2 comments
Posted in , , , ,

Catalogue ‎– Pénétration (1982)


Francuską grupę Catalogue założył w 1979 roku trębacz, wokalista i kompozytor Jac Berrocal, któremu zdecydowali się towarzyszyć w projekcie dwaj dobrze znani we francuskim światku muzyki eksperymentalnej muzycy: gitarzysta Jean-François Pauvros oraz znany z zespołów Lard Free i Urban Sax multiinstrumentalista Gilbert Artman. Album "Pénétration" nagrali na żywo w ciągu dwóch dni podczas pobytu w Szwajcarii, swobodnie poruszając się w rejonach free jazzu, post-punka, no wave i kto wie czego jeszcze. Muzyka nie najłatwiejsza w odbiorze, ale warta poeksperymentowania.


Catalogue is a French music collective formed in the late 70's by Jacques Berrocal; trumpetist, vocalist and one of a kind performer of the French underground scene. Berrocal started his career in the early 70's. His music crosses many genres like free-jazz, rock’n’roll, sound poetry and concrete music. This original and unusual mixture was also the perfect soil for a collaboration with Nurse with Wound in the early 80's. In Catalogue Berrocal is joined by Jean Francois Pauvros; one of the first French guitarists to develop a free and intuitive style that goes across any category. Pauvros has been working with ao. Arto Lindsay, Keiji Haino, Peter Kowald, Joe McPhee and even got proposed by La Monte Young to participate on one of his projects. The meeting of Berrocal and Pauvros was determinating for the cristallisation of Catalogue. They both shared an anarchic vision which was the blueprint for the groups uncompromising existence. Catalogue's first LP "Live in Antwerpen 1978" included several other 'occasional' musicians but the real formation came into existence when drummer Gilbert Artman (of Lard Free fame and mastermind behind Urban Sax) joined in. With this trio Catalogue brought some highly controversial, proposterous and incandescent work; live and on record (cfr.'Penetration' 2LP released by the Suisse label Hat Hut in 1982). Due to this reputation the group didn't fit in any category and thus remained fairly obscure and underestimated till today. (metaphon)
No comments
Posted in , , ,

Piętnastka - Dalia (2011)


Piętnastka to projekt Piotra Kurka, „zrodzony z miłości do rzeczy starych i tajemniczych”. To jedno z najciekawszych zjawisk, jakie pojawiły się na scenie kasetowej. Kaseta „Dalia”, wydana w 2011 przez Sangoplasmo, zawiera psychodeliczne, senne soundscape'y, pulsujące podskórnym napięciem pod warstwami nostalgicznych, baśniowych miraży. W muzyce Piętnastki wpływy minimal music i zelektryzowanego folku łączą się, budując osobliwie lokalną odmianę hauntologii. (unsound)



The first release for Polish composer Piotr Kurek under the Piętnastka moniker, Dalia is a cassette jam-packed with disarmingly simple synth melodies and liquescent intrigue. Kurek will be familiar to Digitalis fans through his Heat release from last year, but whereas that tape zoned out in a psychedelic haze of cosmic wooze, Dalia is an altogether more playful affair. The short pieces on offer here are like miniature soundtracks to a child-goes-adventuring movie but never come across as childish. Despite their apparent simplicity, there are dark undertones to a lot of these vignettes that bring to mind the more foreboding fairy tales — Hansel and Gretel maybe, but especially The Pied Piper in which a man leads first rats and then children to their deaths by having them dance to his tune. There’s an almost hypnotic quality to Piętnastka’s music that is evocative of the effect a pipe supposedly had on the rats and children and when each track nears an end and layers itself up to a frenetic finale the feeling of having reached some kind of perilous nadir without ever having recognised it was possible becomes suddenly, spookily apparent. ‘Czterdzieoci Cztery’, for example, has a repetitive computer game refrain which seems to simultaneously calm and coax the listener and ‘Noakowski’ takes its plods along like a digitised version of Edvard Grieg’s ‘In The Hall Of The Mountain King’, a piece of music I’ve always found eerily stirring despite having never seen Peer Gynt and its cast of trolls and goblins. Kurek’s song is most likely named for the artist Stanisław Noakowski, who painted his fair share of imposing houses on hills that cry out for a Tin Tin to go and explore. The tone of the cassette is something akin to what you’d expect from a Ghost Box release in the way they use musty kitsch to invoke uncomfortable feelings of nostalgia but Kurek, for my money, is far more successful and he makes it seem effortless. Dalia is a dangerously enchanting piece of work. (foxydigitalis)
1 comment
Posted in ,

Jurij Norsztein

To bez wątpienia jeden z najciekawszych i najoryginalniejszych twórców światowego kina. Nigdy nie kończył żadnych szkół filmowych, a trudnej sztuki animacji uczył się na planie, w moskiewskim studiu Sojuzmultfilm, podglądając pracę innych. Zadebiutował w 1973 roku i do tej pory zrealizował.. cztery i pół filmu: “Lisa i zająca” (1973), “Żurawia i czaplę” (1974), “Jeżyka we mgle” (1975), “Bajkę bajek” (1978) i fragment “Szynela”, których łączny czas projekcji wynosi 84 minuty (była jeszcze nakręcona wspólnie z Vano Iwanowem w 1972 roku 20-minutowa “Bitwa pod Korzencami” i “25 października, pierwszy dzień” z 1968 - krótki hołd złożony rosyjskiej awangardzie).

Podczas Olimpiady Animacji w Los Angeles (1984) “Bajkę bajek” uznano najlepszym filmem animowanym w dziejach kina. Od 1981 Norstein roku pracuje nad pełnometrażową ekranizacją “Szynelu” Mikołaja Gogola. Fragmenty tego filmu, które pokazał na kilku festiwalach, skłaniają do przypuszczenia, że powstanie arcydzieło. Jeśli powstanie, praca nad “Szynelem” trwa bowiem już blisko ćwierć wieku.

Kino Jurija Norsteina imponuje rozbuchaną wyobraźnią, oryginalną plastyką, pełnym poezji i nostalgii nastrojem, który tworzy wspaniale zespolona z obrazem wysublimowana ścieżka dźwiękowa, a także realizacyjną, dbałą o każdy najdrobniejszy detal perfekcją. (kinoskop)


Born to Jewish parents and raised in a Moscow suburb, Yuriy Norshteyn painted as a hobby and trained as a carpenter before studying animation. He directed his first film in 1968 and made a series of short films notable for their attention to atmosphere and fine detail, using a multiplane camera to create the illusion of three-dimensional depth. His 1979 film, 'Tale of Tales' was acclaimed by a panel of international animation experts as the best animated film of all time. Since then, he has worked on an adaptation of Gogol's 'The Overcoat', which has been beset by production and funding problems.
3 comments
Posted in , , ,

Kawabata Makoto - Inui 2 (2000)


Tym razem lider i naczelny wizjoner freakowej japońskiej formacji Acid Mother's Temple (znany także z grup Mainliner oraz Musica Transonic) prezentuje się nam w solowym projekcie o charakterze zdecydowanie mniej psychodelicznym niż mocno "zakwaszone" wycieczki jego sztandarowej grupy. "Inui 2" przynosi materiał zorientowany bardziej minimalistycznie i utrzymany w dość zwiewnej aurze kontemplacyjno-medytacyjnej, ożywianej etnicznymi wtrętami, nawiązującymi do dronowego wymiaru muzyki azjatyckiej. Makoto sam obsługuje tutaj wszystkie instrumenty, których mamy dość pokaźną liczbę: sarangi, akustyczny i elektryczny sitar, wibrafon, wiolonczelę i skrzypce, a także gongi oraz elektroniczne rozmaitości. W efekcie otrzymujemy cztery dość statyczne kompozycje, osadzające muzykę Makoto bardzo silnie i wyraziście w tradycji La Monte Younga i Tony'ego Conrada oraz, rzecz jasna, w rodzimym - dalekowschodnim dziedzictwie muzycznym japońskiego ekscentryka. Trudno się przy tym oprzeć wrażeniu, że jest to jedna z najbardziej udanych produkcji Kawabaty, bardziej ascetyczna i osobista niż osławione "psychowojaże" Acid Mother's, a zarazem objawiająca nieco bardziej organiczne i ludzkie oblicze elektroakustycznych eksperymentów dźwiękowych sceny japońskiej. Płyta jest ze wszech miar godna uwagi. Zachęcam i, żeby jednak pozostać wiernym psychodelicznej tradycji Makoto, życzę: Have a good trip. (vivo)


Makoto Kawabata (listed here as the reverse) is the principal guitarist in Japanese hard psychedelia (psych-o-delia is more like it) Acid Mother's Temple, a band with a small but fanatical following who have played the U.S. sporadically and always done decibel damage to the hearing of their listeners. This solo album by Kawabata is not another exercise in Japanese power rock, but something else entirely, perhaps from another world. With a background in folk, world, solo guitar improv, and electronic musics, Kawabata offers us a solo set of four droning, meditative, improvised recordings using 12 different instruments, including electronics and water -- and no guitars -- to create a kind of improvised dream music. Performed solo on violin, kemenje, zurna, sarangi, taiko, gong, water, bouzouki, cello, vibes, organ, and sitar, these four tracks that encompass the CD's 40 minutes are equal parts delicately floating and heavily droning. "Shi" is the most notable track, with the bouzouki as its centerpiece, and employing the use of a cello, vibraphone, and organ to create atmospherics and textures with, the track offers a modal melodic frame, and a repetitive inner structure to strike a balance between the material and ethereal worlds using nothing more than tonal sketches to bring out the bouzouki's timbral elegance. Other tunes, such as the 12-minute "Meii" are freer, less given to repetition and more to oblique strategies involving the textural considerations of water and gongs, as well as old-world Japanese instruments. This is a deeply mysterious and satisfying recording that would not be out of place on the shelf with Terry Riley, Tony Conrad, LaMonte Young, or John Cale's '60s experiments, nor would it be remiss to say that fans of Japan's other psych-folk unit, Ghost, would enjoy this as well. (allmusic)
1 comment
Posted in , , , , ,

The Pentangle - The Lost Broadcasts (1968-1972)


Bert Jansch - acoustic guitar, vocals
John Renbourn - guitars, sitar, vocals
Jacqui Mc Shee - vocals
Danny Thomson - double bass
Terry Cox - drums, percussion, glockenspiel, vocals

As I was saying in my other review about the BBC sessions, The Pentangle made frequent BBC appearances from 68 to 72 and this Hux record release numbers them up to 40 in just four years, although some are not documented well to say the least. This double Cd does not pretend to have all of them or even having access to the original tapes of these sessions, because most recordings of these are simply lost or have been taped over (this was fairly frequent back then).

Generally I rave about BBC materials that have been released over the years as they are generally of much interest and of good sound quality. If the interest part of this particular release is still evident (although there is a previous release existing that includes some of the tracks here), the sound quality is sometimes really not worthy of an official release, no matter the risk of bootlegging or the fans being desperate for them. Unlike most Hux release (I insist on this "Unlike"), this album is really of poor quality for a big percentage although there is nothing really shameful either. Just the fact of buying this double album for the full price may seem a bit harsh compared to the usual expectations one has grown accustomed to with Hux or its predecessor.

From the 40 sessions itemized in this booklet, a good deal of them is not included even in part, because the tapes are non-existent, some are duplicate/repeat broadcasts, some were patchy and the band not in full stride, but there are some real interesting tracks selections that the group played regularly live but never presented anywhere on record before: from my estimation there are about ten tracks never available including three of the first five tracks and another four in the next seven on the first disc.

However even for the fan I am, I found that this release was a little too shoddy, and a stricter selection to bring down the content to only one disc might have been a good idea, especially if, like me, you own the other BBC sessions that were not quite perfect either. For confirmed fans only. --- Sean Trane
2 comments
Posted in , , , , ,

Rock garażowy (60's garage / garage punk)

Rock garażowy jest stylem muzyki gitarowej, który wyodrębnił się z rock'n'rolla i rhythm'n'bluesa na początku lat '60. Jako osobne zjawisko muzyczne został jednak dostrzeżony dopiero na początku lat '70 przez Lenny'ego Kaye'a, późniejszego gitarzystę Patti Smith Group oraz Jaca Holzmana – założyciela Elektra Records.

Pasją obu gości były niedoceniane zespoły z połowy lat '60, więc gdy epoka się skończyła, zaczęli we współpracy przegrywać z winyla na taśmę swoje ulubione kawałki z rzadkich i mało znanych albumów z tego okresu. Efektem stała się klasyczna składanka The Nuggets (1972), wydana na dwóch winylach przez Elektrę w 1972. Kompilacja uformowała zręby percepcji rocka garażowego wśród fanów, muzyków i dziennikarzy muzycznych, ale sam termin wszedł do powszechnego użytku dopiero na początku lat '80. Paradoksalnie, termin punk rock został stworzony wcześniej, w 1971, przez Dave'a Marsha, dziennikarza amerykańskiego magazynu Creem na określenie muzyki grupy ? & The Mysterians – znanej z wielkiego przeboju 96 Tears – która dzisiaj jest uważany za typowy skład garażowy.



Punk garażowy można bez większych sporów uznać za kontynuację sceny surfowej – nie tylko w sensie muzycznym, ale także kulturowym, gdyż styl od samego początku apelował do lokalnych gustów asymilując popyt na gitarowe przeboje taneczne, choć gotując je we własnym, amatorskim sosie. Gatunek wykształcił się przede wszystkim jako styl grania młodych, niedoświadczonych muzyków (często nastolatków) i był przeznaczony do odbioru przez tą samą grupę wiekową, co w konsekwencji dało początek młodzieżowym scenom garażowym na całym świecie. Z małymi wyjątkami zachowały one swoją lokalną specyfikę i brzmienie aż do końca lat '60, kiedy styl został zepchnięty przez rock psychedeliczny, hard rock i rock progresywny.

Na bardzo wczesny przykład rocka garażowego, który znany jest powszechnie jako frat rock, można wskazać w roku 1961, gdy grupa Rockin' Robin & The Wailers, pochodząca z Tacoma (okolice Seattle) nagrywa przeróbkę czarnego, rhythm'n'bluesowego kawałka Louie, Louie autorstwa Richarda Berry'ego. Ich wersja okazuje się lokalnym hitem, a przebój w efekcie dociera do innych części Stanów Zjednoczonych, gdzie w okresie 1963-64 chwytają go na warsztat takie grupy, jak Paul Revere & The Raiders, The Kingsmen, The Pyramids i wiele innych. Kluczowy dla gatunku jest właśnie rok 1964, kiedy wiele grup surfowych z obszaru Stanów Zjednoczonych porzuca granie wyłącznie utwórów instrumentalnych i rezygnuje powoli z przepuszczania gitar przez reverb Fendera decydując się brzmieć prościej i bardziej surowo.



W lutym 1964 w Stany Zjednoczony uderza jednak bomba – Brytyjska Inwazja, która zaczyna się oficjalnie od występu The Beatles w programie Eda Sullivana. Zespół okaże się ważną inspiracją dla wielu młodych muzyków, choć nie tyle w kwestii brzmienia, co raczej wizualnego stylu, jako że muzycznie garaż zdobędzie ważniejszą inspirację w postaci pierwszych płyt bardziej zadziornych zespołów blues rockowych tj. The Yardbirds, The Rolling Stones, Them czy The Animals. Grupy te wskazują Amerykanom (jak też Europejczykom) nowy kierunek w muzyce głównie poprzez wykorzystanie awangardowych, jak na swój czas, technik gitarowych i zachrypniętych, szorstkich wokali, będących odzwierciedleniem prostego charakteru angielskiej czy irlandzkiej klasy robotniczej, z której wywodzili się muzycy. W sierpniu 1964 sami Brytyjczycy są także świadkami narodzin wielkiej gwiazdy garażowej na własnym terytorium. Chodzi oczywiście o The Kinks, których znany klasyk You Really Got Me został zaaranżowany w oparciu o trzyakordową strukturę Louie, Louie.

W tym punkcie można wskazać na dwie gałęzi rozwoju rocka garażowego w USA, które w ciągu zaledwie dwóch lat mają jednak ulec powszechnej homogenizacji i zlać się w jedną całość na całym świecie. Pierwszą z nich jest gałąź surfowo/hot rodowa, reprezentowana przez grupy z Kalifornii, Indiany, Colorado i Minneapolis tj: The Pyramids, The Rivieras, The Trashmen, The Astronauts i The Surfaris oraz wiele innych zespołów, które wydały jednak zaledwie kilka singli 7" i nie miały większego wpływu na kształtowanie się stylu. Drugą jest gałąź rhythm'n'bluesowo/rock'n'rollowa, rozwijana przede wszystkim w kolebce stylu, w stanie Washington, przez pionierów z The Wailers oraz ich wychowanków The Sonics. Warto także wspomnieć o The Barbarians ze Wschodniego Wybrzeża, którzy brzmieli pod koniec 1964 równie ciężko jak The Kinks i posiadali ciekawy, proto-punkowy image.

Sukces wszystkich z nich został jednak wkrótce przebity przez masową popularność dwóch kapel z Oregonu: The Kingsmen oraz Paul Revere & The Raiders, które bazując na tych samych czarnych standardach i rock'n'rollowej energii zmiękczyły brzmienie i za sprawą odpowiedniego kierownictwa scenicznego dodały proste elementy choreografii oraz barokowe kostiumy. Drugi z nich miał się również przyłożyć do stworzenia mutacji stylu – garażowego popu. Ten zwrócił jednak swóją przystępnością uwagę mediów na energię rodzimej sceny i pozwolił wypłynąć wielu innym zespołom rok czy dwa lata później, kiedy siła Brytyjskiej Inwazji sama się wyczerpała. Trzeba dodać, że w tym samym okresie, w Kalifornii i Teksasie kształtował się rock psychedeliczny przynajmniej po części mający swoje korzenie w graniu garażowym. Najlepszym przykładem jest zespół The Spades z Rokym Ericksonem na wokalu/gitarze, którego chropowaty, postbluesowy utwór You're Gonna Miss Me stał się w końcu jednym z pierwszych przebojów psychedelicznych.



Lata 1965-66 to okres klaryfikacji stylu, kiedy osiągnął on najwyższą popularność i stał się właściwie wszechobecny na wszystkich kontynentach. Właśnie w połowie 1965 The Sonics nagrali swój pierwszy LP dla Etiquette – legendarny, buzujący przesterem Here Are The Sonics. W tym samym okresie swoje skrajne eksperymenty muzyczne zaczęli też w Niemczech The Monks nagrywając niewiele później swój wielki album Black Monk Time (1966). Zmasowany atak prymitywnego rytmu na dwa, krzykliwych, drapieżnych wokali, ciężkiego basu i przesterowanej gitary był fuzją, która w połowie lat '60 nie miała precedensu. Co bardzo ciekawe, The Monks mieli okazję koncertować w 1967 z The Jimi Hendrix Experience w Niemczech, w Kiel, w klubie Star Palast rozgrzewając publikę przed głównym występem, inspirując samego Jimiego Hendrixa do skrajnego wykorzystania feedbacku gitarowego! Także w Polsce grało w tym czasie kilka grup garażowych, do najpopularniejszych należeli Polanie.

Innymi dzikusami byli Zakary Thaks, pochodzący z małego miasteczka Corpus Christi w Teksasie. Grupa nigdy nie nagrała albumu, ale za to wiele fantastycznych singli 7", wśród których znajdziemy m.in. prymitywistyczny Bad Girl / I Need You. Pierwszy kawałek to pędzący w niemal punkowym tempie, równo zagrany rocker, wykorzystujący charakterystyczną monadę rytmiczną. Do tych rzeźników należy jeszcze dodać kalifornijskich The Music Machine, których przebój Talk, Talk należy do najciekawszych kawałków garażowych wszech czasów z pędzącą perkusją, piękną partią gitary i eksperymentalnym wokalem. Zespół nagrał również bardzo nietypową wersję Hey Joe. Trzeba także obowiązkowo wspomnieć o The Sons Of Adam – grupie Randy'ego Holdena utworzonej w 1965, która zaledwie rok wcześniej znana była jako surfowe kombo The Fender IV. Zespół zarejestrował jeden z cięższych kawałków garażowych tego okresu: Feathered Fish.



Pomimo tego, że rock garażowy rzadko przejawiał wysoką kreatywność muzyczną w sensie kompozycyjnym, a technicznie bardzo kulał w stosunku do surfu – choć obydwa style były rozwijane głównie przez młodych zapaleńców – zespoły te do perfekcji doprowadziły w krótkim czasie minimalizm aranżacyjny i surowość brzmienia. To sprawiło z kolei, że styl z powodu swojej przystępności stał się najpopularniejszym, amatorskim kierunkiem muzycznym w Stanach Zjednoczonych, który długo miał królować na scenach lokalnych. Garaż był więc niezwykle twórczy w tym sensie, że wprowadził powszechną wrażliwość muzyczną opartą jedynie na zapale, bez jakiegokolwiek przygotowania technicznego i wiedzy teoretycznej. I tutaj należy właśnie upatrywać siły rocka garażowego, którą przejmie później punk rock!

Gatunek zaczął się raptownie wyczerpywać dopiero około 1968-69, kiedy zbiorową wyobraźnię miały opanować proto-prog i hard rock w stylu Spirit, Steppenwolf, Spooky Tooth, Led Zeppelin, Pink Floyd i Iron Butterfly, które zrywały z psychedelicznym pędem do szaleńczej improwizacji zamiast tego proponując matematycznie niemal zaaranżowane, quasi symfoniczne kompozycje. Rock garażowy miał wprawdzie przeżyć jeszcze kilka lat w Detroit, gdzie był wciąż szlifowany przez grupy MC5 oraz The Stooges, które stworzyły samodzielnie kolejną mutację stylu – proto punk. Wkrótce problemy z twardymi narkotykami podniszczyły jednak obydwie z nich, co miało katastofalne skutki dla samej sceny! The Stooges przetrwali wprawdzie bardzo długo jako nazwa, ale nowy skład z połowy lat '70 nigdy nie dorównał poziomowi debiutu z 1969 – choć grupa gra do dzisiaj i pozostaje pewnego rodzaju kuriozum (niektórzy w ogóle nie wiążą jej z punkiem garażowym).



Na gruzach sceny garażowej z Detroit – około 1972-73 – narodził się nowy styl: punk rock (The Punks, The Dogs). Gatunek miał się bardzo szybko ukształtować, ale nie za sprawą zepchniętej wkrótce na bok sceny z Motor City, lecz nowojorskiego zespołu The Ramones, którego członkowie sami grali garaż jeszcze kilka lat wcześniej jako Tangerine Puppets, choć po działalności grupy nie pozostał nawet singiel. The Ramones stali się popularni w Europie po wydaniu swojej pierwszej płyty w 1976, a reszta jest historią. Rock garażowy jest dzisiaj uważany przez ekspertów za klucz do łańcucha rozwoju muzyki gitarowej łącząc ze soba bezpośrednio rock'n'roll lat '50 z punk rockiem lat '70. W latach '80 styl przeżył pierwszy renesans (garage revival), a obecnie mamy do czynienia z nową falą zainteresowania, która zdaje się jedynie przybierać na sile!

Conradino Beb

Źródło: Magazyn Magivanga
1 comment
Posted in , , , ,

Sunburned Hand of the Man - Headdress (2002)


Amerykański zespół Sunburned Hand of the Man został założony przez ekipę frików w 1997 roku w Bostonie. Są nad wyraz płodni wydawniczo bo ich dyskografia na dzień dzisiejszy obejmuje już ponad 70 pozycji! Rejestrują chyba wszystkie swoje muzyczne pomysły i w rezultacie tego na płytach ukazują się często brzmienia strawne w głównej mierze tylko dla zagorzałych fanów tego wieloosobowego kolektywu. Zdarzają się jednak albumy bardziej dopracowane i przystępne, jak chociażby Jaybird, Headdress, No Magic Man, Rare Wood czy Fire Escape i to raczej od tych nagrań z grubsza polecałbym przygodę z ich twórczością. Nie ma większego sensu wrzucać grupy Sunburned Hand of the Man do konkretnych stylistycznych szuflad. Słychać, że mają niezłą zabawę ze swojego improwizowania a muzyka, którą tworzą to jeden wielki eksperyment, pełen wciągających dźwięków pływających swobodnie gdzieś w psychodelicznych przestrzeniach.


Sunburned Hand of the Man is an experimental band from Massachusetts that formed in 1997 from the remnants of the Boston psychedelic punk trio Shit Spangled Banner.

Sunburned Hand of the Man has an amorphous lineup, with composition and instrumentation potentially varying from gig to gig. Their work is improvisational within a structured framework, so no two performances of a piece are identical—they may not even have the same title—but the piece evolves and each version may be seen as a growth from the prior version.

They release records on the Eclipse Records label, as well as a number of smaller labels, and produce a great number of limited edition albums on CD-R via their own Manhand label. In 2005 the band toured the United States to play Arthurfest in Los Angeles with Magik Markers. Many regard Sunburned Hand of the Man as contributors to the New Weird America folk revival. (lastfm)
2 comments
Posted in , ,

Mighty Baby - Tasting The Life (Live 1971)


Mighty Baby - to brytyjski zespół powstały na bazie innej grupy - The Action. The Action grali początkowo melodyjny pop, który z biegiem czasu skłaniał się coraz bardziej ku brzmieniu amerykańskiemu. Wzbudzili nawet zainteresowanie słynnego Georga Martina - producenta The Beatles. Około roku 1968 nazwa została przemianowana na Mighty Baby chociaż nie podobała się muzykom, którzy zaczęli interesować się magią i okultyzmem, co znalazło wyraz na pierwszej płycie nagranej dla wytwórni Head w 1969 roku. Stylistycznie nawiązywała ona do dokonań Led Zeppelin, a nawet Grateful Dead (!), co było rzadkością na Wyspach. Brzmieniowo był to psychodeliczny progressiv z elementami jazzu i folku. Pierwszy longplay przeszedł kompletnie niezauważony przez krytykę chociaż zawierał bardzo interesujący i oryginalny materiał. Taki obrót sprawy "zdołował" muzyków na ok. 2 lata. W 1971 roku grupa podpisała kontrakt z legendarną wytwórnią Blue Horizon i nagarała dla niej drugą płytę zatytułowaną "A Jug Of Love". Ta nie podobała się już nawet samym muzykom i faktycznie zawierała jakiś miałki i nieprzekonywujący materiał. Zaraz potem grupa rozpadła się.


Mighty Baby were a British rock group that existed from 1969 to 1971 and released only two albums, but the band's reputation has grown exponentially in the intervening years. Nowadays, Mighty Baby is sometimes compared to The Grateful Dead. Although the two long players the group produced -- 1969's self-titled debut and 1971's A Jug of Love -- hint at the band's potential, live recordings of Mighty Baby are rare. Tasting The Life includes the most complete live set in existence, opening for British prog-rock also-rans Quintessence in 1971. It's as crucial a historical document as it is an enjoyable listen for fans of expansive classic rock.

In 1971, archival-quality portable recording devices weren't available to the average concertgoer. As such, Tasting The Life is a low-quality affair by contemporary standards. However, the passion of the playing transcends the admitted technical limitations of the recording. My ears adjusted after a few minutes of listening to the tinny sound, and I was able to enjoy the music. Sticklers for fidelity may not be able to overcome the sonic shortcomings of Tasting The Life, but that would be their loss.

Opener “Egyptian Tomb” is a relaxed but compelling introductory jam. A few more serviceable tracks intervene before Mighty Baby launches into the main event with “India,” a 20-minute-plus flute-driven epic that comes off like an earthier Jethro Tull, but without any of that group's occasionally bombastic baggage. “India” is a song to get lost in, transmitted not just from the historical past but from another universe entirely. The live set concludes with “Going Down To Mongoli,” a relatively brief rocker that shows a tighter, bluesier side of Mighty Baby.

Tasting The Life includes two bonus tracks, both recorded live at Glastonbury in 1971. “Lazy Days” is a poor-quality, truncated take on the Flying Burrito Brothers classic, but “A Blanket In My Muesli” is a gem. Pushing the 15-minute mark, the track is a constantly evolving jam in the classic sense, but it never digresses into indulgence, recalling the taut live workouts of Cream. It is with this track and “India” that the enthusiasm Mighty Baby has enjoyed from devoted students of obscure progressive rock for years is most obvious. (Max Burke)
2 comments
Posted in , , , ,

Sigillum S - Bardo Thos-Grol (1987)


Sigillum S to trzyosobowy projekt założony zimą roku 1985 w Mediolanie przez Paolo Banderę, Lukę Di Giorgio i uwaga, bo to postać najbardziej znana - Eraldo Bernocchiego. Z przerwami funkcjonuje do dziś, choć najaktywniejszy i najważniejszy okres w dziejach tej grupy przypadł na przełom lat 80. i 90., kiedy to wydali kilkanaście, w przeważającej mierze własnym sumptem, albumów będących nierzadko zapisem ich występów na żywo. Bardo Thos-Grol jest bodaj najważniejszym świadectwem tamtego burzliwego i chyba efemerycznego okresu poszukiwań własnej, oryginalnej formy i tożsamości muzycznej. Pierwotnie Bardo Thos-Grol ukazało się w 1987 roku na kasecie, w numerowanym limicie 108 sztuk, cztery lata później wznowione na CD, także w ograniczonym nakładzie, tym razem do 1080 sztuk, również numerowanych. Z tego wydania korzystam. Tytuł płyty oznacza Tybetańską Księgę Umarłych, która dla Bernocchiego i jego kompanów stanowiła podstawowe źródło inspiracji, a dla samej muzyki nań zawartej ideologiczne przesłanie i zarazem klucz do zrozumienia pełnej struktury tych pierwotnych sygnałów. W tradycji tybetańskiej Bardo Thos-Grol miała charakter tekstu hermetycznego, który był odczytywany i interpretowany zmarłemu wyłącznie przez odpowiedniego nauczyciela. Bardo Thos-Grol w wydaniu Sigillum S to nic innego jak próba zrozumienia całego procesu umierania i intersemiotycznego przełożenia go (wszak przekład jest najdoskonalszą formą interpretacji) na język muzyki. Jest ona szalenie hipnotyzująca, strukturalnie oparta, na dobrą sprawę, na kilku stale powtarzanych elementach, głownie instrumentach typowych dla muzyki plemiennej. To ustawiczny, posuwający się naprzód namysł nad skromną i ograniczoną materią dźwiękowa. Powtarzanie służy tutaj skupieniu słuchacza oraz uwolnieniu i recepcji potencjału jaki zawarty jest w pierwotnym sygnale.

Do penetrowania tajemnicy śmierci zaprasza Dharmaraja - oddalając tego, który umiera od ludzkich emocji związanych ze śmiercią, czy mówiąc szerzej wszystkich pięciu aspektów zmysłowych i intelektualnych związanych z postrzeganiem świata (Skandha), rozpoczyna wtajemniczanie. Już po około 10 minutach Sigillum S walczy z koszmarnymi zjawami, to znów oddala błogie sny, kolory swiatłosci – wszystko to, co jest produktem naszej własnej jaźni, jej tajemnych energii. Ścisłej biorąc, emanacjami, projekcjami jej obaw, leków, skłonnosci, pasji, dążeń, kompleksów, pragnien i neuroz – krótko mówiąc wszystkiego, co stanowi treść rożnych warstw, w tym i tych najgłębszych, naszej podświadomości (Snang-Ba Yab La Stong-Pa Yum). Umierający, odrodziwszy się w dobrych sferach bytu, spotyka się z oświeconą nauką Buddy, najpierw dostrzegając jego widzialne ciało (Nirmanakaya), później doznając przyjemności z tego obcowania i wiedzy (Sambhogakaya). Zakończenie tej płyty przynosi dużo spokoju i wyciszenia - wszak umierający otrzymuje od swojego guru bóstwo opiekuńcze, które idealnie odbija się w jego psycho-fizycznej strukturze (Yidam). Napełnia go to ufnością, roztapia się w niedwoistości i osiąga stan Buddy.

Podsumowując, Bardo Thos-Grol jest w gruncie rzeczy dziełem intersemiotycznym, którego recypowanie w ograniczeniu wyłącznie do samej, wąsko pojętej muzyki nie ma, moim zdaniem, większego sensu. Ta płyta wymaga bowiem szerszego kontekstu, stale odnoszonego i komplementarnego do samego dzieła jakim są poszczególne dźwięki. Wtedy objawi ona swoją pełnię. To jest prawdziwe dzieło rytualne, nie tylko sama muzyka. (masterful-magazine)



The project Sigillum S was created on 23 December 1985. It has had, since the beginning, the aim to be totally against the logic of the "band". It was conceived as an open structure in which people could work and research different subjects.

Formed by Eraldo Bernocchi (guitars, electronic treatments, voice, and programmation) Paolo Bandera (electronic treatments, bass, and voice) and Luca Di Giorgio (keyboards), the project has always been a double faced creature, mixing together on the same level precise ritual and ethnic aspects with a noisy music.

Since the beginning, Sigillum S had as path to be followed the knowledge and the total war against any kind of limit or taboo, refusing any kind of relationship with political/religious structures. During the first 10 years they toured quite extensively through all Europe and Canada, taking on stage a multimedia attack based on videos, slides and artworks used as a part of the stage.

Having pared down along the way to consist of only Eraldo and Paolo as core members, they collaborated with different groups in different situations, like: Ain Soph, The Sodality, Gerstein, Iugula-Thor, Dive, Outoff Body Experience, the sculptor Milo Sacchi, the multimedia/artist PM.Koma and many others.

After a slew of releases through their first 15 years, they released the album Abstraction on Daft Records. This proved to be their last release for a number of years. In 2007, Verba Corrige announced the completion of 23/20, a celebration of the history of Sigillum S. The release was done in two different formats (Digipak CD and gatefold vinyl) featuring different track lists and sequences for each. The release featured all new material and collaborations with artists such as Toshinori Kondo, Bill Laswell, SH Fernando/WordSound, Prof. Shehab/Baboon Records, Martino Nicoletti, Lorenzo Esposito Fornasari, the band Zu, Xabier Iriondo, Ephel Duath, various members of Crisis, Mark Solotroff, Thomas Fehlmann, Gudrun Gut, Andrea Marutti, Claudio Agostoni, and many others. (wikipedia)
2 comments
Posted in ,

Love - Live In England (1970)



After the masterwork Forever Changes (1968) failed to make a sizable impression on North American audiences, Love mainstay Arthur Lee (lead vocals/guitar) disbanded the lineup that had also featured John Echols (guitar), Bryan Maclean (guitar/vocals), Ken Forssi (bass), and Michael Stuart (percussion). He then regrouped along with Gary Rowles (lead guitar), Frank Fayad (bass), and George Suranovich (drums). It took nearly a year of woodshedding tunes before Love was miraculously resurrected. This single disc captures the latter incarnation during their first foray across the Atlantic while on the road promoting Out Here (1970). The contents were gleaned from shows at the Waltham Forest Technical College (February 27), the Roundhouse in London (February 28) and at Lanchester Polytechnic in Coventry (March 5). All the material on the nearly hour-long disc is previously unreleased, although the Waltham Forest gig would turn out to be the source for "Stand Out" on the False Start (1970) album. The 11 songs span Love's five studio LPs. "Signed D.C." gets two nods for having been a key component of their 1966 eponymously titled collection and then a bluesy overhaul from the aforementioned Out Here. The remarkably high octane "My Little Red Book" -- which is announced as "My Little Red Crook" -- maintains much of the manic energy of the original. Lee is painfully off-key throughout "Orange Skies" -- the sole Da Capo (1967) era offering. The band make up for it with a tight arrangement that substantially serves the performance. Equally well-received are the Forever Changes (1968) sides "Andmoreagain," as well as Gary Rowles' wah wah fest with the nifty and funky take on "Bummer in the Summer" -- both of which are undeniable highlights here. Understandably, the recent material is likewise plentiful with the driving rockers "August," "Nothing," and the extended jamming on "Singing Cowboy" being prime examples from Four Sail (1969) of the heavier sound Lee was obviously aiming for. Nowhere is that as evident than on the practically seven-minute proto-metal workout given to "Signed D. C." Love smolders to an energetic conclusion with one last Out There entry, "Love Is More Than Words or Better Late Than Never." Judging by the ferocity and inspiration unleashed by Rowles, Fayad, and Suranovich they could give any power trio of the day a run for their money. --- Lindsay Planer

1 comment
Posted in , ,

Träd, Gräs Och Stenar (1970)


Szwedzki zespół Träd, Gräs Och Stenar (w polskim tłumaczeniu - Drzewa, Trawa i Kamienie) został założony latem 1969 roku i była to kontynuacja psychodelicznych poczynań zespołów Pärson Sound, International Harvester oraz Harvester. Grupa przetrwała zaledwie dwa lata, wydając jednak w tym czasie aż cztery albumy, dwa studyjne i dwa koncertowe. Debiutanckie wydawnictwo zawiera dwa covery, utwór Dylana "All Along the Watchtower" oraz "I Can't Get No Satisfaction" Rolling Stones, pozostałe cztery utwory to już ich własne pomysły, zagrane w charakterystycznym dla nich psychodelicznym klimacie. Po rozpadzie w 1972 roku zespół okazjonalnie koncertuje na kilku imprezach i dopiero w latach dwutysięcznych wydaje dwa kolejne albumy z nowym materiałem.


With their trance-evoking mix of psychedelic blues-rock and folk music, Träd, Gräs och Stenar (Trees, Grass and Stones) played a central roll in the development of progressive rock in Scandinavia in the early '70s. They were also one of the biggest, and best-sounding, examples of the idea that the audience should participate in the music. Träd, Gräs och Stenar was formed in 1969 by drummer Thomas Mera Gartz, bassist Torbjörn Abelli, cellist Arne Ericsson, and guitarist Bo Anders Persson, remnants of International Harvester, and released a self-titled debut album in 1970. That same year they wrote the music for the film Du Gamla du Fria but remained mainly a live band. Not only did they perform better live than on record -- they even had a program that pointed out live interaction with the audience as the main purpose.

Träd, Gräs och Stenar stood for a union of art with politics and artists with the audience. Practically, that resulted in concerts where the audience took part in the music, as can be heard on Spela Själv. This was also one of the ideas behind the illegal festivals at Gärdet that the band initiated. Guitarist Jakob Sjöholm joined in 1970 and the first few years of the decade came to be very productive for Träd, Gräs och Stenar. They toured throughout Scandinavia, took part in various festivals, events, and protests, and released the live LPs Djungelns Lag and Mors Mors in 1971 and 1972, both having grave sound problems. The studio album Rock För Kropp Och Själ, with its 20-minute title track, was released in 1972. Feeling dwindling support for their idea of organic art anarchism and reportedly also having problems with the police because of the amount of drugs at their concerts, they decided to disband later the same year.

In 1979 Träd, Gräs och Stenar reunited, now including poet Thomas Tidholm, who had been a member of International Harvester in the '60s, and during 1980 and 1981 they toured under the name T Gås. If this reunion wasn't too successful and progressive rock was looked down upon in the '80s, the '90s saw Träd, Gräs och Stenar's influence being recognized again, with names like Pavement's Stephen Malkmus mentioning them as an inspirational source. In 1995 it was time for a more lasting reunion and in 1996 they played at the Emmaboda Festival, which was followed up by a number of festival gigs in the coming years. In 2000 and 2001 they recorded material for a new studio album, the first in almost 20 years; Ajn Schvajn Draj was released in 2002. The group resumed touring during subsequent years, but guitarist Persson would later depart the touring version of the band. Träd, Gräs och Stenar issued another album, Homeless Cats, in 2009; however, bassist Abelli passed away the following year, and drummer Gartz died in 2012. (Lars Lovén)
1 comment
Posted in , , ,

Sleepy John (1970)



Tom Williams - drums
David Lee - keyboards, vocals
Frank Trowbridge - guitar, vocals
Jim Bartlett - bass, vocals

Sleepy John was a short lived American band which between 1969-1970 recorded one self-titled album full of heavy psych/prog /blues rock similar to early Uriah Heep/Deep Purple but mainly to Spooky Tooth, Arcadium or even The Doors. Lots of very heavy Hammond organ runs and good guitar riffs were presented as well.

Contrary to popular belief, Idaho is not strictly a vast wasteland of libertarian crankiness, or, to be more precise, it may be that on the whole, but it has also had its share of hippie nonconformists, some of them wielding electric musical instruments. With this archival find, Gear Fab has unearthed the work of one of the more worthwhile shaggy-haired Idaho bands of the rock era. The CD pulls together two separate 1970 sessions recorded by Sleepy John and here given their first public airing. The music is quite strong, often propelled by David Lee's overdriven Hammond organ work, a sound that might be thought of as the missing link between the aggressiveness of the garage and the gloomy complexity of prog rock -- think Procol Harum crossed with the Crazy World of Arthur Brown. There are a few other hints of progressive influences throughout Sleepy John, particularly in the minor-key chord changes, the epic, episodic song structures of pieces like "Nothing," "Seasons," and "Trying to Fly," and a single lyrical nod to literary fantasy ("Dragons"). That said, this isn't really artsy stuff, doesn't take itself too seriously, and even intersperses the heady instrumental passages at which the band excelled with occasional satirical nods to country ("Losing My Plow," "Cowboy") and the blues ("I Just Happen to Be (In Love With You)"). Sleepy John isn't really psychedelic, either, in the generally accepted sense of the term, though it's easy to see how dealers could mislabel elements of the band's music in that way, especially some of those instrumental explorations. Frank Trowbridge's intriguing guitar work sometimes approaches the sustained tone of Spirit's Randy California, and Tom Williams' drumming is effectively elemental (listen to the raw, relentless, almost tribal stretches of "Al Capa Strong"). But this is, by and large, blues-based hard rock, albeit considerably more sophisticated ("Prelude to a Dream" is adept jazz-rock), inquisitive, and penetrating than the norm. These guys were perhaps only a few hooks and a decent singer -- and a state line or two -- removed from genuine success. ~ Stanton Swihart.


The CD pulls together two separate 1970 sessions recorded by Sleepy John and here given their first public airing. The music is quite strong, often propelled by David Lee's overdriven Hammond organ work, a sound that might be thought of as the missing link between the aggressiveness of the garage and the gloomy complexity of prog rock -- think Procol Harum crossed with the Crazy World of Arthur Brown. There are a few other hints of progressive influences throughout Sleepy John, particularly in the minor-key chord changes, the epic, episodic song structures of pieces like "Nothing," "Seasons," and "Trying to Fly," and a single lyrical nod to literary fantasy ("Dragons").

That said, this isn't really artsy stuff, doesn't take itself too seriously, and even intersperses the heady instrumental passages at which the band excelled with occasional satirical nods to country ("Losing My Plow," "Cowboy") and the blues ("I Just Happen to Be (In Love With You)"). Sleepy John isn't really psychedelic, either, in the generally accepted sense of the term, though it's easy to see how dealers could mislabel elements of the band's music in that way, especially some of those instrumental explorations. Frank Trowbridge's intriguing guitar work sometimes approaches the sustained tone of Spirit's Randy California, and Tom Williams' drumming is effectively elemental (listen to the raw, relentless, almost tribal stretches of "Al Capa Strong"). But this is, by and large, blues-based hard rock, albeit considerably more sophisticated ("Prelude to a Dream" is adept jazz-rock), inquisitive, and penetrating than the norm. These guys were perhaps only a few hooks and a decent singer -- and a state line or two -- removed from genuine success. 
5 comments
Posted in , , , ,

Doctor Frond (1998)


Nick Saloman - guitar, vocals
Kev Ellis - vocals, harp
Dave Shah - guitar
Dave Cook - bass
Rick Anderton - drums

These recordings feature the Dr. Brown line-up, jamming with Nick Saloman, recorded in 1995 after the sessions for Dr. Brown's "Another Realm" album. An acid-psych guitar fest that blends the dirty freak rock/blues of Dr. Brown with Nick Saloman's guitar techniques.This album has a limited edition of 500 copies, guaranteed never to be repressed.
1 comment
Posted in , ,

Witthuser & Westrupp - Der Jesuspilz. Musik vom Evangelium (1971)

  • Bernd Witthuser - vocals, guitar, banjo, kazoo, triangle, tambourine
  • Walter Westrupp - vocals, organ, harmonica, flute, ukelele, congas, tambourine, triangle and others
  • Dieter Dierks - Mellotron, bass, vocals
  • Gille Lettman  - vocals, Mexican & Indian recorder
German folk duo Bernd Witthuser and Walter Westrupp tried to convince a small minority of music lovers that the World existed from a mushroom, and that certain passages of the Bible were linked to drugs. Highly vivid imaginations, indeed. But then again, lysergic has the tendency to do that. Between the two musicians, they play almost 30 instruments, mostly acoustic guitars, banjos, percussive instruments, flutes, kazoos, and some organ and harmonium. Several helping hands have been invited to play, including Dieter Dierks contributing Bass and Mellotron. To be honest, the album has some shakey moments here and there, like the opening track, 'Liturgie' which features a jaw-harp, spoons and some drunken vocals. The melody is firmly folkish. Thankfully it's short, and the next piece is more involved. 'Schopfung' (8.25) has some inspired acoustic guitaring (here I am reminded of Canada's Bruce Cockburn, another highly creative folkie). The German narration is hypnotic. Some acidic wah-wah guitar and drums are added as the volume increases, all the while maintaining a very loose and jammy nature. 'Erleuchtung und Berufung' is laden with Dierks' mellotrons, a childrens choir and a catchy melody. It's all very nicely done. Flipside, the 10min+ 3 part 'epic' has some of those shakey moments, especially regarding the kazoo playing - yes it's an amusing instrument, however it's not played well, but still makes me laugh. I suppose I can forgive them. The 2nd part is based on some gorgeous harmonium themes and narration. Part 3 is again a reprise of the kazoo theme - perhaps that's the sound of kazoo when you blow dope-smoke through it...... !? 'Nehmet hin unf esset' features acoustic guitars and a splash of organ. This instrumental piece sounds rather sombre but very beautiful. The final track 'Besuch aus dem Kosmos' (9.45) is superb - combining rich acoustic instrumentation with spacey vocal manipulations. An incredible blend of flamenco/Spanish music, kraut sensibilities, folk-rock and Psych/Space elements. Granted, this is the only LP of theirs I've managed to obtain, and short-comings aside (they are minor), this is quite a unique form of Progressive Kraut-Folk and should be heard by more. (source)

2 comments
Posted in , ,

Dr. Dopo Jam - Entree (1973)


Dr. Dopo Jam is an obscure Danish progressive who melt down a lot of influences into their blend. The opening track starts with a slightly Animals-like theme before sliding into a Motown-ish chorus and a guitar solo that sounds like it could be from a French psych group like Ame Son, Couer Magique, or Nyl. Dr. Dopo Jam cover a bewildering number of events on this, their second album. There are distinct fusion elements full of dynamic instrumental play and moments of doo-wap vocals that sound like a weird combination of Smokey Robinson, the Beach Boys and the Mothers of Invention. This type of stylistic pastiche reminds me of Supersister at their zaniest, and, probably their greatest overall influence, Frank Zappa. The results are always interesting and often spectacular, especially when the group lets it rip. Instrumentally, the group is all over the map - piano and violin duets, vocal choruses (with more than one lead vocalist), horn sections and more. Such a bizarre musical amalgam is well worth the trip, but believe me, this is unlike anything you might have heard. Well worth the find for fans of oddly original music, this is a feast for the ears. The one jam with the bizarre Xhol-like sax totally won me over. 
1 comment
Posted in , , , , ,

John Renbourn - Another Monday (1966)


John Renbourn urodził się w 1943 roku. Już jako nastolatka interesowała go muzyka folkowa. Instruktażowa książka "How to Play Guitar" napisana przez Rory'ego McKuena, wprowadziła Renbourna w świat amerykańskiej muzyki folkowej. Zaczał coraz bardziej interesować się nią i badać.

W 1964 roku Renbourn podjął studia muzyczne w kierunku gitara klasyczna w George Abbot School w Guildford. Dwa lata później grał muzykę folkową w klubach w Soho, gdzie miał kontakt z takimi muzykami, jak Paul Simon, Davey Graham i Bert Jansch.

Renbourn i Jansch byli współlokatorami, dlatego często zdarzało im się grywać wspólnie improwizowane sesje. Obaj szybko zauważyli jak łatwo im sięze sobą gra. Renbpourn pojawił się na drugim albumie Jansch'a, a nastepnie nagrali razem płytę "Bert and John". W 1967 onaj założyli Pentangle i pozostali w tym zespole do 1978 roku. Renbourn, podobnie jak inni członkowie grupy, wydawał także albumy solowe, jak choćby "The Hermit" i "The Black Balloon". Później stworzył John Renbourn Group, który to zespół grając brytyjską muzykę korzystał z indyjskich instrumentów perkusyjnych i jazzowych drewnianych instrumentów dętych. Muzyka tej formacji nie należy do najłatwiejszych w odbiorze, choć ma w sobie wiele uroku.
W połowie lat 80-tych Renbourn połączył swe siły z gitarzystą Stefanem Grossmanem. Razem zagrali wiele koncertów na całym świecie. Zdążyli też nagrać dwa albumy, zanim Renbourn nie założył nowego zespołu Ship of Fools, w którym pojawiła się muzyka ze znacznie silniejszymi wpływami celtyckiemi. Jednocześnie koncertował z innymi gitarzystami, w tym równiez z Grossmanem.

Niekiedy Renbourn pojawia się na okazjonalnych koncertach z Janschem, lub szkockim gawędziarzem Robinem Williamsonem (Taclem)


John Renbourn (born 8 August 1944, Marylebone, London, England) is an English guitarist and songwriter. He is possibly best known for his collaboration with guitarist Bert Jansch as well as his work with the folk group Pentangle, although he maintained a solo career before, during and after that band's existence (1967–1973).

While most commonly labelled a folk musician, Renbourn's musical tastes and interests take in early music, classical music, blues and world music. His most influential album, Sir John Alot (1968), featured his take on songs from the Medieval era.

John Renbourn studied classical guitar at school and it was during this period that he was introduced to Early Music. In the 1950s, along with many others, he was greatly influenced by the musical craze of "Skiffle" and this eventually led him to explore the work of artists such as Lead Belly, Josh White and Big Bill Broonzy.

In the 1960s the new craze in popular music was Rhythm and Blues, also the impact of Davey Graham was being felt. In 1961 Renbourn toured the South West with Mac MacLeod and repeated the tour in 1963.On returning from the South West Renbourn and MacLeod recorded a demo tape together. Renbourn briefly played in an R&B band while studying at the Kingston College of Art in London. Although the British "Folk Revival" was underway, most folk clubs were biased towards traditional, unaccompanied folk songs, and guitar players were not always welcome. However, the Roundhouse in London had a more tolerant attitude and here, John Renbourn joined blues and gospel singer Dorris Henderson, playing backing guitar and recording two albums with her.

Possibly the best known London venue for contemporary folk music in the early 1960s was "Les Cousins" on Greek Street, Soho, which became the main meeting place for guitar players and contemporary singer-songwriters from Britain and America. Around 1963, Renbourn teamed up with guitarist Bert Jansch who had moved to London from Edinburgh, and together they developed an intricate duet style that became known as "folk baroque". Their album Bert and John is a fine example of their playing.

Renbourn released several albums on the Transatlantic label during the 1960s. Two of them, Sir John Alot and Lady And The Unicorn, sum up Renbourn's playing style and material from this period. Sir John Alot has a mixture of jazz/blues/folk playing alongside a more classical/early music style. Lady And The Unicorn is heavily influenced by Renbourn's interest in early music.

At around this time, Renbourn also started playing with Jacqui McShee who sang traditional English folk songs. Together with Bert Jansch, bassist Danny Thompson and drummer Terry Cox, they went on to form Pentangle. The group became very successful, touring America in 1968, playing at Carnegie Hall and the Newport Folk Festival.

Renbourn went on to record more solo albums in the 1970s and 1980s. Much of the music is based on traditional material with a Celtic influence, interwoven with other styles. He also collaborated with American guitarist Stefan Grossman in the late 1970s, recording two albums with him, which at times recall his folk baroque days with Bert Jansch.

In the mid-1980s Renbourn went back to the university to earn a degree in composition at Dartington College of Arts. Since then, he has focused mainly on writing classical music, while still performing in folk settings. He also added acoustic guitars for the movie soundtrack Scream for Help, a studio project with his neighbour John Paul Jones.

In 1988, Renbourn briefly formed a group called Ship of Fools with Tony Roberts (flute), Maggie Boyle (lyrics, misc. instruments) and Steve Tilston (guitar). They recorded one eponymous album together. After practising by mailing tapes to each other in England, they held their first concert, comprising two sold-out shows, at Harvard's Hasty Pudding Club Theater. Regrettably, the soundboard bootleg tape was not saved due to a dispute between the concert promoter and the audio engineer.

Renbourn continues to record and tour. He toured the USA with Archie Fisher. In 2005 he toured Japan (his fifth tour of that country) with Tokio Uchida and Woody Mann. In 2006 he played at number of venues in England, including appearances with Robin Williamson and with Jacqui McShee. In the same year, he was working on a new solo album and collaborated with Clive Carroll on the score for the film Driving Lessons, directed by Jeremy Brock.

In 2011 he released Palermo Snow, a collection of instrumental guitar solos also featuring clarinetist Dick Lee. The title track is a complex mix of classical, folk, jazz and blues.
2 comments
Posted in , ,

Clive John - You Always Know Where You Stand With A Buzzard (1975)



Clive John, or Clint Space or just Clint to Man-band fans, was the beloved keyboardist and sometimes guitarist for Man through most of their classic periods. His contribution to the sound and humour of the band was a big one, though you might not really realise it until you place him apart to record his one and only solo album, ie. this one. Of all the Man off-shoots and solo projects that I’ve heard (which I have to admit isn’t all of them), this is far and away the best and most consistently high in quality (and other substances), but for some reason it’s also one of the most obscure. I only discovered its existence when I stumbled across it in a random rack-shuffling in a large discount music store, and although I was instantly intrigued by a) the Man connection, b) the title and c) the cover, I was also wary of the late date (1975, by which time Man were no longer so hot on record) and the fact that I’d never heard of it before. A quick internet search later and I’d read some reports that it was supposedly a good album if you like Man, though with only a few tracks that were that great. Well, after I thought I’d take a gamble and just buy it, I was pleasantly surprised, because not only did I thoroughly enjoy pretty much the whole album, I’d go so far as to say that this is some of the best Man-and-related music that I’d heard. I’m not saying the best as far as Man goes – I can certainly think of superior Man stuff – just up there with some of the best. On the other hand, this is surely better and more consistent than either of the patchy Deke Leonard albums, which are roughly 50% filler to my ears. You may not agree, but I’ll try to state my case. At this time, Clint was holed up in a remote farm in Breton, and after being asked by Andrew Lauder of UA to do a solo album, he transferred holes to Rockfield Studios in Wales to record it. Clint handled most of the instruments on this album – guitars, keyboards and vocals – but he’s backed by Man’s Martin Ace on bass, and Help Yourself’s Dave Charles on drums and engineering, as well as sundry guests on various tracks including Phil Ryan (Eyes of Blue, Quicksand, Piblokto, Man, Neutrons) and Andy Fairweather Low (Amen Corner). The cover features the still-hairy prototypical hippy freak Clint generously holding out a giant fake-looking orange. The title of the album came from what Clint said to a visitor who fled after being attacked by buzzards whose nest site he’d unwittingly approached, the point being that you’re supposed to stand your ground and the buzzards will hold back. Don’t ask me to test that one out...(source)
No comments
Posted in , , , ,

Ragnar Grippe - Sand (1977)


Ragnar Grippe to urodzony w 1951 roku szwedzki kompozytor oraz twórca muzyki elektronicznej. Bez wątpienia najważniejszym dziełem w jego niewielkim dorobku płytowym jest album "Sand" nagrany w 1977 roku w Paryżu i wydany w tym samym roku przez zasłużoną w promowaniu znakomitych twórców awangardowych a także minimalistów francuską wytwórnię Shandar. Płyta zainspirowana twórczością hinduskiego twórcy Viswanadhana zawiera dwie ciekawe elektroakustyczne kompozycje, w której oprócz elektroniki użyty został cały zestaw instrumentów akustycznych, takich jak gitara, flet, harmonijka, dzwonki, marakasy, kalimba oraz głos. W efekcie powstaje muzyka składająca się z niepokojących rytmicznych sekwencji elektronicznych, urozmaicanych akustycznym instrumentarium, tworząca powoli, ale nieustannie zmieniające się dźwiękowe pejzaże.


Ragnar Grippe is a classical trained musician and Swedish pionnier in electronic music. He studied electronic music at McGill university in the 70's. Published in 1977, his electro-popular "Sand" (written for electric organs, tapes and e-guitar) can be described as a synthesis between Conrad Schnitzler (minimal hypno electronics), Roedelius (impressionistic electronics) and pure avant garde (60's french formalists and researchers of the "groupe de recherches musicales" / GRM). During the 80's composed some pieces for the radio and the TV, mixing electro acoustic collages to opera and classical music. (progarchives)
1 comment
Posted in , , ,

Mike Westbrook Concert Band - Love Songs (1970)


Michael John David 'Mike' Westbrook (born 21 March 1936 in High Wycombe) is an English jazz pianist, composer, and writer of orchestrated jazz pieces

Mike Westbrook grew up in Torquay. After a spell in Accountancy and the National Service (some of it posted to Germany) he went to art school, studying painting, in Plymouth where he also began his first bands in 1958, soon joined by such musicians as John Surman, Lou Gare and Keith Rowe.

After moving to London in 1962 Westbrook led numerous bands, large and small, and played regularly at the Old Place and the Little Theatre Club. Together with Chris McGregor's Brotherhood of Breath, Westbrook shared the role of House Band at Ronnie Scott's Jazz Club.

He became a key figure in the development of British Jazz, producing several big band records with the newly formed Mike Westbrook Concert Band between 1967 and 1969 for the Deram label, featuring such musicians as Surman, Mike Osborne and Harry Miller. The band varied in size from 10 to 26 musicians. In 1968 his band made their international debut at the Montreux Festival with Malcolm Griffiths, Alan Jackson, Harry Miller, Mike Osborne and John Surman.

The 1970s saw a wide range of different projects.

Cosmic Circus, jointly founded with John Fox specialized in large scale, one-off high technology shows involving high-divers, tight-rope, carnival processions and more. It was part of Earthrise Tour in the UK (May 1970 to October 1971). This included also singer/vocalist Norma Winstone who performed on several of the band's albums at the time.

Adrian Mitchell drew Mike Westbrook in for his musical "Tyger" on the life of William Blake for the Royal National Theatre. This would become a major influence on Mike Westbrook's work (see paragraph on later work below).



In 1972/73 he also worked in the context of his jazz-rock band Solid Gold Cadillac. The most consequential effect of this was the participation of Phil Minton. His unmistakable voice would feature in many of Westbrook's later projects. A live performance of Solid Gold Cadillac (at the Paris Theatre in London) has been repeatedly broadcast by BBC Radio 6 between 2002 and 2007.

In March 1977 the Mike Westbrook Brass Band, avant-rock group Henry Cow and folk singer Frankie Armstrong merged to form The Orckestra. The ensemble performed in London and several cities in Europe, their last concert being in Bordeaux, France in May 1978.

His work for the theatre began with Adrian Mitchell's Tyger a celebration of William Blake, staged by the Royal National Theatre in 1971. This became a vehicle for his Brass Band of the 1970s and 1980s and the LP 'The Westbrook Blake - Bright As Fire' followed on in 1980. A revised and expanded version of the work was re-recorded in 1997 and named 'Glad Day'. The Brass Band also recorded 'Mama Chicago' described as a Jazz Cabaret which featured the voices of Phil Minton and Kate Westbrook. The album was released on CD for the first time in 2007. More recently Mike has developed the work further and it now includes an adult choir and on occasion, a children's choir at live performances.

Further works of note include 'On Duke's Birthday' which was dedicated to the memory of Duke Ellington, which was reissued on CD in the summer of 2007, 'Big Band Rossini' which was featured in the 1992 BBC Proms and Chanson Irresponsable (2002), commissioned by BBC Radio 3, which brings together jazz and classical musicians in the New Westbrook Orchestra. Mike was awarded an OBE in 1988, and in 2004 the University of Plymouth awarded him an Honorary Doctorate of Music.

He continues to produce jazz scores, many for the theatre with his wife, the singer/songwriter Kate Westbrook. He was featured in the 2003 BBC documentary, Jazz Britannia.

Other projects include ART WOLF inspired by the life and work of the Alpine painter Caspar Wolf. In this Kate & Mike Westbrook are joined by saxophonists Pete Whyman & Chris Biscoe. In another project the couple have been joined by four leading Devon musicians to form the Village Band. The acoustic brass band perform many jazz standards and an original piece, the Waxeywork Show, with music written by Mike and text by Kate. The band perform mainly in the Devon and Cornwall area and in 2006 they performed several times at the London Jazz Festival.

More recent projects include 'Fine 'n Yellow' a piece that was written in celebration of the lives of Margery and John Styles, two friends who were founders of the Westbrook newsletter, 'The Smith's Academy Informer'. The piece was recorded and CD copies were given to subscribers of the newsletter. It has since had a general CD release. Kate and Mike were once again joined by saxophonists Pete Whyman & Chris Biscoe. Steve Berry played bass and Jon Hiseman featured on drums. The piece received its first public performance in a concert that marked Mike Westbrook's 75th birthday at Kings Place in London on 2 April 2011. The musicians at the performance with Kate and Mike Westbrook were Chris Biscoe, Chris Caldwell and Andy Tweed - saxophones, Karen Street - saxophone and accordion, Steve Berry - bass and Simon Pearson - drums. Another work was premiered at this concert, 'The Serpent Hit' which utilised the above musicians but without Steve Berry. 'The Serpent Hit', like 'Fine 'n Yellow' has texts by Kate Westbrook and music by Mike Westbrook. Yet another project finds Mike working with some of the finest west country musicians in 'The Mike Westbrook Big Band'. They play a number of Westbrook originals and Mike's arrangements of pieces by Duke Ellington and others.
2 comments
Posted in , , , , , , , ,

Tie Break & Jorgos Skolias - Poezje ks. Jana Twardowskiego (1995)



Tie Break – zespół jazzowy założony pod koniec lat 70. w Częstochowie. Zespół powstał w 1977 roku z inicjatywy gitarzysty Janusza "Yaniny" Iwańskiego i basisty Krzysztofa Majchrzaka. Wkrótce dołączyli flecista Grzegorz Chmielecki, nieżyjący już perkusista Czesław Łęk oraz saksofonista Piotr Leśniowski. Nazwę Tie Break autorstwa menedżera Marka Górniaka grupa przyjęła dwa lata później po opracowaniu materiału już z nowym członkiem – Antonim "Ziutem" Gralakiem i na potrzeby występu na festiwalu Jazz Juniors'80. Miejscem prób i pierwszych występów był ówczesny klub Wakans. Pierwszy duży koncert będący elementem przeglądu filmów inspirowanych twórczością Marka Hłaski grupa zagrała w ówczesnym kinie Relax.

W 1980 roku Tie Break wygrał festiwal Jazz Juniors w Krakowie, w tym samym roku został też laureatem festiwalu Jazz nad Odrą we Wrocławiu. Jesienią 1982 do zespołu dołączył Mateusz Pospieszalski. Jesienią 1983 Krzysztofa Majchrzaka zastąpił kontrabasista, wówczas jeszcze student Akademii Muzycznej w Katowicach – Marcin Pospieszalski.

Tie Break był uważany za objawienie tzw. generacji "young power", ale z powodu konfliktu z PAGART-em długo nie mógł nagrać płyty, utrudniano mu także udział w imprezach zagranicznych. Na podstawie nagrań muzycy z Tie Breaku zostali zakwalifikowani do festiwalu w Leverkusen. Formalne zaproszenie trafiło do Polskiego Stowarzyszenia Jazzowego i PAGART-u, zespół dowiedział się o nim półtora miesiąca po zakończeniu imprezy. Pierwsze profesjonalne nagrania muzycy mieli w Radiu Kraków, stało się to dzięki Antoniemu Krupie, który usłyszał ich podczas Jazz Juniors.

Z grupą współpracowali m.in.: Sarandis Juwanudis,Tomasz Stańko, Stanisław Sojka, Jorgos Skolias, Andrzej Urny, Andrzej Ryszka, Zbigi "Uhuru" Brysiak, Włodzimierz Kiniorski, a później także Amadeusz Kuba Majerczyk oraz Dariusz Makaruk. Obecnie muzycy zajęci własnymi projektami  artystycznymi zbierają się bardzo rzadko.


Jan Jakub Twardowski (ur. 1 czerwca 1915 w Warszawie, zm. 18 stycznia 2006 tamże) – ksiądz rzymskokatolicki, prałat honorowy Jego Świątobliwości, polski poeta, przedstawiciel współczesnej liryki religijnej. To z jego wiersza dedykowanego Annie Kamieńskiej pochodzi zdanie: Śpieszmy się kochać ludzi – tak szybko odchodzą.

Uczęszczał do Gimnazjum im. Tadeusza Czackiego w Warszawie, maturę zdał w 1936. W 1937 ukazał się pierwszy tomik jego wierszy pt. Powrót Andersena, nawiązujący do poetyki Skamandra. W tym samym roku rozpoczął studia polonistyczne na Uniwersytecie Warszawskim. W 1939 uzyskał absolutorium, a w 1947 obronił pracę magisterską. W czasie II wojny światowej, podczas której zaginął cały jego wcześniejszy dorobek poetycki, był żołnierzem Armii Krajowej, uczestniczył w powstaniu warszawskim. Wskutek przeżyć wojennych, w tym zniszczenia jego domu rodzinnego, w 1943 postanowił zostać księdzem.

W trakcie wojny w marcu 1945 zaczął naukę w tajnym Seminarium Duchownym w Warszawie. Naukę w seminarium kontynuował z przerwami do 1948, kiedy to 4 lipca przyjął święcenia kapłańskie. W tym też roku uzyskał tytuł magistra filologii polskiej za pracę Godzina myśli . Zaraz po studiach w seminarium przybył do parafii w Żbikowie k. Pruszkowa, gdzie był wikarym przez trzy lata. Zajmował się nauczaniem religii w szkole specjalnej. Od 1959 aż do emerytury był rektorem kościoła sióstr Wizytek w Warszawie, gdzie głosił kazania dla dzieci, którym później zadedykował m.in. zbiory:

Zeszyt w kratkę oraz Patyki i patyczki. Był również wieloletnim wykładowcą i wychowawcą pokoleń kleryków w warszawskim seminarium. Wcześniej, bo już pod koniec 1945, powrócił do publikowania wierszy. Jego twórczość trafiła wówczas m.in. na łamy "Tygodnika Powszechnego". Wielką popularność przyniósł mu wydany w 1970 tom Znaki ufności.

Zmarł wieczorem 18 stycznia 2006 w szpitalu przy ulicy Banacha w Warszawie. Pochowany w krypcie w Panteonie Wielkich Polaków, miejscu pochówku dla zasłużonych w Świątyni Opatrzności Bożej, zgodnie z życzeniem prymasa Polski kardynała Józefa Glempa, a wbrew ostatniej woli księdza Twardowskiego, który chciał być pochowany na warszawskich Powązkach.

Poezje ks. Jana Twardowskiego – album nagrany przez zespół Tie Break i Jorgosa Skoliasa, zawierający utwory oparte na wierszach ks. Jana Twardowskiego. Utwór "Żeby móc" zespół zadedykował Zofii Bigos.

Jorgos Skolias, który przez lata śpiewał z Tie Breakiem, miał program autorski w telewizji i nas do niego zaprosił. W czasie tego programu Jorgos podłożył niektóre wiersze ks. Twardowskiego do naszej muzyki i one niesamowicie pasowały. Potem dostaliśmy informację, że ks. Jan Twardowski to oglądał i podobało mu się. Pomyśleliśmy, że można by skojarzyć jego wiersze z naszą muzyką, ponieważ są bardzo proste i piękne. Ta dziecinność przekazu będzie bardzo dobrze konweniować z naszą muzyką. Wybraliśmy wiersze, które nam się podobały. — Janusz Iwański, Grzegorz Ułamek: Pięć okien czyli Próby złapania świeżego oddechu


Tie Break is a successful and "significant" Polish jazz rock group, formed in Częstochowa in 1977. The group was formed by guitarist Janusz Iwański and the bassist Krzysztof Majchrzak, and was soon joined by flute player Grzegorz Chmieleck. The current lineup includes Janusz Iwański, Marcin Pospieszalski, Antoni Gralak and Mateusz Pospieszalski. The group has performed at notable venues such as the Jazz Jamboree.

Jan Jakub Twardowski (June 1, 1915 – January 18, 2006) was a famous Polish poet, but, as he said of himself, he was a priest (of the Catholic Church) first of all. He was a chief Polish representative of contemporary religious lyrics. He wrote short, simple poems, humorous, sometimes with colloquialisms. He joins observation of nature with philosophical reflexion. Twardowski received many awards and medals for his output.
    Serpent.pl