2 comments
Posted in , , , , , ,

David Behrman - On the Other Ocean (1977)


David Behrman has been active as a composer and electronic artist since the Sixties and has created many works for performance as well as sound installations. Most of his work since the late Seventies has involved computer-controlled music systems, operating interactively with people who may or may not be musically expert. He designs and writes much of the software for these systems.

My Dear Siegfried, Unforeseen Events, Refractive Light and Quick Silver are among Behrman's recent works for soloists and small ensembles which have been performed by musicians skilled at inventive performance. Among them recently have been Thomas Buckner, Leroy Jenkins, Barbara Held, "Blue" Gene Tyranny,  Jon Gibson, Ralph Samuelson, Peter Zummo, Jon Gibson, Ben Neill and Kazue Sawai. Behrman performances have been presented during the past three years by the CBC in Toronto, Frizitaliana in Turin, Steim in Amsterdam, Metronom in Barcelona, the New Music Circle in St. Louis, Apollohuis in Eindhoven, Logos in Ghent and Roulette in New York.

Behrman's sound installations have been exhibited at various institutions, including the Whitney Museum, the Museum of Contemporary Art in Chicago, The Hudson River Museum, The New York Hall of Science, the DeCordova Museum, The Addison Gallery of American Art, Ars Electronica in Linz and La Villette Science and Technology Museum in Paris. Among the installations are Cloud Music (a collaboration with Robert Watts and Bob Diamond), A Map of the Known World and Algorithme et Kalimba (collaborations with George Lewis) and In Thin Air.

Recordings of his works - Leapday Night, On the Other Ocean, Interspecies Smalltalk, Figure in a Clearing, Navigation and Astronomy, Unforeseen Events and others - are published as LPs and CDs by Lovely Records, XI, New Tone and Classic Masters.

Together with Robert Ashley, Alvin Lucier and Gordon Mumma, Behrman founded the Sonic Arts Union in 1966. Sonic Arts performed extensively in North America and Europe from 1966 until 1976. Working at Columbia Records in the late Sixties, he produced the "Music of Our Time" series of new music recordings for Columbia Masterworks, which presented works by Cage, Oliveros, Lucier, Reich, Riley, Pousseur and other influential composers. Behrman toured as composer/performer with the Cunningham Dance Company from 1970 through 1976. During that period he assisted John Cage with several projects. Merce Cunningham commissioned him to compose music for Company repertory pieces in 1968, 1976 and 1984.

Behrman was co-director of the Center for Contemporary Music at Mills College in 1975-1980. He also taught at Ohio State University, New Music in New Hampshire, Rutgers University and California Institute of the Arts. In the early Eighties he designed educational music software as a consultant for Childrens' Television Workshop. He lived in Tokyo and Berlin in 1987-1989 under grants from the Japan-United States Friendship Commission and the D.A.A.D. He received grants from the Foundation for Contemporary Performance Arts in 1995 and from NYFA in 1996.


"On the Other Ocean" is an improvisation by Maggi Payne and Arthur Stidfole centered around six pitches which, when they are played, activate electronic pitch-sensing circuits connected to the "interrupt" line and input ports of a microcomputer, Kim-1. The microcomputer can sense the order and timing in which the six pitches are played and can react by sending harmony-changing messages to two handmade music synthesizers. The relationship between the two musicians and the computer is an interactive one, with the computer changing the electronically-produced harmonies in response to what the musicians play, and the musicians influenced in their improvising by what the computer does. The recording is of a live performance.

September 1977: We were almost young and living in California where the sun was usually shining, the Vietnam War had ended, the scourges of the Eighties were undreamed of, and a new device called the "microcomputer" was in the hands of some extremely intelligent graduate students at Mills College's Center for Contemporary Music. The students were trying to figure out whether this new device might contribute something interesting to music, and I was studying with them (although the college catalog claimed that I was their teacher).

Hearing "On the Other Ocean" now, nineteen years later, I'm astonished about how unflappably unhurried we were. Nobody and no institution was going to make us hurry our music along. We loved pure tones and we were going to listen to them for a long time, no matter what.

Various enthusiasms contributed to the making of "On the Other Ocean:"  for pure tunings and simple ratios; for home-made electronics with its mysterious knobs, its lexan enclosures with the screw-holes drilled not quite in the right places and its hand-wired circuit boards inside; for idiosyncratic brews of electronic timbres that were not trying to imitate the sounds of the real world. And for a concept which was fresh at the time but has now become almost obnoxious through overuse: interactivity.

When we went into the Mills recording studio that sunny September afternoon with the breeze blowing through the Golden Gate, we had had no previous rehearsal; Maggi Payne and Arthur Stidfole had never performed together; the simple software (typed laboriously by hand in machine language into the tiny hexadecimal keypad of the "Kim 1" microcomputer) had just been completed. I had no idea what would happen. When Maggi and Arthur began spinning off their long, calm phrases I remember being surprised. And I remember catching an expression of what looked like surprise on the countenance of "Blue" Gene Tyranny through the control room window. We did two takes, chose one and that was it.


"Figure in a Clearing," made a few months before "On the Other Ocean," was the first piece of mine to use a computer for music.

With help from Jim Horton and Paul DeMarinis, I had succeeded in getting the "Kim-1" (a 1-pound, two hundred dollar precursor of the Apple II) to send commands to a home-made music synthesizer built a couple of years earlier. For "Figure," the Kim-1 ran a program which varied the time intervals between chord changes. The time intervals were modelled on the motion of a satellite in falling elliptical orbit about a planet.

It seemed astounding in 1977 that a translucent green circuit board with a tiny brain on it could take a million instructions per second from its little memory and send commands to another device (the home-made music synthesizer) whenever its program asked it to do so.

David Gibson's only "score" was a list of 6 pitches to be used in performance, and a request that he not speed up when the computer-controlled rhythm did. The timbral richness and concentrated eloquence of his playing sprang from his own sources. (lovely)
No comments
Posted in , , , ,

Allen Ginsberg (1926-1997)


Kiedy w kwietniu 1997 roku zmarł Allen Ginsberg dla niektórych skończyła się pewna epoka. Dla samego Ginsberga w ciągu jego życia tych epok kończyło się i zaczynało wiele. Nie przypuszczał zapewne, że będzie jednym z głównych, choć niekoniecznie świadomych, inicjatorów „rewolucji plecaków ‘68”, że jego Skowyt stanie się jednym z najważniejszych poematów drugiej połowy XX wieku, a jego życie i twórczość wpłynie na powstanie różnych, często sprzecznych ze sobą, ruchów społecznych: od agresywnych anarchistów angielskich po wyciszonych, jakby nieistniejących, „nowych” buddystów. Nie przypuszczał też pewnie, krytykując poetów-klasyków (np. Eliota) za ich konformizm poetycki, że sam w przyszłości zostanie klasykiem umieszczanym w popularnych antologiach; klasykiem, którego wiersze będą włączone do obowiązkowego programu nauczania literatury na uniwersytetach amerykańskich i nie tylko. Był przecież przedstawicielem „zbitego pokolenia” (według określenia Jacka Kerouaca), które ukształtowało się po II wojnie światowej, potem zostało dotknięte trądem bomb zrzuconych na Japonię, wojny koreańskiej oraz tzw. „polowania na czarownice” senatora McCarthy’ego, ale również wtłoczone w okres prosperity amerykańskiej gospodarki i, co za tym idzie, w bierne zadowolenie z siebie części społeczeństwa amerykańskiego. Buntujący się przeciw tym zjawiskom beatnicy zostali uznani za szaleńców, którzy ostentacyjnie przeciwstawiają się swojej ojczyźnie, uciekając w narkotyki, seks, szukając nowych religii i ignorując praworządne społeczeństwo.

Allen Ginsberg był również postrzegany jako szaleniec, który wciąż poszukuje swojej drogi, coraz bardziej zanurzając się w obłędzie. Kulminacją tego stanu było objawienie, jakiego doznał po kolejnej lekturze wiersza Blake’a o słoneczniku. W roku 1948 Ginsberg siedział w swoim pokoju i nagle usłyszał przemawiający do niego głos. Uwierzył, że to głos Williama Blake’a. Wpadł w trans i miał wrażenie, że zrozumiał istotę wszechświata, że został wybrańcem, który potrafi pojąć rzeczy niezrozumiałe dla innych. Wizje powtórzyły się jeszcze dwa razy i Ginsberg wyciągnął z nich jeden podstawowy wniosek – o swojej profetycznej misji jako poety. Jednak zwierzając się przyjaciołom, wykładowcom uniwersyteckim i ojcu naraził się na kpiny, a w najlepszym wypadku na niezrozumienie. Ojciec uważał, że Allen ma objawy tej samej choroby psychicznej, na którą cierpiała jego matka. Ale nic już nie mogło odwieść Ginsberga od realizowania swej misji – zaczął inaczej postrzegać świat, zainteresował się metodami prowadzącymi do poszerzenia i wzbogacenia świadomości.

W 1955 roku w Berkeley pisze Sutrę słonecznikową, która jest wyrazem jego sprzeciwu wobec zastanego świata, próbą oczyszczenia się z ludzkich grzechów:

Popatrz na Słonecznik, powiedział [Jack Kerouac], a był tam martwy, szary cień na tle nieba, wielkości człowieka, suchy, sterczący na szczycie trocin – Zerwałem się zachwycony – to był mój pierwszy słonecznik, wspomniałem Blake’a – moje wizje – Harlem
i Piekła rzek Wschodniego Wybrzeża, dzwoniące mosty, Sandwicze Joes Greasy, wózki martwych dzieci, czarne zdarte opony zarzucone, nie naprawione, poemat z nabrzeża rzeki, prezerwatywy i garnki, stalowe noże, nic porządnego, tylko wilgotny brud i jak brzytwa ostre wytwory odchodzące w przeszłość –
a szary słonecznik trwał o zachodzie słońca, sponiewierany, z okiem zapchanym przez sadzę, smog i dym starych parowozów –
pierścień krzywych płatków obwisły, połamany jak zdeptana korona królewska, ziarna wypadłe z tarczy, z prawie-bezzębnych ust słonecznej aury, promienie słońca ginęły w jego owłosionej głowie podobnej do wyschłej pajęczyny drutów,
liście sterczące z łodygi jak ramiona, ruchomy korzeń w trocinach, kawałki gipsu wypadłe spomiędzy czarnych gałązek, martwa mucha w jego uchu,
Mój słoneczniku, jakże nieświętą rzeczą byłeś (…)
Nigdy nie byłeś lokomotywą, Słoneczniku, zawsze byłeś słonecznikiem!
A ty Lokomotywo, jesteś lokomotywą, nie zapomnij! (…)
– Nie jesteśmy workiem brudu, nie jesteśmy wstrętną tępą zakurzoną lokomotywą bez duszy, wnętrze każdego z nas to piękny złoty słonecznik, każdemu z nas dane jest własne nasienie i dane są inne ciała, złotowłose nagie, które wyrastają na szalone czarne słoneczniki o zachodzie, a wyśledzimy je pod cieniem obłąkanej lokomotywy na nabrzeżu w San Francisco siedząc na stosach puszek, doznając wieczornych wizji. 

Słonecznik staje się symbolem nieskazitelnej czystości, świętości, która wypełnia wnętrze każdego człowieka. O tej czystości należy ludziom przypominać, żeby nie stali się „wstrętnymi tępymi zakurzonymi lokomotywami”, które nie mogą dać światu części swego świętego wnętrza, a tylko trywialność i brud. Rolę przewodnika pełni oczywiście poeta, którego zadaniem jest wyciąganie ludzi z kręgu zła, konformizmu i tępoty duchowej, bo to on jest do tego stworzony, obdarzony siłą perswazji oraz wolą zmieniania świata i pobłogosławiony do takiego działania.

Należy tu zwrócić uwagę na pokrewieństwo słów „beat” (zbity) i „beatitude” (błogosławieństwo). „Beatitude” w sensie religijnym oznacza człowieka natchnionego, błogosławionego, którego zadaniem jest sprawowanie duchowego przewodnictwa nad innymi ludźmi. I takim samozwańczym przewodnikiem staje się Allen Ginsberg. W swojej poezji próbuje wskazać właściwą drogę. Posługuje się przy tym językiem dosadnym, niejednokrotnie wulgarnym, ale jednocześnie natchnionym, obok którego trudno przejść obojętnie. Przedstawia więc apokalipsę Ameryki i całego świata, szafując obrazami nędzy, rozkładu i powszechnego chaosu, co nie podoba się niektórym, ale ma znaczący wpływ na przyszłe pokolenie buntowników.

Przełomem w twórczości i życiu Allena Ginsberga jest poemat Skowyt. Pierwsza jego część powstaje w maju 1955 roku i zawiera wiele prowokacyjnych obrazów. Przedstawia bowiem szczerą, w naturalistyczny sposób ujętą egzystencję ludzi zepchniętych na margines społeczeństwa, samowolnych outsiderów:

Widziałem najlepsze umysły mego pokolenia zniszczone szaleństwem, głodne histeryczne nagie,
włóczące się o świcie po murzyńskich dzielnicach w poszukiwaniu wściekłej dawki haszu,
anielogłowych hipstersów spragnionych pradawnego niebiańskiego podłączenia do gwiezdnej prądnicy w maszynerii nocy,
którzy w nędznych łachmanach z zapadniętymi oczyma w transie czuwali paląc w nadnaturalnych ciemnościach tanich mieszkań, płynąc poprzez dachy miast, kontemplując jazz,
którzy pod liniami kolejki nadziemnej odsłaniali swe mózgi niebiosom i objawiały im się natchnione anioły Mahometa rozkołysane na dachach czynszówek,
którzy odbyli uniwersytety chłodnym promiennym wzrokiem rojąc Arkansas i Blake’em natchnioną tragedię pośród mędrków wojny,
których wylano z uczelni za obłęd i obsceniczne ody rozlepiane w oknach czaszki, (…). 

Owymi „anielogłowymi hipstersami” są najbliżsi przyjaciele Ginsberga, którzy mieli wpływ na życie poety, ale także na powstanie nieformalnej grupy Beat Generation: Jack Kerouac, Neal Cassidy, Herbert Huncke, Carl Solomon. Poemat jest skargą na ignorancję establishmentu amerykańskiego, tworzy obrazy zwątpienia i rezygnacji „najlepszych umysłów pokolenia”, które zostały zmuszone do usunięcia się na margines (lub takie życie wybrały z pełną świadomością). Przedstawia także ludzi, którzy z różnych powodów zostali usunięci poza nawias społeczeństwa i weszli na drogę przestępstwa: narkomanów i handlarzy narkotykami, prostytutek, włóczęgów, bezrobotnych, wreszcie poetów-hipsterów i homoseksualistów. Ginsberg tworzy mitologię hipstera – postaci pozbawionej wszelkich cech pejoratywnych, która staje się odniesieniem dla całego pokolenia. Patetyczne, formalne rozbuchanie całego poematu wywołuje wrażenie, że to pokolenie rzeczywiście było „zbitym pokoleniem”. Zresztą w późniejszej poezji twórcy Sutry słonecznikowej nie ma odniesień do zbiorowości w sensie społecznym, jest natomiast wyraźnie zaznaczony podmiot liryczny, co wiąże się z neoromantyzmem Ginsberga.

Dosadne obrazowanie i ekspresyjne słownictwo Skowytu, fraza wiersza wzięta bezpośrednio od największego poety Ameryki Walta Whitmana oraz wizyjność (charakterystyczna dla tradycji żydowskiej) sprawiły, że poemat obrósł legendą jeszcze przed publikacją. 13 października 1955 roku odbyło się jego pierwsze publiczne odczytanie. W Six Gallery w San Francisco pod patronatem poety Kennetha Rexrotha miał miejsce wieczór poetycki, który swoimi wierszami mieli uświetnić Michael McClure, Gary Snyder, Philip Whalen, Philip Lamantia i Allen Ginsberg. Punktem kulminacyjnym spotkania był właśnie Skowyt, który wywołał wśród publiczności swoistą ekstazę i przekonanie, że oto powstał jeden z najważniejszych zapisów ówczesnej rzeczywistości. Lawrence Ferlinghetti, właściciel Six Gallery i wydawca, posłał Ginsbergowi telegram o treści podobnej do tego, jaki otrzymał Whitman od Ralpha Waldo Emersona: „Witam u progu wielkiej kariery. Kiedy dostanę maszynopis?”.

Skowyt zostaje wydrukowany w Anglii i jesienią 1956 roku trafia do sprzedaży. Tomik jest poprzedzony nobilitującym wstępem Williama Carlosa Williamsa. 25 marca 1957 roku drugi nakład zostaje skonfiskowany, a w sierpniu tego roku w San Francisco odbywa się rozprawa sądowa, podczas której sędzia ma zdecydować, czy książka nie zawiera treści obscenicznych. W październiku zapada wyrok pomyślny dla Ginsberga i Ferlinghettiego i od tej pory twórca Skowytu staje się znanym w całej Ameryce poetą, zgodnie zresztą z przewidywaniami Rexrotha. Niestety, krytyka nie zostawiła na poemacie suchej nitki. Dewaluowana jest swoboda pisania o seksie, nałogach i skłonnościach przestępczych. Autorowi zarzuca się prymitywizm i epatowanie wulgaryzmami, a także zamach na uznane wartości społeczne Ameryki, takie jak rodzina, religia i protestanckie zasady wzbogacania się. W wystąpieniach krytyków zupełnie został pominięty kontekst polityczny, co spotkało się ze zdziwieniem zarówno Ginsberga, jak Ferlinghettiego i Rexrotha.

Wieczór poetycki w Six Gallery i awantura wokół Skowytu torują drogę innym poetom pokolenia, skupionym wokół Beat Generation czy wokół szerszego ruchu literackiego, jakim był San Francisco Renaissance. Wypływają poeci biorący udział w spotkaniu; wydawnictwa zaczynają się też interesować książkami Jacka Kerouaca i Williama Burroughsa. Wzrasta również popularność samego Ginsberga.

Rok przed awanturą dotyczącą Skowytu Ginsberg przeżywa tragedię rodzinną. W roku 1956 umiera jego matka – Naomi. Poeta był z nią bardzo blisko związany, więc jej śmierć staje się punktem zwrotnym, który w znaczący sposób wpłynie na jego dalszą twórczość. Jednak dopiero w 1959 roku powstała ostateczna wersja Kadyszu, utworu poświęconego matce. Został on wydrukowany w tomie Kadysz i inne wiersze w roku 1961.

Tytułowy poemat jest przejmującą elegią, w której Ginsberg, wspominając zmarłą, opowiada również o początku XX wieku w Stanach Zjednoczonych, także w kontekście późniejszej choroby psychicznej Naomi. Ann Charters w filmie dokumentalnym Elegia dla Allena Ginsberga mówi, że „jest to podsumowanie idealizmu politycznego całego pokolenia, idealizmu Naomi. Ludzie, którzy wyemigrowali do Ameryki, tak jak jej rodzina, marzyli o lepszym życiu, o lepszym świecie poprzez uczestnictwo w amerykańskiej demokracji. W Kadyszu Allen opisuje los, jaki spotkał tych imigrantów, stracone złudzenia, które doprowadziły ludzi wrażliwych, jak Naomi Ginsberg, do szaleństwa. Kadysz jest też wyrazem wściekłości jej syna, który uwierzył w utopijne marzenia matki, ale mógł je zrealizować tylko w poezji, którą tworzył w połowie XX wieku w Ameryce”.

Ginsberg wspomina matkę jako pierwszą i najważniejszą nauczycielkę pisząc: „O sławna muzo, która zrodziłaś mnie z łona, dałaś possać pierwszego mistycznego życia i nauczyłaś mowy i muzyki, z twej cierpiącej głowy podjąłem Wizję po raz pierwszy”, choć „w tym tu Lamencie nie wspominam mych wizji”. Kadysz staje się dla poety okazją do rozliczenia się z matką i sposobem oczyszczenia poprzez przywołanie w pamięci jej obrazu i opisanie miejsc, z którymi była związana za życia. Są to więc sceny z pierwszych lat pobytu Naomi w Ameryce („w dół aleją w stronę południową, do której – jak ja ku Lower East Side – szłaś 50 lat temu, mała dziewczynka – z Rosji, jedząc pierwsze zatrute pomidory Ameryki”), sceny z dzieciństwa Allena i jego brata Eugena, kiedy matka zabierała ich na spotkania z komunistami, wreszcie sceny, w których, ogarnięta manią prześladowczą, oskarża wszystkich wokół o spisek przeciwko niej („Czy ukryje się w swym pokoju i wyjdzie grzecznie na śniadanie? Czy też zamknie drzwi i będzie wyglądać przez okno na ulicznych szpiegów? Nasłuchiwać u dziurki od klucza hitlerowskiego niewidzialnego gazu?”). Szczególnie przejmujące są naturalistyczne opisy napadów szału Naomi w szpitalach dla obłąkanych i bezradność rodziny w takich chwilach. Ale chyba największe wrażenie wywiera na czytelniku czwarta część poematu, zbudowana w znacznej części z anafor tworzących paralelizm intonacyjno-składniowy:

żegnam ciebie i
twój miękki brzuch
twój strach przed Hitlerem
twe usta pełne nieprzystojnych anegdot
twe palce zgniłych mandolin
twe ramiona tłustych werand w Paterson
twój brzuch strajków i kominów
twoją brodę Trockiego i Wojny Hiszpańskiej (…)
twoje oczy przywiązane do stołu operacyjnego
twoje oczy z usuniętą trzustką
twoje oczy operacji wyrostka
twoje oczy poronienia
twoje oczy usuniętych jajników
twoje oczy szoku
twoje oczy lobotomii
twoje oczy rozwodu
twoje oczy ataku serca
twoje oczy samotne
twoje oczy
twoje oczy
twoją Śmierć wśród Kwiatów. 

Ginsberg usprawiedliwia się w ten sposób przed matką, usprawiedliwia swój strach przed jej chorobą, swoją częstą nieobecność i milczenie: „Najpierw muszę się przedrzeć – ku mówieniu do ciebie – bo nie robiłem tego, kiedy miałaś usta” . Wydaje się, że to usprawiedliwienie ma służyć przede wszystkim osiągnięciu spokoju i pogodzeniu się z samym sobą. Wyznanie win i wspomnienie Naomi w lamencie Ginsberg traktuje jako oczyszczenie się z grzechu abnegacji.

Poeta, który pielęgnował swoją traumę przez prawie trzy lata, napisał Kadysz w ciągu niecałych czterdziestu godzin, wzmacniając się kawą i narkotykami, w szczególności benzedryną. Nie był to pierwszy kontakt Ginsberga z narkotykami. O wiele wcześniej zetknął się ze środkami odurzającymi, które stały się dla niego sposobem odkrywania nieznanych obszarów ludzkiej psychiki i metodą na doznanie buddyjskiego satori. Satori to oświecenie, absolutne wyzwolenie świadomości, przeżycie mistyczne, które wyznawca buddyzmu zen opisuje tak: „W umysłach naszych dokonuje się wtedy całkowity przewrót. Przestaje nas nękać złość i nienawiść, nie kłuje już zazdrość ani ambicja, nie opada smutek ani rozczarowanie, nie ogarnia melancholia ani rozpacz...”. Satori jest „zdobyciem nowego punktu widzenia świata”, „to nieoczekiwany rozbłysk w świadomości nowej prawdy, o której się nawet nie śniło”.

W tamtym okresie narkotyki były traktowane jako jeden za sposobów zaznaczenia swojej niezależności od społeczeństwa amerykańskiego i jego niskich ambicji. Zażywali je wszyscy przedstawiciele „zbitego pokolenia”. Ginsberg natomiast traktował je wyłącznie jako środki wspomagające rozwój duchowy. Pod ich wpływem napisał wiele spośród swoich najważniejszych wierszy i poematów, od Skowytu począwszy, poprzez Zwiedzanie Walii, Meskalinę, LSD czy Gaz rozweselający, po późniejsze liryki. Jego najważniejszym doświadczeniem narkotykowym było sięgnięcie po substancje halucynogenne Indian amazońskich: yage i ayahuasca, z którymi zetknął się w czasie podróży po Ameryce Południowej i Środkowej (Chile, Peru, Boliwia, Meksyk). „Po spróbowaniu tego narkotyku w Limie poznaje w Pucallpa, małej wiosce w dżungli, pewnego indiańskiego czarownika, który przygotowuje dla niego wywar z dwóch roślin. Tym razem działanie jest dużo silniejsze. Ginsberg przeżywa stan, który nazywa »wielkim istnieniem«”. Po tym eksperymencie poeta twierdził, że zupełnie zmienił się jego pogląd na kwestie narodzin i śmierci, że potrafił pogodzić się ze śmiercią matki, wreszcie, że zupełnie inaczej zaczął postrzegać samego siebie. W związku z tym nawiązał kontakt z Timothym Learym, wykładowcą na Uniwersytecie Harvarda, który prowadził doświadczenia nad syntetycznie wytwarzanym halucynogenem, pochodną chemiczną tzw. „świętego grzyba” o łacińskiej nazwie Psilocybe mexicana.

Kiedy Ginsberg wraz z Peterem Orlovskym odwiedzają Leary’ego w grudniu 1960 roku i zażywają narkotyk w postaci tabletek, są porażeni jego wpływem na psychikę. Allena ogarnia niespotykana radość, która trwa przez sześć godzin działania halucynogenu. Postanawia wraz z Learym poczęstować nim znanych ludzi związanych ze sztuką, wśród których znaleźli się Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Jack Kerouac i Robert Lowell. Ten ostatni stwierdza, że dopiero pod wpływem działania narkotyku zrozumiał poezję Williama Blake’a. Leary, zachęcony sukcesem, postanawia zmienić świat za pomocą halucynogenów i LSD, proponując je wysoko postawionym osobistościom ze świata polityki i biznesu. Jednak już 6 października 1966 roku władze Kalifornii zakazują posiadania i używania LSD, co, jak wiadomo, nie wpłynęło znacząco na zlikwidowanie problemu – amatorzy innych stanów świadomości przenieśli się do podziemia, a politycy nie mówili głośno o swoim nałogu.

Ginsberg nigdy nie miał oporów przed przyznawaniem się do zażywania narkotyków. Otwarcie mówił, że służą mu one do poznawania siebie i zrozumienia swojej prawdziwej jaźni. W wierszu Meskalina z 1959 roku pisze:

Gnijący Ginsberg, patrzyłem dziś w lustro nagi
ujrzałem starą czaszkę, coraz bardziej łysieję
glaca błyska mi w kuchennym świetle spod rzednących włosów
jak czaszka zakonnika w starych katakumbach oświetlanych
latarką strażnika
za którym idzie tłum turystów
a więc śmierć istnieje (…) 

Poeta wizualizuje obraz siebie w przyszłości i w spontanicznych zdaniach próbuje dociec, czym jest istota świata, życia i śmierci:

Co będzie kiedy gong śmierci da gnijącemu ginsbergowi w łeb
w jaki wejdę wszechświat (…)
Chcę wiedzieć co będzie gdy umrę (…) 

Chociaż Ginsberg uważa, że każdy byt jest święty tu i teraz, zajmują go kwestie życia po śmierci, nicości, wieczności, Boga i świadomości oraz buddyjskiej wędrówki dusz. To wszystko dokonuje się w umyśle sztucznie wspomaganym narkotykami w celu uzyskania głębszej, prawdziwszej wizji siebie i świata. Kiedy czyta się wiersze Ginsberga napisane w transie narkotycznym, ma się wrażenie, że jest to działanie podjęte z pełną świadomością.

Na dowód tego zacytujmy fragment Zwiedzania Walii, poematu napisanego pod wpływem LSD:

Biała mgła wznosi się i opada na brew wzgórza
Drzewa płyną w rzekach wiatru
                                   Chmury rosną
            jakby na grzbiecie fali, ogromny wir unosi opary
            ponad rojem paproci wspaniale ukołysanych
                                   u zielonej skały
            błyskających przez gotyckie okno w deszczowej dolinie –

O Ja, Liryczny, Visitacione, niech powiem to tylko,
            co widział w dolinie Albionu człowiek
                    z narodu, którego nauki fizyczne kończą się na Ekologii,
                                   mądrość doczesnych związków,
                  ust i oczu wplatających się w dziesięć stuleci widzialnych
                                   sadów języka umysłu prawdziwie ludzkiego,
            diabelskiego ostu który wznosi swą rogatą symetrię
    anielsko jak żarówka rozkwitając nad różowym drobnym kwieciem
                                   siostrzanych stokrotek

Doświadczenie mistyczne widoczne jest w całym poemacie. Wiersz nie jest jednak wynikiem wyłącznie zażywania narkotyków, lecz także tzw. „przełomu buddyjskiego” w życiu Allena Ginsberga. Poeta to obserwator, który zupełnie inaczej postrzega świat i tym różni się od przeciętnego człowieka. Jest w końcu poetą i rzetelnym komentatorem wydarzeń, które dzieją się wokół niego. Próbuje stopić się ze światem, utworzyć z nim nierozerwalną całość. Jednocześnie Zwiedzanie Walii wpisuje się w nurt ekologiczny, którego bardziej znanym przedstawicielem jest inny poeta związany z pokoleniem beatników, Gary Snyder.

Ostatnie zdanie Meskaliny brzmi: „Nie ma sensu pisać, gdy duch nie prowadzi pióra”. Ginsberg często pisał, mając wrażenie niemocy twórczej, co jest widoczne w wielu lirykach. Niektórzy (szczególnie komentatorzy z kręgu Nowej Krytyki) twierdzą, że właściwie nigdy nie był błyskotliwym talentem poetyckim.

Lecz oto dokonuje się w nim kolejna przemiana. Ma ona miejsce w Tokio, kiedy Allen odwiedza Gary’ego Snydera i Joanne Kyger. Wpływ na tak radykalny zwrot w życiu i poezji Ginsberga ma jeden z mędrców Wschodu, Suami Sziwananda. Twórca obrazoburczego Skowytu zawraca ze ścieżki, którą szedł do tej pory, i rezygnuje z poszukiwania drogi doskonalenia duchowego za pomocą narkotyków. Odrzuca „świadomość kosmiczną” jako wartość, której nie można do końca określić, wyrzuca ze swej pamięci wizję Blake’a oraz rezygnuje z daremnych i nieludzkich prób poszerzania świadomości. „Teraz hasło brzmi: »Moje ciało to centrum miłości«”. Odtąd buduje Ginsberg osobistą etykę miłości do świata i ludzi, opartą na mistycznej akceptacji bytu, głosi prawdy: „kochaj każde stworzenie”, „nie zabijaj, bo sam też chcesz żyć”, „nie niszcz swojej świadomości”. Jego zdaniem raj jest tu i teraz i nie jest to raj wzięty z narkotycznej wizji, lecz raj jako stan dany przez Boga. W Wybrzeżu w Galilei pisze: „nie stawiaj dat wszystko jest tu”, czyli na ziemi, na tym świecie. Godzi się z samym sobą i z całym światem, który nabrał teraz zupełnie innych barw, wyraźniejszych i nie tak psychodelicznych, jak po zażyciu narkotyków. Niepotrzebni już są kosmiczni przewodnicy, co zaznacza wyraźnie w Dolinie Karmel:

Nikt nie będzie musiał ogłaszać Nowego Wieku
Nie ma imienia niezwykłego, nie ma drogi Jedynej,
                        ni głosiciela Metody ni
                                   Zwiastuna Nieznanego Węża,
Nie potrzeba Mesjasza wystarczy Kraj my sami
                                               Pięćdziesięcioletni –
Allachem to drzewo, Wiecznością ten Wiek Kosmosu! 

Jeszcze wyraźniej zaznaczy to w ostatnich słowach poematu Ostatnia noc w Kalkucie:

– Zostaw innym nieśmiertelność, niech cierpią jak głupcy,
nie daj się zapędzić w kąt wszechświata gdzie
wstrzykujesz sobie w ramię morfinę i jesz mięso. 

Najważniejszym poematem świadczącym o przełomie, który dokonał się życiu Allena Ginsberga, jest Przemiana: ekspres Kioto – Tokio, wiersz, w którym poeta chce „otworzyć wrota na to co Istnieje” i w którym wciela w życie swą nową prawdę: „Moje ciało to centrum miłości”.

… lecz jestem wszechświatem skóry i oddechu
                        i zmiennych myśli i
                        płonącej ręki i rozmiękłego
                        serca w starym łóżku
                        mej skóry Z tych jednych
                        narodzin znów jestem zrodzony
                        by być takim właśnie 

Wiara w powtórne narodziny nie jest wzięta z tradycji judeochrześcijańskiej, ale z tradycji buddyjskiej, w której Ginsberg szybko się odnalazł. To na niej buduje swoją etykę miłości:

…bramy moich Niebios
nie zamkną się dopóki
nie wejdziemy wszyscy. 

W jednym z wywiadów po powrocie z podróży Ginsberg mówił: „Chciałbym się dowiedzieć, co oznacza dla mnie raj. Moja wizja ziemskiego raju [to] miejsce, do którego wracam, w którym akceptuję świat, akceptuję swoje ciało i jestem gotów umrzeć. (…) To jest moje marzenie, mój raj”. Ziemski raj Ginsberga nie jest miejscem ani stanem powszechnej szczęśliwości, ale właśnie pogodzenia się z samym sobą i światem, bo wciąż „Jestem tym który drży w obliczu śmierci / w wymiotach i transie w bambusowych / wiecznościach (…)”, a „wszystko co możesz zrobić to cierpieć metafizyczny ból umierania”.

Ginsberg był przekonany, że przeniósł się do raju już za życia, i próbował pogodzić te dwa stany, tj. codzienną egzystencję i krainę arkadii, walcząc o wolność jednostki, angażując się w akcje na rzecz rozbrojenia i kampanie antywojenne czy proekologiczne, a także popierając powszechny dostęp do narkotyków. W 1971 roku poznał ekscentrycznego lamę Chogyama Trungpę i został jego uczniem. Coraz bardziej fascynował się buddyzmem zen, nauczył się śpiewać mantry i – jak się wydaje – do końca pogodził się ze światem.

Wiersze Allena Ginsberga są zapisem doświadczeń jego i pokolenia beatników, poszukiwań „kosmicznej doskonałości”, rozwoju duchowego, problemów ludzkiej egzystencji, wreszcie buddyjskiego uspokojenia i panowania nad ziemskimi popędami. Dla odbiorców poezji w XXI wieku świadectwo twórcy Skowytu może się wydawać co najmniej staroświeckie – zgodnie ze słowami Piotra Sommera – ale jest to dokument jego czasów, który miał niemały, choć nie zawsze fortunny, wpływ na dorobek poetycki następnych pokoleń. (Andrzej Pietrasz)

Zapraszamy na polskojęzyczny blog Allen In Poland poświęcony życiu i twórczości A. Ginsberga. 
1 comment
Posted in , , ,

Ignatz - II (2007)


George Herriman created Ignatz in 1910. It was a vicious mouse in the comic Krazy Kat. Ignatz’ favourite occupation was throwing bricks at Krazy Kats head, who thought it was a love declaration from the mouse. The Brussels based artist Bram Devens uses Ignatz as his alter-ego for his own pile of bricks. Acoustic songs wrapped with effects and driven by improvisation and spontaneous-ness.


The debut of Ignatz is still fresh in your memory, and he’s already there with the follow up. On Ignatz II , he walks further down the Appalachians in the year 2050. Stunning rootsfolk, but played by a lost and unworldly creature. His sound builds further upon his debut album, with the difference that on one of the six tracks he doesn’t use any effects. He even sings and talks more and creates his own musical world around it. In the meantime he has become musical partners with Paul Labreque (Sunburned Hand of the Man) and Silverster Anfgang (Belgium), but still proves that his solo work towers above his other collaborations. II is the affirmation of his talent. Future weird Belgium!! (kraak)
1 comment
Posted in , , ,

Ed Askew - Little Eyes (2007)


Little Eyes was the second album that Ed Askew recorded. His eponymous debut (reissued under the name Ask the Unicom) was one of the gems of the original ESP-Disk catalogue. Strangely-voiced folk music with no easy parallels, packed inside a sleeve showing a negative image of cars burning on the streets of Stamford, Connecticut, it was as anomolous as any of the label's offerings, and brimmed with a very special disconnectedness. It was even played on an instrument — a Martin tiple—which seemed imaginary. Who ever heard of a tiple?

Over the years, small pieces of Ed's story came into the light. The most exciting nugget was the rumor he'd done sessions for a second album, which had been finished, but never issued. This rumor was borne out a few years ago, with the discover)' of Little Eyes —an album which actually supercedes its known predecessor In terms of songwritings, vibe and all else.


A solo set, recorded roughly three years after his debut, Ed's plan was to craft an album that recreated his live shows. Most of the songs were done in a single take, tape rolling the whole time, spaces to be edited out at a later date. Mistakes happened, but were incorporated into the feeling of spontaneity that whs part and pared of the project. And damn, the songs are great.

Ed recalls that most were written during the brief period he lived with a woman named Jessica in a one room apartment in Brooklyn Heights, and they have a tenderness recalling Pearls Before Swine at their least cryptic. It should be noted, Ed only met Ibm Rapp briefly and does not count him as an influence.


"Pearls Before Swine I only met once," Ed recalls. "I was tripping and in no mood to talk to anyone. So it was sort of a non-event I don't know what they thought. I remember Tom Rapp—at least I assume it was Ibm Rapp—telling me Stollman had sent them some copies of my record and ft was one of the strangest things they'd ever heard. But after Lou Reed and Patti Smith and all that, I don't think it sounds so strange.*

In these days, so long after Patti and Lou and all that, I'm sure we can just listen to, and embrace the magic that fills Little Eyes. The actual Littie Byes session has been appended for this issue by some lovely work recorded at various radio stations, after the album foundered. This material uses more harmonica than Ed's studio work and is proof he was ready to produce lots more of the ethereral work that was his special province. Perhaps this is the right moment to declare your tastes as being hippcr than Ibm Rapp's. Go ahead. Free yourself. (Byron Coley)
1 comment
Posted in ,

King Blood - Eyewash Silver (2010)


In late 2010 a record came out of nowhere and blew our minds. That record was "Eyewash Silver" by King Blood. Unfortunately, it was issued in a limited edition of 100 copies and it disappeared faster than a fugitive at a busted up coke party. We initially discovered the record through a very enticing review that Doug Mosurock over at Still Single / Dusted wrote and our minds were blown when we received the records and realized that there was absolutely no hyperbole or exaggeration in Doug's review. For your reference, here's said review: "Little anonymous fuzz guitar rudiment blowdown from ex-Snake Apartment guitarist Ryland Wharton (also the man behind the excellent Skulltones and Twonicorn labels). As King Blood, he lays down eight instrumental four-trackers rendered over a three-year period, nothing but guitar, bass and cymbal to keep time, and in that space the artist gets real, with simple themes repeated in a noisy, low-rent, yet meditative space. For as thick as these vibes get, the music itself is not necessarily aggressive, which is why these big, billowing songs sound gentle and bluesy and introspective, even in the overblown treatment most of them receive. Early Wooden Shjips or the Purling Hiss LP (and above all, Les Rallizes Denudes) would be good signposts for this album, but without the obvious psych moves like wah-solos and acid burn motifs, or the heavy drumming to keep time; King Blood wants to get you down by volume, and in that it is a drifting, uncompromising, diffuse and very loud success. 100 copies for this world, in paste-on sleeves – a few contain a silkscreened design on Stonehenge paper that was allegedly runoff from a gallery exhibition held earlier this summer. Those are signed and numbered as well. (availability? ask the angels...)" This limited reissue contains the same astounding sounds as the original pressing, but the artwork has been glorified. Each one of these 300 copies was lovingly hand-assembled, diligently hand-numbered, and carefully handled by Permanent staffers. (midheaven)

1 comment
Posted in , ,

Carmel - Tracks of My Tears (1982) [rare mini LP]



Carmel (born Carmel McCourt, 24 November 1958, Wrawby, Lincolnshire, England) is a British female singer, her eponymous band Carmel uniting bassist Jim Parris, and drummer Gerry Darby.

The band formed in Manchester when two students, Carmel McCourt and Jim Parris got together with drummer Gerry Darby (Parris' cousin). Their debut single, "Storm" reached No. 1 in the UK independent chart and Carmel was signed immediately to London Records. Their second album The Drum is Everything (produced by Mike Thorne) drew some praise. Parris and Darby conjured the effect of a full ensemble backing to McCourt's vocals, and alternated between soulful ballads, gospel, blues and jazz. The resulting singles "Bad Day" and "More, More, More" both went Top 25 in the UK Singles Chart. The following album, The Falling (produced by Brian Eno, Hugh Jones and David Motion) made Carmel moderately successful in France, achieving gold disc status, as well as charting in Belgium, Germany and The Netherlands. Carmel had a hit in France with "J'oublierai ton nom", a duo with France's Johnny Hallyday. "Sally" the first single lifted from the album sold 500,000 copies in France alone.

With the critical and commercial success awarded both The Falling and the next album Everybody's Got A Little Soul, record producers were keen to work with Carmel.

1989 saw the release of Set Me Free, with Brian Eno and Pete Wingfield adding their touches to the material. A five star review in Q describing the album as "incendiary".1990's 'best of' compilation, Collected, put the band's career into perspective.

1992's Good News saw Carmel moving to East West Records with Parris producing. In 1997 Ronnie Scotts provided the venue to record their last album, Live at Ronnie Scotts, which was a collection of their work and some previously unreleased material.

Live performance has always been central to Carmel's work and they are successful on the European touring circuit, and has sometimes found greater appreciation on the continent than it has done in the UK. The French christened McCourt the new Edith Piaf, and in Italy she won the accolade of Best Jazz vocalist at the Messina Festival.

During much of the 1990s the band members were living between Barcelona, Paris and Manchester, and it was hard for them to work together, so they pursued other musical projects. Parris created the band Nzi Dada with Paris based multi media artist Xumo Nounjio, and Carmel worked on various projects as a singer, writer and teacher.

The start of the millennium saw them all back in their adopted hometown of Manchester, but Darby decided he no longer wanted to continue. In 2002 Parris and McCourt undertook a tour playing the old material with a nine piece band. Later they worked on material for a new album with drummer Brice Wassy.

McCourt and Parris are currently working on new pieces, one written alongside poet Sonia Hughes. They intend to perform them as a duo with some sound treatments by new collaborator Jaydev Mistry, plus filmwork by Adrian Ball.
1 comment
Posted in , , , ,

Evan Ziporyn ‎- Gamelan Galak Tika (2000)


“What if a first-rate American musician seriously studied Balinese gamelan and started to combine it with electric bass, bowed bass and processed samples of gamelan sounds, all done with a sympathetic ear out for techno and rock? Well, one has, and his name is Evan Ziporyn. Take a listen to the third track of Amok! and elsewhere on this CD to hear the results.”–Steve Reich

Since 1979, Evan Ziporyn, a member of the Bang on a Can All Stars, has devoted an extraordinary amount of effort toward the study and performance of traditional Balinese music. The results of his creative endeavors elude classification in cultural pigeonholes.

Both works on this disc are extended pieces for full Balinese gamelan with various Western instruments. Tire Fire is written for gamelan and electric guitars while Amok! is scored for gamelan and digital sampler. In both pieces, Ziporyn explores the blurring of boundaries that results from the interaction between Western technology and Balinese gamelan. His quest for cross-cultural epiphanies never privileges one tradition over the other, but fuses both in a riot of rhythm and color that redefines the term world music. (airplaneears)
1 comment
Posted in , ,

Joakim Skogsberg - Booga Heart (2002)


Paust wspominał tak w jednym ze swoich dawnych postów :

Joakim Skogsberg to szwedzki artysta urodzony w 1946 roku w Sztokholmie. Znany ze swych proekologicznych poglądów, w latach 60-tych brał udział w wielu różnych projektach artystycznych, współpracował m. in. także z grupą Träd, Gräs och Stenar. Szersze uznanie zyskuje wraz z wydaniem fenomenalnej acid folkowej płyty "Jola Rota" w 1971 roku, nagranej przy współpracy z muzykami z zespołu Kebnekaise. Po długiej przerwie, w  1999 roku ukazuje się nagrany w podobnym duchu i nie mniej wciągający album "Indi Dust Garden", zawierający m. in. przykłady transowych eksperymentów z głosem. Wydana w 2002 roku kolejna płyta "Booga Heart" to już kompletny odjazd.


Joakim was born in November 1946 in Stockholm, and got interested by nature in an early age. Perhaps it was because his grandfather was a boat builder on the Dal River fisherman and his Grandma was magic knowledgeable and had a divine laughter? He worked with many of his own and joint projects in the creative 60's in Stockholm, where film, music and art flowed together in “happenings.” Among other things he recorded some live gigs with Träd, Gräs och Stenar (the “Festen Pa Gärdet” CD). He later moved from the city to the nature in Jämtland in the middle of Sweden.

Jola Rota was recorded on the very small label GUMP in 1971 (which was actually the big Metronome labels side project for more experimental music). It's inspired by folkmusic from Jämtland. The kind of humming that is on the record is traditionally called “Jola” and “Rota”. The record was produced by Swedish artist Pugh Rogefeldt who's also on the record, as well as some members of folkpsych group Kebnekajse .

Lately Skogsberg has made a living on art (painting etc), and in recent years been involved with some music in much the same form as on Jola Rota, thus Jamtlandish folk. In 1999 he released the album “Dust Indi Garden” which is very similar to his LP and includes the 43 minutes long song “Holi bands.” The last two discs, “Black'n'Red Blues” and “Booga Heart” are less official and exist only in very small edition of about 50-100 copies and are in first place meant for his friends, acquaintances and members of various art associations. (lastfm)
1 comment
Posted in , ,

Bo Diddley (1958)


Bo Diddley to właściwie jeden z ojców muzyki rozrywkowej. Trudno sobie wyobrazić jej ewolucję bez riffów gitarowych, które obmyślił sobie Bo. Nikt, kto uważa się za gitarzystę nie może powiedzieć, że nie zna jego charakterystycznej techniki gry.

Ellas Otha Bates McDaniel, znany jako Bo Diddley (ur. 30 grudnia 1928 w McComb) – afroamerykański muzyk, śpiewak, skrzypek i gitarzysta związany z takimi gatunkami jak elektryczny blues, rock and roll i rhythm and blues. Bo Diddley ma na swoim koncie zaledwie kilka przebojów, jednakże jego wkład w rozwój rock-and-rolla jest nie do przecenienia. Był tym, który zdefiniował rolę sekcji rytmicznej. Od niego wywodzi się większość schematów rytmicznych używanych w rocku do dziś. Także i jego technika gitarowa wyprzedziła swoją epokę. Używał produkowanych na zamówienie gitar, o prostokątnym pudle rezonansowym. Dźwięk gitary wzmacniany, przez mocno przesterowane wzmacniacze, przypominał brzmienia o dziesięć lat późniejszego Jimi Hendrixa. W 1987 Bo Diddley został wprowadzony do Rock and Roll Hall of Fame.



Bo Diddley (born December 30, 1928) "The Originator", is an influential American rock and roll singer, songwriter, and guitarist. He is often cited as a key figure in the transition of blues into rock and roll, by introducing more insistent, driving rhythms and a hard edged guitar sound. He was born Otha Ellas Bates in McComb, Mississippi and later took the name Ellas McDaniel, after his adoptive mother, Gussie McDaniel. He adopted the stage name Bo Diddley, which is probably a southern black slang phrase meaning "nothing at all", as in "he ain't bo diddley". Another source says it was his nickname as a Golden Gloves boxer. The nickname is also linked to the diddley bow, a one stringed instrument used in the south by mainly black musicians in the fields.

Bates was given a guitar by his sister as a youth, but also took violin lessons. He was inspired to become a musician by seeing John Lee Hooker. He recorded for Chicago's Chess Records subsidiary label Checker. Diddley is best known for the "Bo Diddley beat", a rhumba-based beat (see clave) also influenced by what is known as "hambone", a style used by street performers who play out the beat by slapping and patting their arms, legs, chest, and cheeks while chanting rhymes. The beat has been used by many other artists, notably Johnny Otis on "Willie and the Hand Jive", which is more about hambone than it is a direct copy of Bo Diddley, Bruce Springsteen's "She's the One," U2's "Desire", Guns N' Roses's "Mr. Brownstone" and Buddy Holly's "Not Fade Away" as well as more obscure numbers such as "Callin' All Cows" by the Blues Rockers.

Bo Diddley used a variety of rhythms, however, from straight back beat to pop ballad style, frequently with maracas by Jerome Green. He was also an influential guitar player, with many special effects and other innovations in tone and attack. He also plays the violin, which is featured on his mournful instrumental "The Clock Strikes Twelve".

Rhythm is so important in Bo Diddley's music that harmony is often reduced to a bare simplicity. His songs (for example "Hey Bo Diddley" and "Who Do You Love?") often have no chord changes; that is, the musicians play the same chord throughout the piece, so that excitement is created by the rhythm, rather than by harmonic tension and release. His own songs have been frequently covered. The Rolling Stones covered "Mona" early in their career. The Animals recorded "The Story of Bo Diddley", The Who and The Yardbirds both covered "I'm a Man" and both the Woolies and George Thorogood had hits with "Who Do You Love", which was also covered by Quicksilver Messenger Service and was a concert favorite of The Doors. Bo Diddley's "Road Runner" was also frequently covered, including by The Who in concert and on an Aerosmith album.

Muddy Waters' "Mannish Boy" (originally "Manish Boy") was an adaptation of Diddley's "I'm a Man" and also an answer song, the title being Muddy's take on his younger rival. "Say Man" was Bo Diddley's only Top 40 hit. The Jesus and Mary Chain also recorded a tribute song "Bo Diddley is Jesus". Ronnie Hawkins recorded and covered "Hey Bo Diddley", "Bo Diddley" and "Who Do You Love" during his many recording sessions, including those with his backing band of the time, The Hawks, of course, later known as The Band.

On November 20, 1955, Bo Diddley was the first African-American to appear on The Ed Sullivan Show, only to infuriate him ("I did two songs and he got mad." Diddley later recalls, "Ed Sullivan said that I was one of the first colored boys to ever double-cross him. Said that I wouldn't last six months."). Diddley was asked to sing Tennessee Ernie Ford's hit "Sixteen Tons". But when he appeared on stage, he sang his #1 hit Bo Diddley. He was banned from further appearances. The Doors and comedian Jackie Mason would later join Diddley on the list of performers banned from the Ed Sullivan Show.

Although Bo Diddley was a breakthrough crossover artist with white audiences, appearing on the Alan Freed concerts, for instance, he rarely tailored his compositions to teenaged concerns. The most notable exception is probably his album Surfin' With Bo Diddley, which featured "Surfer's Love Call", and while Bo may never have hung ten in his baggies to catch the big wave, he was definitely an influence on surf guitar players [...]

His trademark instrument is the rectangular-bodied Gretsch (although he has had other similar-shaped guitars made for him by other manufacturers) guitar that he developed and wielded in thousands of concerts over the years—from sweaty Chicago clubs to rock and roll oldies tours and even as an opening act for The Clash and a guest for the Rolling Stones. In March of 1972, he played in New York City with The Grateful Dead.

In recent years, Bo Diddley has received numerous accolades in recognition of his role as one of the founding fathers of rock and roll. In 1986, he was inducted into the Washington Area Music Association's Hall of Fame. The following year saw his induction into the Rock and Roll Hall of Fame. His pioneering contribution to the genre has been recognized by the Rockabilly Hall of Fame. In 1996, he was awarded the Lifetime Achievement Award by the Rhythm and Blues Foundation. The following years saw his 1955 recording of his song "Bo Diddley" inducted into the Grammy Hall of Fame as a recording of lasting qualitative or historical significance and he received a Lifetime Achievement Award at the Grammy Awards Ceremony.



The start of the new millennium saw Bo Diddley inducted into the Mississippi Musicians Hall of Fame and into the North Florida Music Association's Hall of Fame. In 2002, he received a Pioneer in Entertainment Award from the National Association of Black Owned Broadcasters and a Broadcast Music Incorporated (BMI) Icon Award in recognition of his many contributions to contemporary music [...]

In 2006, Bo Diddley participated as the headliner of a grass-roots organized fundraiser concert, to benefit the town of Ocean Springs, Mississippi, which was devastated by the Hurricane Katrina. The 'Florida Keys for Katrina Relief' was originally set for 23 October, 2005, but Hurricane Wilma barreled through the Florida Keys on October 24 causing flooding and economic mayhem. In January 2006 the Florida Keys had recovered enough to host the fundraising concert to benefit the more hard hit community of Ocean Springs. When asked about the fundraiser Bo Diddley stated, "This is the United States of America. We believe in helping one another."
2 comments
Posted in , , ,

Jerry Moore - Life is a Constant Journey Home (1967)


Eric Gale (g)
Jerry Moore (g, vo)
Bill Salter (b)
Warren Smith (d)
Ralph MacDonald (cga)

Jerry Moore jest postacią fascynującą, nie tylko potrafi za sprawą muzyki skłonić do refleksji, ale również odsunąć na bok zmartwienia (...) Odkryty w Greenwich Village, miejscu nowojorskiej bohemy, ruchu beatników, w wieku 25 lat Jerry Moore nagrywa siedem utworów w tym Life Is A Constant Journey Home dla wytwórni ESP-Disk. Płyta ukazuje się w tym samym roku jako Ballad Of Birmingham/Life Is A Constant Journey Home. Jest to ostatnie oficjalnie zarejestrowane i wydane dzieło folkowego barda końca lat 60, ponieważ pan Moore został pastorem, który na ulicach ratuje ludzkie dusze od wiecznego potępienia. Żyje ... (źródło)

A quiet proposal Here’s a welcome find of the long-lost album by the largely overlooked Jerry Moore. Discovered in the clubs of Greenwich Village by fellow folk-singer Randy Burns, Moore’s bag is slightly reminiscent of Tim Hardin and Fred Neil, with a dash of Tim Buckley when he wants to send his plaintive vocal into overdrive.

A civil-rights activist at a time when revolution was in the air, Moore’s concerns are all over Winds Of Change and The Ballad Of Birmingham, which addresses the Ku Klux Klan’s bombing of a Baptist church in Alabama. To that extent, it’s worth viewing Moore as a kind of proto-Gil Scott-Heron, both men having the ability to preach without alienating the listener.

Even if one accepts this is a modest period piece, it still benefits from rediscovery since the backing, from Eric Gale’s guitar in particular, is first-rate soul funk; while Moore sings within his limitations, he can find an extra gear in the mystical Drugged and the Love-esque This Is My Time. Remastered now, Life Is… sounds crisp, unlike the muddier vinyl original. Having released it, Moore became a preacher and never made another album. This’ll do fine. --- Max Bell



This one is so legendary that we don’t have to describe it ourselves. All Music Guide’s Ron Wynn writes: “Here's a classic case of a great release coming from a most unexpected source. Moore did a number of reasonably effective soul and blues singles on regional labels, then recorded this seven-track concept work for the legendary bohemian New York label ESP Disk, best known for '60s underground rock bands like the Fugs, the Godz and Pearls Before Swine. Life Is a Constant Journey Home contains several remarkable protest and topical tunes, each sung with grit and conviction. “The Ballad of Birmingham” revisits the horrible bombing incident in 1963 that killed four little girls, while "Winds of Change" offers hope and inspiration to those battling for justice, and "Life Is a Constant Journey" takes almost a folkie musical approach while discussing the impact of fate and personal decisions. Like so many other remarkable ESP releases, this one got limited distribution and remains a collector's oddity, although it still stands as a fine piece of singer/songwriter commentary and vocal polemic.” Moore is supported on this album by well-known instrumentalists Eric Gale, Bill Salter, Warren Smith, and Ralph MacDonald. (ESP-Disc)
1 comment
Posted in , , ,

500mg - Vertical Approach (2004)


500mg is Michael Gibbons, and Michael Gibbons is 500mg all by himself. Except for the first track, which features additional guitar and whatnot by brother John. Vertical Approach focuses on layered guitar work (both acoustic and electric) with all kinds of other additions to the mix (sitar, loops, layers, etc.). As Ed at Eclipse says, “ Michael Gibbons, of monolithic sounds-great-on-any-substance rockers, Bardo Pond, delivers all the fuzzed out good you’d expect on his 1st solo LP. However, Gibbons really is hitting the true loner path here, forged by weirdos like Deuter, Sandy Bull, early Robert Wyatt and even Neil Young’s dusty Dead Man soundtrack. Yes, these are cyclical, even largely stripped-down meditations—call it komische raga folk, maybe? Whatever the case, that staring-into-the-sun / Skip Spence vibe prevails—this is a headswirler with feeling, from an underrated and understated guitar god. Sitar, plaintive acoustic guitar, electronics, sampled snatches of manipulated vocals, and that glorious trademark FUZZ. Is it for late nights or early mornings? That is for you to ruminate on. Artwork also by the talented Mr.Gibbons! ”  Indeed. (threelobed)

2 comments
Posted in , ,

The Bonnevilles - Good Suits & Fightin' Boots (2008)


"goes right back to the early blues of Howlin Wolf or Willie Dixon whilst also adding in the pure energy of sixties garage punk" --- FASTFUDE

The Bonnevilles are a garage punk blues duo from Lurgan, an unlikely combination, but what a result. Andrew McGibbon Junior on guitar and vocals and Chris McMullen on drums, formerly known collectively as the Motorsounds, are part of a new wave of musicians who are reinventing the blues for people who grew up with punk and grunge, relevant.

Just a while ago I read something about The Black Keys teaming up with Billy Gibbons for some kind of a soon-to-be collaboration. Had someone played me this album, telling me that it’d already happened, I’d be foolish enough to believe. What’s more, with the Keys starting to experiment in a more-polished-than-usual way with Danger Mouse, this might as well be the replacement, as good as any for their swampier early stuff.
The album opens with a noisy Motor City-fuelled pair, an obvious explanation why the main Bonneville, Andy McGibbon, named his label the way he did. It’s from the third number, the title tune, that the above reference becomes pretty obvious. It continues throughout the rest of the album, all rooted knee-deep in the swamps of the deepest of American South, as opposed to their Northern Irish origin, and put through their own kind of ‘Honest to God Punk-Blues-Rock-’n’-Roll-Lo-Fi-Trash’! --- Goran Obradovic



REVIEW FROM RICK SAUNDERS DEEPBLUES BLOG

Hey! Bonnevilles! Who the fck starts out their first album with an instrumental? You do, ya bastards. That takes some cojones. But while Good Suits stands tall as a powerful eleven track filler-less collection of singles it also flows album-wise, weaving from the aforementioned instro One More Nail Outta Rock n' Rolls Coffin to the souped up garage stormer Army of One to the boogieass menace of title tracker Good Suits and Fightin' Boots. No Government, No Country, No King is a slow, tense politiblues burner which is followed by The Drag which sports a similar hot slow burning, if not sexier vibe and ends with the snip of a JFK speech. The centerpiece of this work, God Might Love Me (But He Doesn't Know Me Like The Devil Does) stands as one of the tracks I found myself playing repeatedly. McMullan's simple slow tribal toms match McGibbon's on-point grungy slide work to set a resigned yet menacing tone. Acoustic roots rocker I don't Like Whiskey is a blues redeemer. Super single C'Mon is a delicious hook filled head knocker and bottle buster with it's singalong chorus raisin' hell and fuss. The Belgians Are Coming is two minutes of Dick Dale-esque red tide dirty surf perfection. The set ends with the wicked live anthem Hardtale Lurgan Blues that smokes deep and hard from fit to fin. Like my man Dj Hillfunk says "it's a slow grower" but once I locked into the turbo charged souled-out grinding alt-blues sound of The Bonnevilles I was blown up and dusted. The Bonnevilles Good Suits and Fightin' Boots easily ranks high on my short list of best albums of the year.
1 comment
Posted in , ,

Jack Ruby 1974 - 77 (2011)


The first recordings unearthed of this seminal proto-punk/no wave unit from New York City, circa 1974-1977!!! Twisted, aggressive, weird rock on par with the Electric Eels, 'Debris, Simply Saucer and early MX80-Sound! Featuring George Scott (Contortions)


The formation of Jack Ruby started in Albany, New York, during the summer of 1973. That was when vocalist Robin “Robby” Hall and guitarist Chris Gray hatched the idea of forming a band. By year’s end, Hall had relocated to New York City and Gray followed suit. The duo soon became a trio when Randy Cohen, an acquaintance of Gray’s, joined. Cohen had the distinction of being one of a handful of people who created the Serge synthesizer, one of which he himself owned. Cohen, in turn, recruited Boris Policeband, who, according to Hall, was “a crazy but talented violin player who amplified his music through a small FM transmitter.” Hall was the one who came up with the band’s name.

“The name came mainly because it had a ring to it, and because I thought we could use the famous picture of Jack Ruby shooting Lee Harvey Oswald as a memorable visual shortcut in ads, posters and record covers,” Hall recalled. The idea worked: “A year later, a cab driver asked me the name of my band and when I said ‘Jack Ruby,’ he nodded and said, ‘I heard of you.’”

In early 1974, the quartet entered a Times Square studio to record a trio of songs: Gray and Cohen’s “Hit and Run,” Policeband’s Captain Beefheart-inspired “Mayonnaise is Made of Eggs,” and a third number that has, apparently, been lost to the ages (even the title can’t be recalled). Gray played guitar and bass, Cohen handled drum and synthesizer duties, Policeband played violin, and Hall did the singing.

The strength of their first demo caught the attention of Steve Paley, who worked in the A & R department of Epic Records, part of Columbia Records. He commissioned another demo from the group, which he arranged to have them record at Columbia Studios. Shortly before the recording commenced, Boris Policeband left rather abruptly. The remaining members sequestered themselves in Cohen’s parents’ house in rural Pennsylvania for a couple of weeks in order to work up some new material. They returned to New York and recorded “Bored Stiff,” “Sleep Cure” and “Bad Teeth.” Epic passed on the young prospects, who then shopped their demo around to a variety of labels, none of which were interested.

Cohen was the next to leave, after which Hall and Gray decided to recruit a bassist and drummer. Sometime in 1975, they hooked up with George Scott, a former thespian who had gotten caught up in the New York music scene and started playing bass. Although the band spent a lot of time rehearsing, the revolving door of drummers and lack of original material kept them from playing any live gigs.

In May of 1977, Hall left Jack Ruby (and New York City). Gray and Scott recruited Steve Barth (a friend of Scott’s) as lead singer, and this line-up played at least one gig (at Kenny’s Castaways). For the most part, though, Gray handled the vocal duties following Hall’s departure. By year’s end, George Scott was working with James Chance in the Contortions, and little – if anything – was being heard from Jack Ruby.

Chris Gray eventually moved back to Albany. Randy Cohen developed a career as a writer, working for the likes of David Letterman and Rosie O’Donnell, before landing a gig at The New York Times as “The Ethicist.” Boris Policeband remained on the New York scene before disappearing in the mid-1980s; rumors of his death abound, though no concrete evidence has emerged to support them. Robin Hall currently resides in Brooklyn. (tonezone)
1 comment
Posted in , , ,

Third World War (1970)


Third World War were an English rock & roll band formed in 1970 by manager and producer John Fenton together with songwriters Terry Stamp and Jim Avery. Fenton came up with the band's name and provided a large part of its musical direction; Phill Brown, the recording engineer on the band's first album, quotes him as saying, "I want a no-bullshit, working class band—I've had enough of all this pseudo peace crap." Due to this attitude, the band's raucous sound and its revolutionary lyrics, they have been described as "England's first punk band." They have received praise from several notable figures, including Henry Rollins and Steve Albini. Joe Strummer has claimed that Third World War "were doing it when everything else was dead."

In 1970 the band recorded their first album, Third World War, which was released in 1971 on Fly Records. Largely, the themes of the album espoused far-left political sentiment. It featured Stamp on rhythm guitar and vocals, Avery on bass, Mick Liber on lead guitars and Fred Smith (drums). Tony Ashton also added piano on some of the tracks, and Jim Price (trumpet and trombone) and Bobby Keyes (saxophone), American musicians who were playing with the Rolling Stones, provided some horn parts.

At the time the album was released, the band had yet to play live. In the summer of 1971 Avery, Fenton and Stamp reconfigured the group to get "the 'best' live grouping," which was Stamp, Avery, John Hawken on piano, John Knightsbridge on lead guitar, and Paul Olsen on drums. They toured Finland, playing 35 gigs in 30 days, and then went on to perform at a number of festivals across Europe. 1971 also saw the release of the band's two singles, "Ascension Day"/"Teddy Teeth Goes Sailing" and "A Little Bit Of Urban Rock"/"Working Class Man", both of which appeared on Fly Records.

By the time Third World War went into the studio in 1972 to record their second album the management at Fly Records were becoming unhappy with the band's lack of commercial potential. Hoping to guide the group towards more mainstream acceptability, the label demanded the song "Coshing Old Lady Blues" be removed from the album. Fenton refused to release the album without that track, so Third World War II came out instead on The Who's Track Records label. Personnel on the record was the touring group from the previous summer, except that Craig Collinge replaced Olsen on drums. During the recording of the album, Fenton ran out of money and could no longer pay the musicians, and once the record was finished the band broke up.

1 comment
Posted in , , ,

Fausto Romitelli - Anamorphosis (2012)


Fausto Romitelli (1963-2004)

Ten przedwcześnie zmarły kompozytor włoski należy z pewnością do najbardziej intrygujących osobowości artystycznych schyłku XX i początku XXI wieku. Po ukończeniu konserwatorium mediolańskiego i pobycie w Paryżu (IRCAM) doszedł do bardzo indywidualnego stylu, ukształtowanego przez skłonność do romantycznej ekspresji, wrażliwość na barwę dźwięku (jego „grubość, porowatość, jaskrawość, gęstość i elastycznosć”), zainteresowanie muzyką techno i rockiem. Najważniejsze utwory Romitellego to instrumentalny cykl Domeniche alla periferio dell’impero, trylogia Professor Bad Trip: Lessons I-III na zespół instrumentalny i elektronikę, orkiestrowe Dead City Radio. Audiodrome oraz – powstała na krótko przed śmiercią i mająca znaczenie syntezy – wideoopera An Index of Metals.


One of the most promising of the young generation of Italian composers, Fausto Romitelli, born in Gorizia in 1963, died prematurely in 2004 after a long illness.

He first studied under Franco Donatoni at the Accademia Chigiana in Siena, and later at the Scuola Civica in Milan. Besides Donatoni, his early inspirations were György Ligeti and Giacinto Scelsi, followed by Karlheinz Stockhausen, Pierre Boulez and Gérald Grisey. His 1980s output already testified to his interest in sound as, in his own words, a “material to be forged”: Ganimede (1986), for alto, and Kû (1989), for 14 musicians.

In the 1990s, he continued his investigations of sound at Ircam in Paris, and with the musicians of L’Itinéraire—Tristan Murail, Gérald Grisey, Michael Lévinas and Hugues Dufourt. He studied at Ircam’s Cursus de composition and, from 1993 to 1995, collaborated with the Représentations musicales team in the capacity of “compositeur en recherche.” Romitelli’s experiments in sound synthesis and spectral analysis informed his compositions during this period: Sabbia del Tempo (1991), for six performers, and Natura morta con fiamme (1991), for string quartet and electronics.

Anything but a formalist composer, Romitelli did not shy away from hybridization, breaking down the barrier between art music and popular music. Distortion, saturation, psychedelic rock—inspired compositions and “dirty” harmonies were part of his musical universe, evident in Acid Dreams & Spanish Queens (1994), for amplified ensemble, EnTrance (1995), and Cupio Dissolvi (1996). The Professor Bad Trip cycle (I, II and III, 1998—2000), blending distorted colorations of acoustic and electric instruments as well as accessories like the mirliton and harmonica, was inspired by Henri Michaux’s writings under the influence of psychedelic drugs, and recreates a hallucinatory atmosphere.

An Index of Metals (2003), a video-opera for soprano and ensemble, with video by Paulo Pachini, is Fausto Romitelli final work, the synthesis and summit of his musical language. (source)
1 comment
Posted in , ,

Mott The Hoople - Live in Stockholm (1971)


Mott the Hoople znajdują się w czołówce najlepszych zespołów rock & rolla. Jednak mimo nagrania wielu świetnych płyt, nigdy nie zdołali się przebić do głównego nurtu.

Zespół powstał w 1969 roku w składzie Mick Ralphs, Verden Allen, Overend Pete Watts, Dale "Buffin" Griffin i Stan Tippens. Muzycy podpisali kontrakt z wytwórnią Island i zaczęli nagrywanie materiału pod okiem producenta Guya Stevensa. To właśnie on jest twórcą nazwy grupy.

Zaraz po tym zwolniono Tippensa, którego zastąpił Ian Hunter. W takim składzie zespół w 1969 roku nagrał swój debiutancki album zatytułowany "Mott the Hoople". Na nim znalazły się takie przeboje jak "Laugh At Me" i "You Really Got Me". Sama płyta nie sprzedała się jednak w zbyt dużej ilości egzemplarzy, podobnie jak kolejna - "Mad Shadows". Zespół postanowił zwrócić się nieco w kierunku muzyki country i nagrał album zatytułowany "Wildlife". Krążek ukazał się w 1971 roku, jednak miał jeszcze gorsze przyjęcie niż jego poprzednicy.

Mimo porażki w sprzedaży płyt, zespół zyskał wysoki status dzięki występom na żywo w Wielkiej Brytanii. Mott the Hoople postanowili więc wydać koncertowy krążek "Brain Capers". Jednak i ta płyta nie sprzedała się w wystarczającym nakładzie i grupa była bliska rozpadu. Wtedy do akcji wkroczył David Bowie i obiecał wyprodukować kolejny album zespołu. Zaproponował także, by Mott the Hoople nagrali utwór "Suffragette City", jednak muzycy zdecydowali się na "All the Young Dudes". Okazało się, że był to strzał w dziesiątkę - nagranie stało się wielkim przebojem, wspinając się na czołówki list przebojów w 1972 roku. Podobnie było z albumem pod takim samym tytułem jak singiel.

Następnie zespół opuścił Allen, a grupa rozpoczęła pracę nad kolejnym materiałem. Efektów mogliśmy posłuchać na wydawnictwie "Mott" - koncept albumie opowiadającym historię grupy rockowej próbującej się wybić. Płyta wyszła w 1973 roku i od razu okazała się sukcesem. Na krążku znalazły się m.in. nagrania "All the Way from Memphis" i "Roll Away the Stone", które po raz kolejny potwierdziły sukces muzyków w roli gwiazd rocka.

Mimo tak wielkiej popularności, zespół znów był bliski rozpadu. Tym razem formację opuścił Ralphs, czując, że jego twórczość jest ignorowana przez Huntera. Na miejsce Ralpha przyszedł Luther Grosvenor (który występował jako Ariel Bender), a następnie dołączył Morgan Fisher. W takim składzie zespół wyruszył w trasę koncertową, którą udokumentowano na albumie "Mott the Hoople Live". Krążek wydano zaraz po premierze wydawnictwa "The Hopple" z przebojami "The Golden Age of Rock & Roll" i "Foxy Foxy".

Rok 1974 to kolejne zmiany w składzie - Bendera zastąpił Mick Ronson, który wcześniej był gitarzystą Bowiego. Jednak Ronson nie pozostał długo w Mott the Hopple - razem z Hunterem opuścił zespół po kilku miesiącach.

Pozostali członkowie grupy zaprosili do współpracy gitarzystę Raya Majora i wokalistę Nigela Benjamina, występując już pod skróconą nazwą Mott. Wspólnie nagrali albumy "Drive On" (1975) i "Shouting and Pointing" (1976). Żaden z krążków nie osiągnął komercyjnego sukcesu. Zespół "zatrudnił" więc Johna Fiddlera i znów zmienił nazwę, tym razem na British Lions. Jednak nawet to nie pomogło i dwa lata później formacja się rozpadła. (rmf.fm)


Mott the Hoople started out as an uneven, hard-rock Dylanesque curiosity but ended as a glitter-age group. Mott also gave rise to the solo career of songwriter Ian Hunter. The group began in the late '60s, when Mick Ralphs, Verden Allen, Overend Pete Watts, and Dale Griffin began playing around Hereford, England, in a group called Silence. They got a record contract in early 1969 and went to London with vocalist Stan Tippens to record under producer Guy Stevens, who renamed the band Mott the Hoople after a 1967 novel by Willard Manus. Tippens was replaced by Ian Hunter in July. (Tippens subsequently became the band's road manager and later worked for the Pretenders.)

The group recorded its eponymous debut album in August 1969, and it garnered much curious attention for Hunter's Dylan-like rasp and the odd choice of covers, such as Sonny Bono's "Laugh at Me." Mad Shadows was moodier and poorly received, and the country-oriented Wildlife did not fare well either.

Yet even though its records didn't sell, Mott became a big live attraction in England. In July 1971, the group caused a mini-riot at London's Albert Hall, which factored into the hall management's decision to ban rock completely. After the release of Brain Capers, the group was ready to disband, but then David Bowie stepped in to give it a focused glam-rock image and a breakthrough single.

He first offered "Suffragette City," but the band wanted "Drive In Saturday," which Bowie refused to give up. Luckily, Mott accepted his offer of a third song, "All the Young Dudes." Bowie produced the LP of the same name, and Mott had a top British single with "Dudes."

The song became a signature piece for glitter rock and a gay anthem —something it took the all-straight band a while to get used to. "All the Young Dudes" went to #37 in the U.S.


The group's followup album, 1973's Mott, was its masterpiece —a self-produced effort that featured the British hit singles "Honaloochie Boogie" and "All the Way From Memphis." It was also a concept album about the fight for, and mistrust of, success, highlighted by the autobiographical "Ballad of Mott the Hoople." Around this time, Hunter's Diary of a Rock Star was published in England.

Despite its success, the band began to fall apart. Allen left because the group rarely recorded his songs. Ralphs quit because he was upset by Allen's leaving and irked that one of his songs for Mott, "Can't Get Enough," was beyond the singing range of either himself or Hunter. (The song was a Top 5 hit the following year for Ralphs' next band, Bad Company.) Hunter and company filled the guitar gap with Luther Grosvenor —formerly with Spooky Tooth and Stealer's Wheel —who changed his name to Ariel Bender upon joining. The Live album was taken from shows in London in November 1973 and in New York in May 1974.

The band had just begun to sell well in the States when another falling-out occurred. Late in 1974, Mick Ronson replaced Bender. By the end of the year, Hunter and Ronson had split together, and Mott the Hoople was no more. Hunter had a solo deal with

Columbia, but his first tour, billed as the Hunter-Ronson Band, was a disaster, with a disillusioned band playing to half-filled houses. Meanwhile, Watts, Griffin, and Fisher, joined by Ray Major and Nigel Benjamin, carried on as Mott. They released two undistinguished albums, after which Benjamin left, and the band fell apart again. Undaunted, the remaining members added a new lead singer, ex–Medicine Head John Fiddler, and continued for two years under the name British Lions. After Allen had left Mott back in 1973, he formed Cheeks with future Pretenders James Honeyman-Scott and Martin Chambers. The group toured through 1976 but never recorded. Ronson died of cancer.

This biography originally appeared in The Rolling Stone Encyclopedia of Rock & Roll (Simon & Schuster, 2001) (source)

Interview with Ian Hunter
    Serpent.pl