "Transmetropolitan" jest Pająk Jeruzalem, odpowiednik Thompsona w przyszłości. Natomiast w pasku komiksowym "Doonesbury" pojawia się szalony Wujaszek Duke, z wyglądu i zachowania uderzająco podobny do Thompsona / Duke’a. Skąd to uwielbienie jego postaci przez autorów komiksów? Sprawił to z pewnością niepodrabialny styl życia i wizerunek dziennikarskiego prowokatora, działającego na granicy wolności słowa i prawa, a także jego ikoniczne zamiłowanie do środków odurzających i krzykliwego ubioru.
Thompson, zupełnie nieznany w Polsce, jest jednym z najbardziej znanych amerykańskich pisarzy. "Fear and Loathing in Las Vegas" wpisano na listę klasyki literackiej Barnes & Noble (największa amerykańska sieć księgarni), a on sam stał się ikoną kultury, będąc chyba jedynym dziennikarzem, na którego postaci były wzorowane co najmniej dwie serie komiksowe. Głównym bohaterem wydanej także w Polsce powieści graficznej Warrena Ellisa pt. "Transmetropolitan" jest Pająk Jeruzalem, odpowiednik Thompsona w przyszłości. Natomiast w pasku komiksowym "Doonesbury" pojawia się szalony Wujaszek Duke, z wyglądu i zachowania uderzająco podobny do Thompsona / Duke’a. Skąd to uwielbienie jego postaci przez autorów komiksów? Sprawił to z pewnością niepodrabialny styl życia i wizerunek dziennikarskiego prowokatora, działającego na granicy wolności słowa i prawa, a także jego ikoniczne zamiłowanie do środków odurzających i krzykliwego ubioru.
Przede wszystkim o wielkości Thompsona świadczą wspaniałe książki - halucynogenna podróż do kresu człowieczeństwa i Amerykańskiego Snu w "Fear and Loathing in Las Vegas", najtrafniejszy opis gangów motocyklowych w "Hell's Angels", demaskacja społecznych konsekwencji reaganomiki (polityka ekonomiczna za czasów prezydenta Ronalda Reagana) w "Generation of Swine" czy gorzkie, prawie że apokaliptyczne rozliczenie z nastałym po atakach na World Trade Center państwem strachu w "Kingdom of Fear".
Przepisując Hemingwaya
Hunter Stockon Thompson urodził się 18 czerwca 1937 roku w Louisville w stanie Kentucky. Nie można być tego jednak do końca pewnym, bo sam pisarz podawał różne daty urodzenia. Jako gówniarz często popadał w konflikty w prawem – niektóre z nich, takie jak zatarasowanie drogi szkolnego autobusu skrzynką na listy, opisał w swojej przedostatniej książce “Kingdom of Fear”. Pomimo tych wybryków, nauczyciel angielskiego określił go jako młodego geniusza.
Po skończeniu szkoły średniej (dyplom odbierał w więzieniu – odbywał tam sześciotygodniowy wyrok za włamanie), Thompson wstąpił do Sił Powietrznych Stanów Zjednoczonych (USAF). To właśnie w wojskowej bazie Eglin na Florydzie miał miejsce jego pierwszy kontakt z dziennikarstwem.
Zaczął współpracę jako dziennikarz sportowy z wydawaną tam gazetką “The Command Courier”. W tym okresie HST rozpoczął także na własną rękę gruntowną edukację w dziedzinie literatury. Był zafascynowany współczesnymi mu pisarzami – Ernestem Hemingwayem, Jackiem Kerouacem czy F. Scottem Fitzgeraldem. Jak sam twierdził, przepisywał na maszynie fragmenty swoich ulubionych powieści, aby wejść w rytm danej prozy. “Wielki Gatsby” Fitzgeralda oraz “Pożegnanie z bronią” Hemingwaya zostały podobno przepisane przez Thompsona w całości.
Pracował także dla magazynu “Time” jako kopista, ale w 1959 roku został zwolniony i postanowił szukać pracy na Karaibach. Tam powstała jego pierwsza powieść - "The Rum Diary", duszny od alkoholu opis karaibskiej rzeczywistości i bezsensownej, żmudnej, dziennikarskiej pracy, ewokujący zarówno najlepsze rzeczy Hemingwaya, jak i "Pod wulkanem" Malcolma Lowry'ego. To był jednak dopiero początek pisarskiej drogi Thompsona.
Hell's Angels, Start Up, California (photo by HST, Courtesy M+B Art) |
W 1964 roku, zaliczając już współpracę z magazynem “The Nation”, Thompson podpisał lukratywny kontrakt z wydawnictwem Ballantine's Books na napisanie całej książki poświęconej tematyce gangów motocyklowych. W owym czasie Aniołowie Piekieł i im podobne bandy wywoływały histeryczne wręcz reakcje wśród porządnych obywateli, a media pełne były nierzetelnych, sensacyjnych i bzdurnych historii na ich temat. “Hell's Angels: The Strange and Terrible Saga of the Outlaw Motorcycle Gangs” z miejsca wzbiło się na szczyt listy bestsellerów “New York Timesa”. Książka łączy mnóstwo danych demograficznych i zasłyszanych anegdot z reporterską rejestracją rocznego okresu, w czasie którego Thompson podróżował na motocyklu razem z członkami gangu. Nigdy jednak nie przystąpił do Aniołów - jak sam mówił, byłby to zamach na autonomiczność i obiektywność opisu. Przyjaźń z nimi i tak skończyła się fatalnie, bo motocykliści skatowali pisarza domagając się udziału w zyskach z książki o nich. Pisarz oczywiście włączył to do swojej kształtującej się legendy banity, pozostającego poza prawem przestępcy i dziennikarskiego bandyty, który nie zna żadnych ograniczeń w opisie Ameryki (i nie tylko).
Ten wizerunek pielęgnują dwie kolejne, najsłynniejsze książki autora - “Fear and Loathing in Las Vegas” i “Fear and Loathing on the Campaign Trail”. Pierwsza z nich wyrosła ze zlecenia, które Hunter dostał od magazynu „Rolling Stone” – miał napisać krótką (250 słów) relację z wyścigów na pustyni niedaleko Las Vegas. Dziennikarz publikował kolejne materiały pod pseudonimem Raoul Duke (takie imię nosi właśnie postać grana przez Johnny'ego Deppa w filmie Gilliama). Według legendy podsyłał do redakcji ciągi niezredagowanych notatek i notorycznie zawalał terminy.
Fabułę książki zna chyba każdy, kto oglądał film - Raoul Duke i Dr Gonzo (alter ego Oscara Zeta Acosty, przyjaciela dziennikarza i autora książki "Autobiography of a Brown Buffalo", zaginionego w tajemniczych okolicznościach w 1974 roku) ma opisać wyścig koło Las Vegas. Para przyjaciół kompletnie jednak rezygnuje z obiektywnego sprawozdania z otaczającego ich, wspomaganego narkotykami szaleństwa, popadając w halucynogenny wir przemocy i szaleństwa.
Dzisiaj "Fear and Loathing in Las Vegas" to swoista definicja stylu gonzo (o którym za chwilę). Książka wydaje się być swoistą rozprawą Thompsona z tradycyjnymi technikami narracji w stosunku do narkotykowo rozpadającej się rzeczywistości, jak i rozliczeniem z ideałami Amerykańskiego Snu i falą kontrkultury lat 70. W nixonowskiej Ameryce, w której upadły wszystkie ideały, można mieć tylko złe tripy - wydaje się głosić powieść, której uniwersalność kryje się jednak w samym testowaniu granic rzeczywistości, linearności zdarzeń i poczytalności świata. Gdy się ukazała, “New York Times” nazwał ją najlepszą książką o dekadzie narkotykowej, zaś kolega Thompsona po fachu, dziennikarz i pisarz Tom Wolfe - palącym, epokowym wydarzeniem. Książka odniosła olbrzymi sukces i z miejsca obdarzono ją mianem kultowej.
Hell's Angels, Orange Hat Drinking (photo by HST, Courtesy M+B Art) |
Drugie dzieło z cyklu “Fear and Loathing” jest zapisem prezydenckiej kampanii pomiędzy Richardem Nixonem a George'em McGovernem. Narkotyczny, chaotyczny gonzo-język, którego Thompson używał w książce o Las Vegas zostaje wykorzystany również tutaj; jednak zamiast kreować szerszą wizję upadku amerykańskiego społeczeństwa, dziennikarz korzysta z niego, aby opisać mechanizmy rządzące polityką tego kraju. “Fear and Loathing on the Campaign Trail”, pomijając oczywiście jej wartości literackie i reporterskie, jest oceniana z perspektywy czasu jako jeden z najbardziej trafnych komentarzy na temat brudnego świata polityki.
Nasz własny obraz świata
Styl gonzo jest tożsamy z Hunterem S. Thompsonem i do dzisiaj pozostaje jego autorskim, literackim konceptem. Pisarz wyrósł z fali nowego dziennikarstwa, której prowodyrem był autor "Próby kwasu w elektrycznej oranżadzie" Tom Wolfe. Stworzył na własny użytek gonzo, nowy literacki podgatunek - styl opisu, który zakładał bezpośrednie uczestnictwo opisującego w wydarzeniach i ich prowokowanie, a nie tylko ich beznamiętną rejestrację. Reporter pisze o wydarzeniach z maksymalnie zsubiektywizowanej perspektywy i może naginać fakty, aby uzyskać mocniejszy wydźwięk całości. Thompson stworzył nowy rodzaj literatury non-fiction, w której zanegował wydawałoby się podstawową kategorię dziennikarską - obiektywność opisu. Jak sam powiedział: Jedyna rzecz, którą widziałem w życiu, która była bliska jakiejkolwiek obiektywności, to kamera wyłapująca złodziei w jakimś supermarkecie w Colorado. Mówiąc inaczej - Thompson zakładał, że jedynym warunkiem oddania prawdy o jakiejś rzeczywistości jest stuprocentowe nasze zaangażowanie w nią i opisywanie jej tylko z naszej własnej, subiektywnej perspektywy.
Nie ma żadnego innego obrazu świata poza naszym własnym - zdawał się mówić. Inna sprawa, że tak potężna osobowość jak Thompson nie mogła sobie pozwolić na klasyczną, dziennikarską nieobecność we własnych tekstach. Gonzo miało pozory chaotyczności, niedopracowania, pisarskiej indolencji - HST podtrzymywał w wywiadach, że pisze z reguły w stanie mocnego odurzenia narkotykowego i alkoholowego, a jeden rozdział "Fear and Loathing in Las Vegas" prawie w całości składa się z niezredagowanej transkrypcji magnetofonowej taśmy, którą Thompson zamiast tekstu rzekomo wysłał do redakcji. Jednak dzisiaj to wszystko wydaje się tak naprawdę bardziej pisarską pozą - pod jego fasadą kryje się dopracowany do granic, perfekcyjny warsztatowo styl i świadome przekraczanie granic dziennikarstwa i literatury. Jak powiedział potem jeden z jego przyjaciół: Thompson mógł mówić, że nie pamięta momentów, w których pisze, ale tak naprawdę potrafił ślęczeć godzinami nad jednym zdaniem.
Hell's Angels, Sonny and Girl with pipe (photo by HST, Courtesy M+B Art) |
Książki i artykuły Huntera sprawiły, że stał się ikoną kontrkultury i jej głównym dziennikarskim rzecznikiem. Wielu młodych ludzi starało się kopiować jego styl i pisania, i sposobu życia, a jak powiedział jeden z jego późniejszych biografów: Jeśli możemy winić Thompsona za coś złego, to za fakt, że na lokalnych zebraniach rady miejskiej zaczęła się pojawiać masa dziennikarskich nowicjuszy, którzy kompletnie nie umieli pisać, ale byli ubrani w hawajskie koszule i palili papierosy przez fifkę.
O 17 lat więcej
Niektórzy mówią, że w latach 80. sława Huntera S. Thompsona, wspomagana przez setki krążących o nim legend i anegdot, zaczęła przygasać. Nic bardziej mylnego. To fakt, że najbardziej znane historie pochodzą z lat 70. - np. wspomniane już pogłoski o jego nieprofesjonalizmie, za którym tak naprawdę krył się perfekcyjny pisarski warsztat. Stał się wtedy postacią niemalże mityczną - takie historie jak ta, że Thompson poleciał na kultową walkę Muhammada Alego z George'm Foremanem do Zairu, ale zamiast ją obejrzeć spędził czas w hotelowym basenie wypełnionym marihuaną, mogły powstać tylko o nim.
W latach 80. skupił się bardziej na dziennikarstwie sportowym, jednak ukazywały się również kolekcje jego mistrzowskich esejów i dziennikarskich tekstów, takie jak "Generation of Swine" (rozprawił się tam z yuppies, nazywając ich pokoleniem grubych portfeli i wątłych karków) czy "The Great Shark Hunt". Potem w latach 90. został publicystą portalu sportowej stacji telewizyjnej ESPN, a opublikowane tam artykuły zostały zebrane w książce "Hey Rube: Blood Sport, the Bush Doctrine, and the Downward Spiral of Dumbness Modern History from the Sports Desk". Jego ostatnim, wieńczącym karierę dziełem pozostaje "Kingdom of Fear" - kombinacja starszego i nowego materiału, pozostająca gorzkim rozliczeniem z USA w czasach wojny z terroryzmem (War on Terror), równie beznadziejnej i ulotnej co wcześniejsza wojna z narkotykami (War on Drugs).
Pomimo szczęśliwego życia, małżeństwa ze swoją sekretarką Anitą (która do dziś prowadzi z ich wspólnego rancza w Colorado bloga "The Owl Farm" oraz zarządza jego spuścizną) Hunter S. Thompson popełnił samobójstwo. 20 lutego 2005 roku pisarz odebrał sobie życie tak jak jego idol, Ernest Hemingway - wsadzając sobie lufę do ust i naciskając spust. W liście pożegnalnym napisał: Nigdy więcej gier, bomb, zabawy, chodzenia, pływania. 67 lat - to 17 lat po 50-tce, 17 więcej niż chciałem lub potrzebowałem.
Thompson żył na granicy, pisał z głębi serca i umysłu. Zawsze będzie pamiętany jako szukający za wszelką cenę prawdy desperat - prawdy, a nie formalnych pozorów dziennikarskiej obiektywności. Pytanie, czy nasze czasy zrodzą jeszcze kogoś takiego w okresie pozornego spluralizowania informacji, w okresie Web 2.0, a z drugiej strony w czasach coraz większej korporacyjnej kontroli? I jeszcze ciekawsze pytanie - co powiedziałby Thompson o Polsce AD 2007? I dlaczego do tej pory żadnej jego książki nie wydano po polsku?
Jakub Żulczyk
Self Portrait in White Whale (photo by HST, Courtesy M+B Art) |
Bursting onto the scene in post-war California with all the subtlety of one of their trademark ‘chopped hogs’, the Hell’s Angels, from the very outset, aimed to misbehave. But because much of the gang’s provenance now lies shrouded in mystery, the strange and terrible saga of the Hell’s Angels can only be said to have truly begun when they inadvertently drew the collective ire of the media in the late fifties and early sixties. Literally overnight, the Angels were transformed from a ragtag group of vandals, miscreants and ne’er-do-wells into a genuine and plausible threat to society. The ensuing moral panic saw a nationwide backlash against bikers as a whole. But rather than destroy the Hell’s Angels, the beat-up became instrumental in consolidating and perpetuating the mythos surrounding the ‘outlaw’ subculture. Regardless of the best attempts of the media and the justice system, it appeared that these anti-social organizations were here to stay.
In 1965, the editor of The Nation offered Hunter S. Thompson the opportunity to pen a short article about the Hell’s Angels. He gladly accepted. Using a mutual friend as common ground, Thompson managed to get closer to the outlaws than any other journalist had previously been allowed – enabling him to cut through the hearsay and slander and really get at the meat of the story. Shortly after his piece (entitled The Motorcycle Gangs: Losers and Outsiders) saw publication, Thompson was again approached. So well received was this article that several different publishers offered to pay him generously to expand his impressions into an entire book. And so began a year of rough living and personal danger for Thompson, who thrust himself willingly into the darkest recesses of the criminal underworld in order to gain a better picture of these so-called ‘one-percenters’.
Hell's Angels, Group (photo by HST, Courtesy M+B Art) |
Hell’s Angels : The Strange and Terrible Saga of the Outlaw Motorcycle Gangs is the product of Thompson’s time amongst the bikers. Part-history, part-interest piece, part-memoir, this eclectic collection of stories provides a fascinating and unparalleled insight into the inner-workings of the Hell’s Angels. Thompson’s frenzied, subversive, stream-of-conciousness narrative style, combined with his remarkably astute (and often amusing) observations make reading Hell’s Angels a joy. But what was most interesting, for me, was the way in which Thompson really tries to get into the outlaw mindset – to truly uncover what makes these men tick. They say that you can never truly know someone until you walk a mile in their shoes. Thompson does exactly that. He dives headfirst into the biker subculture, knowing all-too-well that one minor misstep could land him in the morgue. And, sure enough, it almost does.
Despite my fawning admiration of Thompson’s nobler intentions, I’ll be the first to admit that this book has flaws. As the book progresses, Hunter himself becomes more and more involved in the events he describes. While subtle at first, Thompson slowly blurs the line between journalism and memoir. Before you know it, Hunter is no longer simply recording events, but actually playing a role in the outcome of the action. Whereas Thompson might be seen to write in the New Journalism tradition (due to his focus on the fact that “fiction is sometimes the best truth”) his tendency to take subjectivity to its logical extreme saw cause for his contemporaries to give him a literary genre to call his own. But as a result, Gonzo literature (as it has become known) is largely a hit and miss affair. At its best, the genre allows a reader to glean a rare and keen insight into a secretive aspect of society. But at its worst, we get a liberal portrait of Thompson getting f___ed up with a bunch of people he should be writing about instead.
Hell's Angels, Traffic Stop (photo by HST, Courtesy M+B Art) |
All this drinking, drug-taking and general troublemaking causes Thompson to slowly (but surely) bond with his subjects. As previously stated, the first few chapters of the book have an almost encyclopedic tone, chronicling (in a clear and objective manner) the formation of the first few motorcycle clubs in the aftermath of World War II, the ensuing media frenzy and the inexorable rise of the outlaw biker. Incidentally, Hell’s Angels is most enjoyable in these initial chapters. Rather than calling the shots, Thompson simply lets the action occur around him – allowing him to bring his prodigious writing skills to bear and really drive at the heart of some very complicated issues. But as the book progresses and as he delves ever deeper into the Hell’s Angels strange subculture, Thompson’s voice becomes more and more subjective. This, in many ways, makes sense – it’s not difficult to see that Thompson envies and respects the outlaw lifestyle – and that he wants others to do the same. But in the final chapters of the book, Thompson attempts to defend the Hell’s Angels against the prejudices of his contemporaries. As he does so, the subtle adulation he has borne throughout the book comes bursting to the fore, and Thompson’s writing suddenly takes on this unwanted, almost sycophantic tone. This gets tiresome rather quickly – but nevertheless, Thompson continues his quest to transform the Angels into modern day folk heroes. This, however, comes at the expense of objectivity – for example, the biker’s propensity to gang-rape women as a form of punishment is spared no more than a half-dozen sentences in which Thompson himself hardly seems to care: “Few really look forward to being gang-raped…”, but “it is a definite ceremony, like the purging of a witch”.
But the final (and most irritating) aspect of this book is Thompson himself. Much of the early part of the book consists of him taking shots at other journalists. And much of the latter part is built around Thompson’s life with the Hell’s Angels – not so much the bikers themselves. This is somewhat disappointing, as I thought I had bought a book to read about the Hell’s Angels and instead got some sort of Hunter S. Thompson ego trip.
But despite all my criticisms, despite all my misgivings (and in complete contradiction to the five hundred words I just typed) Hell’s Angels: The Strange and Terrible Saga of the Outlaw Motorcycle Gangs is actually a very good book. As previously mentioned, the thing about Gonzo journalism is that it is a hit and miss affair. But luckily, Hell’s Angels is way more hit than miss. Thompson’s master work may be slightly flawed, but nevertheless it is an unrelentingly interesting glimpse into the seedy world of the Hell’s Angels – and one incredible piece of investigative journalism. (source)
All photos courtesy M+B Art
More about Hell's Angels here
We would like to thanks our friends from Petty Vendetta for the stuff we borrow
Subskrybuj:
Posty (Atom)