1 comment
Posted in , , , , , , , ,

KwieKulik - dzicy święci


Przemysław Kwiek i Zofia Kulik związani ze sobą artystycznie i prywatnie w latach 1971-1987 stworzyli chyba najsłynniejszą parę polskiej awangardy – duet KwieKulik. Już podczas studiów zafascynowani konceptualizmem, dość szybko odeszli od obiektów sztuki na rzecz działań w przestrzeni, chociaż zastane „obiekty” czasem wykorzystywali, uprawiając tzw. „sztukę pasożytniczą”. Pod wpływem Oskara Hansena i jego teorii formy otwartej, wierzyli w możliwość ulepszenia rzeczywistości przez sztukę. Ich wspólna działalność to głównie spektakle, happeningi i manifestacje. Początkowo zaangażowani w służbie PRL-owskiego systemu, po skandalu w Malmö (1975), gdzie pokazali Ptaka z gipsu do brązu w Barakach Sztuk Plastycznych (zapis tworzenia godła) oraz Człowieka-kutasa, zostali odsunięci od reprezentowania Polski poza granicami kraju, a sami coraz ostrzej wyrażali swój sprzeciw wobec absurdów ustroju. Stworzyli m.in. Skrótowce, Pomnik bez paszportu czy Poetyzację pragmatyki/Ekwiwalent pieniężny, Nastroje, Poczwarę semantyczną.

Swoje interaktywne projekty, do których często zapraszali publiczność, skrzętnie dokumentowali, przez co udało im się stworzyć niezwykłe archiwum fotografii i filmów. Ich krytyczne wobec rzeczywistości treści oraz nieustanne próby przełamywania artystycznych schematów na wiele lat wyłączyły ich twórczość z oficjalnego obiegu. W latach 80. duet się rozpadł i od tego czasu artyści tworzą niezależnie.

Byli najbardziej fascynującą parą w historii polskiej sztuki współczesnej. Ich wspólne działania dokumentuje wydany teraz potężny album.

Kiedy się rozstawaliśmy, miałam lęk, co będę jadła, bo to Przemek zawsze gotował – mówi Zofia Kulik, połowa legendarnego duetu Kwiekulik, tworzonego z Przemysławem Kwiekiem, duetu, który oficjalnie zakończył działalność w 1987 roku.

Gotowałem, ale takie zajzajery, ostre, wyciągowe zupy, które jej nie smakowały – ocenia Kwiek. – Parę lat temu wreszcie nauczyła się gotować i to tak, jak woli: rozwodnione – dodaje.

Najsłynniejsza polska para artystyczna wciąż mieszka w jednym domu w Dąbrowie pod Warszawą. Ale wiodą osobne życia. U niej wszystko posprzątane, poukładane, opisane. U niego zupełnie inaczej. Ich dorobkiem, słynnym archiwum sztuki-życia lat 70. i 80., zarządza Zofia. – Wciąż kłócimy się z Kwiekiem – przyznaje.

Dom

„Polski duet” to zdjęcie przedstawiające ich objętych, z chorągiewkami przytwierdzonymi do głów. W performansie połączeni biało-czerwoną flagą odsuwali się od siebie, aż na ziemię spadał czerwony kokon, a każde z nich zostawało z flagą biało-szarą. Był 1984 rok. – Stan wojenny dał się nam we znaki. Myślałam, że nie będę już robić sztuki. Najwyżej prowadzić jakieś warsztaty ceramiczne, robić wazony. W styczniu dwa lata wcześniej kupiłam dom i dostałam kopa w innym kierunku – mówi Kulik.

Kwiek był przeciwny wyprowadzce z mieszkania-pracowni na Pradze, gdzie żyli na skrawku powierzchni dzielonej z jego liczną rodziną. Trudno sobie wyobrazić, jakim cudem udało im się tam jeszcze stworzyć galerię, w której urządzali wystawy i przyjmowali na rezydencje artystów z zagranicy.

To była walka o przetrwanie – mówi Kulik. – Nie poradzilibyśmy sobie, gdyby nie rodzina. Zapewniała nam minimum socjalne. Walczyliśmy o chałtury. Fizycznie było to bardzo wyczerpujące.

Mieszkając w głośnym miejscu przy trasie przelotowej, Kulik była na skraju załamania nerwowego. Zdecydowała się wyremontować zdewastowany, przedwojenny dom w warunkach stanu wojennego, wbrew Kwiekowi, który dołączył do niej dopiero po trzech miesiącach. – Wspólnie wylaliśmy schody, wykonaliśmy wszystkie ciężkie prace – wspomina artysta. – Razem przerobiliśmy parę ton betonu. Daliśmy sobie radę tylko dlatego, że jesteśmy rzeźbiarzami.


Archiwum

Gigantyczny album, który właśnie się ukazał, zbiera cały ich dorobek. – W sztuce doświadczaliśmy własnego życia. To był projekt totalny – mówi Zofia. – Archiwizacja wpływała też na samą sztukę.

Każda akcja była przez nich dokumentowana. Powstawał opis tego, co dokładnie zrobili, do tego slajdy, jak to wyglądało, jak było prezentowane, wezwania, jakie otrzymywali, skargi, jakie składali, odpowiedzi władz, jakie otrzymywali... – Każdy świstek został zeskanowany, to szaleństwo – mówi redaktor książki, kurator Łukasz Ronduda. – I te szczegóły. Na prośbę Zofii wysłaliśmy do ekspertyzy botanicznej zdjęcie z wakacji na Mazurach, na którym syn Kwieka i Kulik idzie przez pole pełne kwiatów. Ustaliliśmy, że to złocienie polne i przeloty pospolite.

Ta obsesja dokumentowania przyniosła efekt. W ich sztuce zachował się nie tylko kompletny obraz kilkunastu lat życia dwojga ludzi, jakby zalany w bursztynie, ale ocalała cała epoka. Duet Kwiekulik walczył z tamtą rzeczywistością, jednak paradoksalnie ją ocalił. – Weźmy PPPSP – Państwowe Przedsiębiorstwo Pracownie Sztuk Plastycznych. Oprócz archiwum Kwiekulika nie pozostały po nim żadne dokumenty – mówi Ronduda.

Instytucja miała monopol na zlecenia rozdzielane artystom, wówczas jedyną legalną formę zarobku. Wykonawcom wypłacała honoraria tym wyższe, im większe dzieło wykonali. Ponieważ Kwiek i Kulik żyli i pracowali wyłącznie jako artyści, wykorzystywali chałtury do własnej pracy, którą nazwali „Zarabianie i tworzenie”. Rzeźbiąc na przykład płytę pamiątkową, uwieczniali dopisane przez siebie hasła: „W tym czasie, kiedy robiło się tę płytę, umarło z głodu 300 ludzi”. Gdy akurat rozbił im się termometr, układali na zleconym dziele kuleczki rtęci według schematów matematyczno-logicznych, którymi się zajmowali. Używając fuchy jako punktu odniesienia, mówili bez żenady i hipokryzji o sytuacji życiowej artystów, o biedzie, z jaką się borykali. – To było fizycznie bardzo wyczerpujące – przyznaje Zofia. – Mogliśmy oczywiście odwalić chałturę, żeby szybko zająć się naszą pracą, ale działaliśmy zawsze na 100 procent.

Stół z X-ami (Działanie z niewiadomą x)
wystawa Nowa Generacja, Muzeum Narodowe we Wrocławiu, 1974

Miłość

Ich sztuka była całkowicie spleciona z życiem. Nie od początku byli razem. Gdy się w sobie zakochali, oboje byli w związkach małżeńskich. Kwiek już jako student był liderem ówczesnej awangardy, zrobił przełomowy dyplom. Poznali się jeszcze wcześniej w pracowni rzeźbiarskiej Młodzieżowego Domu Kultury, ale wtedy tego nie odnotowali. W 1967 roku znaleźli się w jednej pracowni w ASP, u prof. Jerzego Jarnuszkiewicza. Wspólnie uczestniczyli w działaniach artystycznych na uczelni, w grach wizualnych Oskara Hansena. – To, że myśmy w ogóle potem mogli ze sobą rozmawiać, to dlatego, że Hansen dał nam wspólny język, wspólne pojęcia – mówi Kulik. – Choć Przemek nie lubi, jak się naszą twórczość wiąże z Hansenem, to nie ma racji. Bez tego niemożliwe byłoby nasze życie i tworzenie oparte na ciągłej polemice. Potem nawet kupiliśmy sobie fotele na jednej nóżce, w których spędzaliśmy całe dnie i noce, dyskutując. Wszystko to odbywało się na dużych emocjach – wspomina.

Zakochali się w sobie przez sztukę, porzucili rodziny, żeby być ze sobą, co nastąpiło nomen omen na Zjeździe Marzycieli w 1971 roku w Elblągu. W książce jest ślad ich miłosnej relacji, kiedy korespondują podczas ciąży Kulik. Kwiek wysłał jej wtedy list miłosny, ona wycięła zeń kształt Pałacu Kultury. – Wciąż wierzyli w idee socjalistyczne – mówi Ronduda. – I co robi Kulik? Odpowiada Kwiekowi w formie sztuki. Komponuje pochód miłosny z hasłami: „mój miły”, „kochany”, „tęsknię”, ale też bardzo erotycznymi, pisanymi w ich intymnym języku, jak: „Masz ochotę na małe dźganko?”. I to wszystko pod Pałacem Kultury.

Działania z Dobromierzem, 2 detale, 
czasoskutki estetyczne rejestrowane na barwnych diapozytywach, 1972-74

Dziecko

Kiedy urodził im się syn, od razu włączyli go do swoich działań. Niemowlę w klozecie, obłożone lodem albo wkładające rękę do patroszonej właśnie gęsi to dziś budzące najwięcej kontrowersji prace duetu Kwiekulik. Pytani wielokrotnie, czy nie wstydzą się, że tak traktowali dziecko, odpowiadają zażenowani. Kwiek deklarował w wywiadach, że dziś byłby innym ojcem, że wtedy chciał, by wychowanie dziecka nie przeszkadzało sztuce, lecz jej służyło. Że był bezlitosny. Zofia nie może sobie wybaczyć, że zostawiali syna samego, wychodząc z domu. Oboje wychowali się w rodzinach o tzw. zimnym chowie. Jak odbiera te obrazy dorosły Dobromierz, który dziś sam jest ojcem? – On nie czuje się wykorzystany, w ogóle nie ma żadnego stresu z tego powodu – mówi jego matka. – Ma po prostu taką osobowość, przyrodniczy, chłodny ogląd.

W filmie dokumentalnym „Kwiekulik” Anny Zakrzewskiej i Joanny Turowicz syn duetu mówi: „Ta sytuacja jest niereprezentatywna dla ludzkości”, a kiedy Kulik przerywa mu zirytowana: „Nie rodzaj ludzki, społeczeństwo, ale co o tym myślisz ty, osobiście?!”, Dobromierz odpowiada: „A nawet gdybym coś myślał, czy to ma jakieś znaczenie? Jest to po prostu jakaś nauczka o człowieku”.

Fotografując dziecko w różnych kontekstach, badali przysłówki przestrzenne. Jako rzeźbiarze uznali, że najważniejsze są podstawowe relacje w przestrzeni: „pod”, „nad”, „w”, „obok” itd. Tak jak najpierw używali znaku czarnego krzyżyka („Niewiadomej X”), potem używali niemowlęcia, bo było w centrum ich świata.

Działanie na głowę (tzw. Pomnik doznający),
Krakowskie Przedmieście, Warszawa, 04-06.05.1979

Polityka

Wielokrotnie dyskutowali o wstąpieniu do partii. Wierzyli w idee socjalistyczne, ale traktowali je zbyt serio, zbyt radykalnie. – Szczerze wierzyli w socjalizm, ale władza była zbyt cyniczna, by zaakceptować idealistów – mówi Ronduda.

System ich wypluł, a mimo to wciąż reagowali na każde polityczne wydarzenie. „Droga Edwarda Gierka” składała się z reprodukcji pierwszych stron gazet z 1971 roku, na których po wydarzeniach grudniowych 1970 roku wciąż pokazywano pierwszego sekretarza PZPR podającego dłoń reprezentantom robotników w różnych miejscach kraju. Kwiek i Kulik rejestrowali pochody pierwszomajowe, używali czerwieni jako symbolu, a jako artyści usiłowali sami stać się instytucją. Ich celem było upaństwowienie własnej działalności. Nieugięci w działalności obywatelskiej: pismach, wnioskach i skargach, uprawiali w ten sposób coś, co nazywali „Sztuką Ministerstwa Kultury i Sztuki”.

Praktykowali też „Sztukę Świadomie Złą”, grającą z przekonaniem, że wszystko, co zrobi artysta, jest sztuką, „Sztukę Wyrywania Zębami Tego, Co Się Należy”, czyli walkę o swoje prawa, „Sztukę z Nerwów” uczulającą widza, że „drobne usterki życia codziennego mogą silnie wpływać na psychikę”, czy „Sztukę Jeszcze Raz To Samo”, „Sztukę Aż Do Końca Słowa Sztuka”, „Sztukę Bez Zapowiedzi”. W ich bogatym słowniku, ułatwiającym, jak mówi Kulik, komunikację, istniały takie pojęcia, jak „Skojarzenia Dzikie”, czyli niezgodne z zamierzeniami autora, czy „Artysta w Potrzasku”, który chce i próbuje działać, lecz system nakazuje mu inne formy aktywności. Właśnie za takich artystów się uważali.

Działanie z tubą

Osobno

Trudno było potem zacząć od nowa, bez siebie. Gdy się rozstawali, Kwiek spędzał po 12 godzin przed telewizorem, był załamany, Zofia także – wspominał po latach Zbigniew Libera, który wtedy często u nich bywał i zaczął współpracować z Zofią, a nawet zamieszkał w Dąbrowie. Parę lat wcześniej wzajemna fascynacja Zofii i Jerzego Truszkowskiego, też artysty, oddaliła duet Kwiekulik zarówno w pracy, jak i w życiu.

Ona zaangażowała się w artystów, którzy w jej oczach byli zanurzeni we własnej krwi, w sobie. Dokładnie odwrotnie niż my wcześniej – mówi Kwiek. – Sprawę ciężko przeżyłem. Gdybyśmy do dziś działali nieprzerwanie, bylibyśmy teraz na szczycie.

Emancypacja Zofii Kulik stworzyła ją na nowo jako artystkę. Jej „Desenie”, fotograficzne kolaże, przypominające witraże czy orientalne dywany, zbudowały zupełnie nową formę, estetykę nieobecną we wcześniejszej pracy Kwiekulika.

Czy w latach 70. artystka musiała działać wspólnie z mężem artystą, by zaistnieć? – Podobne związki: Natalii LL i Andrzeja Lachowicza, Marii Pinińskiej-Bereś i Jerzego Beresia, Ewy Partum i Andrzeja Partuma to były osobne twórczości artystów, którzy byli małżonkami. My wszystko sygnowaliśmy razem, wymyślaliśmy razem – mówi Kulik. – Uzyskiwaliśmy porozumienie, co było czasem bardzo trudne – dodaje Kwiek.

Co ich rozdzieliło? – Różnica osobowości, nastawienia do życia, charakterów – wylicza zmęczona Kulik. Z pomocą asystentek instaluje właśnie ich wspólną pracę, rekonstrukcję Pracowni Działań Dokumentacji i Upowszechniania na wystawie w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie. To może najważniejsze z ich dzieł – wystawa „Encyklopedia Meyersa”, złożona z wyciętych z książki rycin pokrywających całe ściany. Kwieka na montażu nie ma. Zresztą jak zwykle. Pokłócili się. Może przyjdzie na wernisaż.

Rozmawiam z nim przez telefon. – O tym się nie mówi, ale tak samo ważne jak sztuka są więzi damsko-męskie, styczność osobista, łóżkowa – mówi. – W Kwiekuliku to było bardzo połączone, jedno było motorem drugiego.
Żadna wystawa nie oddałaby tego, co wtedy robiliśmy – przyznaje Zofia.
Jak bardzo sztuka jest spleciona z życiem, słychać w ich każdym zdaniu.
Rozeszliśmy się na płaszczyźnie merytorycznej, ale dla mnie nie ma końca Kwiekulika – mówi on.
Reprezentując Kwiekulika, ponoszę odpowiedzialność, z jakiej Przemek nie zdaje sobie sprawy – uważa ona.
Jej talent polega na genialnej umiejętności kompozycji, bezbłędnej pragmatyce wizualnej z autentycznym zaangażowaniem – twierdzi Kwiek. – Ale ani ona sama, choć robi wspaniałe obiekty, ani ja, który kontynuuję procesualizm, nie robimy już nic tak ważnego jak Kwiekulik. Żadne z nas nie jest w stanie wspiąć się na taki poziom, jaki osiągaliśmy razem. --- Adriana Prodeus

A.Sztuka nieświadomie zła i B. Sztuka świadomie zła 
- dwie doskonałości, rozsyłka 1976

“Monografia KwieKulik dostarcza unikalnych materiałów źródłowych, które dają możliwość poznania aktywności artystów i zrozumienia jej kontekstu. A przy okazji podkreśla również ważną kwestię metodologiczną jaką jest interpretacja dokonań artystów w świetle epoki. Dotyczy to zwłaszcza sztuki zaangażowanej, działań będących reakcją na wyzwania swoich czasów, jakimi z pewnością były prace KwieKulik. Szerzej dotyczy to ogromnej części faktów artystycznych w dawnej Europie Wschodniej, których znaczenia były ufundowane na realiach społeczno-politycznych tamtych czasów (często oporze, niezgodzie, proteście, ale też subwersji czy ironii). Rozumienie uwarunkowań politycznych czasów komunizmu staje się coraz bardziej domeną historyków, dla szerokiej publiczności zacierają się znaczenia, umiejętność rozumienia subtelnych aluzji i odniesień. Tym cenniejszy jest wysiłek autorów tego opracowania zmierzający poprzez teksty źródłowe i słowniki pojęć naświetlenia tła pracy artystów.”

KwieKulik. Zofia Kulik & Przemysław Kwiek
Redakcja: Łukasz Ronduda i Georg Schollhammer
Wydawcy: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie
BWA Wrocław – Galerie Sztuki Współczesnej
Kontakt. Kolekcja sztuki grupy ERSTE i Fundacji ERSTE
Warszawa/Wrocław/Wiedeń 2012
Wymiary: 240 x 300 mm, twarda oprawa
Ilość stron: 576
Dystrybucja: JP RINGIER

Scenariusz: Agnieszka Mazanek, Krzysztof Landsberg

The artistic duo Zofia Kulik and Przemysław Kwiek called KwieKulik (1971-1987) is one of the most important artistic phenomena of post-war Polish art. KwieKulik's work is radically unique in the history of the neo-avantgarde in Central Europe, thanks to their socio-political engagement and their uncompromising, bold criticism of their surrounding reality. They produced different forms of archives, films, object installations and performed actions. The aim was to develop an art, understood as a process, on the threshold between daily experience and aesthetic practice. In their private living space KwieKulik continuously removed the boundaries between art and life, by creating their own 'underground' laboratory, in which they organised a series of lectures, screenings and exhibitions, resulting in the formation of the self-organised micro-institution PDDiU (Studio for Art Activities, Documentation and Propagation); this become the platform and documentation centre for the independent and unofficial art scene in socialist Poland. KwieKulik aimed to make art political once more. The authorities reacted with censorship and a travel ban.

KwieKulik activity has been researched and re-discovered recently. Their works were presented in Documenta 12 in Kassel (2007) and Istanbul Bienniale (2009). The first, major monograph edited by Łukasz Ronduda and Georg Schöllhammer will be published later this year.
The presentation of KwieKulik at the Art Feature Art 42 Basel reveals an extraordinary creative practice which merged innovative conceptual artistic actions with work made for money, commissioned by state agencies. In the reality of the communist economy, hackwork - designing and manufacturing occasional decorations, propaganda banners, and commemorative plaques - was the only source of income for artists whose "real" art, namely subversive and neo-avangarde practices, was marginalized and eliminated by the official cultural policy of the state. In the 1970's KwieKulik entered into a conscious and sophisticated game with the system of state sponsorship and control of artistic life. The actions from the Earning Money and Making Art series were invented when the artists were working on their commissioned orders - they began to grow on them, like parasite. Earning Money and Making Art was about a simultaneous production of hackwork and then using it as a basis for the artists' own projects. This was one of the unique creative methods developed by KwieKulik. In contrast to many other neo-avangarde artists active at that time in the former socialist block countries, KwieKulik were able to appropriate the oppressive propaganda apparatus, making it work for them, and refute the secure escapism of art in lieu of an open confrontation with hostile systems. KwieKulik's works, which are formally extraordinary and highly discursive in comparison to the conceptual strategists of that time, still remain extremely relevant and inspiring. They again reveal the strength and potential of artistic creation against the traps of institutionalization and commercialization of art. (raster)
2 comments
Posted in , ,

Polska Radio One (2013)



Polska Radio One is a group from the cold and gloomy Ural city of Ekaterinburg that in just a year and a half has made its way from a beginner garage combo to one of the Eastern Europe’s most interesting and promising psychedelic bands.

First recordings of the band were very uneven and differed from each other in sound and song type, from the 60-s garage rock and the 70-s kraut to the crazy 90-s rave: the musicians were searching for their signature sound, their own style. bb Space Inside, their debut album, contains music well flavored with Indian spices, and thoughtfully presented heavy-bodied psychedelic trip.
5 comments
Posted in , , ,

Carol Grimes and Delivery - Fools Meeting (1970)


Ta brytyjska grupa powstała w 1966 roku w Sawbridgeworth w hrabstwie Essex. Początkowo nosiła nazwę Brunos Blues Band, następnie Steve Miller's Delivery, aż w końcu w 1969 roku przybrała miano Delivery. Utworzyli ją: Steve Miller (fortepian), Phil Miller (gitara) i Philip (Pip) Pyle (perkusja). Pierwszy skład zespołu dopełnili: Dez Fisher (śpiew) i Jack Monck (bas). Rok 1968 to czas zmian w składzie osobowym grupy - Deza zastąpił Simon Leigh (śpiew) i na krótko pojawia się w niej Lol Coxhill (saksofony). W 1969 miejsce Simona zajmuje Carol Grimes (śpiew, instrumenty perkusyjne, wcześniej w Babylon), a w miejsce Moncka przychodzi Roy Babbington (bas). W kwietniu 1970 Carol, Steve, Phil, Roy i Pipe nagrywają swoją jedyną dużą płytę zatytułowaną "Fools Meeting". Gościnnie zagrał na niej na Lol, gdyż już wtedy był on związany z The Whole World Kevina Ayersa. Album ten ukazał się na rynku w listopadzie 1970, opisany przez wytwórnię jako dzieło Carol Grimes And Delivery.

Kompaktową edycję tej płyty (1999) opisano już prawidłowo, jako Delivery. W styczniu 1971 Pyle przechodzi do zespołu Gong, a marcu odchodzi Carol. Nieco później Steve nawiązuje współpracę z Caravan ("Waterloo Lily"). Na krótko Delivery przestaje istnieć, by odrodzić się w lipcu 1971 w składzie: Phil, Steve, Pip i Richard Sinclair (bas, Caravan). I ten zestaw muzyków nie przetrwał próby czasu - Steve' a zastępuje David Sinclair (instrumenty klawiszowe, Caravan) i z Delivery wyłania się w ten sposób Hatfield And The North. Delivery reaktywuje się raz jeszcze w 1973 roku na jeden koncert dla BBC.

Phila Millera spotkamy póżniej w Hatfield And The North, Matching Mole, National Health i Cahoots, Pip Pyle będzie występował w Gongu, Hatfield And The North, National Health i Equipe Out. Roy Babbington zwiąże się z Soft Machine i następnie BBC Jazz Orchestra. Carol Grimes nagra płytę "Old Hat" z Uncle Dog i wyda dwa solowe albumy "Warm Blood" i "Carol Grimes". Steve Miller zmarł w 1998 roku.

Na "Fools Meeting" złożyły się improwizowane kompozycje z pogranicza bluesa, jazzu i rocka, znałazł się wśród nich utwór autorstwa Keitha Jarretta "Is It Really The Same". Płytę promował singiel "Harry Lucky / Home Made Ruin". --- Krzysztof Michalczewski


Vocalist Grimes came to prominence in 1969 after joining Delivery. The band began life as a blues group, but gradually adopted a more experimental path. They completed one album before disbanding, following which Grimes embarked on a solo career. She formed Uncle Dog in 1972, but this promising act failed to match early expectations and the singer then resumed her independent path. Grimes’ powerful intonation was shown to great effect on the 1974 solo recording Warm Blood, but despite stellar support from members of Area Code 615 and the Average White Band, the set failed to highlight her talent. A more cohesive follow-up recording was completed in Memphis, with the Brecker Brothers, the Memphis Horns, Duck Dunn and Willie Hall all lending their support. In the late 70s and early 80s Grimes worked with the short-lived Sweet F.A. and Carol And The Crocodiles, in addition to maintaining a busy schedule as a session vocalist. In 1984 she formed the more stable Eyes Wide Open, recording a number of well-received sets for the Line label. She also branched out into music theatre and teaching, organising private vocal workshops and completing a MA in Voice Movement Therapy. During the late 90s she began working with the remarkable vocal choir the Shout, primarily a vehicle for songwriters Orlando Gough and Richard Chew. An underrated artist, Grimes continues to perform and record and enjoys considerable popularity on the continent. (source)
1 comment
Posted in , , , ,

Bitter Blood Street Theatre Vol. 1 (1978)


Bitter Blood Street Theatre was a performance art troupe-slash-acid rock band from Cincinnati active in the early 1970s. Their music was a swirling dervish of bong-hitting psychedelia with slashing hard rock guitars and a penchant for exotic instrumentation, including a few saw solos.

The band were colourful kooks in Kiss-style masks, draped in capes and/or dominatrix outfits, and the ‘street theatre’ bit involved exactly that: extras culled from the local freak scene who would perform on stage with the band, or in the audience, or out on the sidewalk in front of the club. Perfomances would range from a guy in a wheelchair calmly eating live locusts out of a cigar box, to flashers showing their private bits to whomever caught their eye.


The band played with all the heavy-hitters of the era and the area, from The MC5 to Alice Cooper (who, some believe, nicked a thing or two from Bitter’s stage performance), but never made any headway beyond Ohio’s borders. In 1975, the band were briefly part of the Columbia Records roster, but the exec who signed them was reportedly fired the same day, and the band was unceromoniously dropped.

They did manage to eke out one single in ’75, but the band broke up soon after, morphing into still-active ‘fringe-rock’ outfit, Blacklight Braille. In the late 70s, BBST mainman Tom Owen was able to cobble together the band’s various demo tracks and release them as a two-volume anthology. Both are now considered minor masterpieces of 70s weird-psyche. Sadly, no vintage footage of the band has surfaced yet, so we are left to imagine what it might be like to catch these pioneering maniacs live. (source)


Patrick McMahon - Drums, Wind Instruments
Richard Von Nida - Guitar, Vocals
Keb Jar - Bass, Soprano Saxophone
Luthor Lindenschmidt - Percussion
Eric "El Sandor" Waits - Lead Vocals, Keyboards, Percussion
T.H.O. Knight - Saw, Percussion, Producer
Gwenivere - Lead Vocals, Maracas
Fred R. Elig - Bass

Both Bitter Blood Street Theatre albums show up for sale often (as do those of their less “rock” offshoot band Blacklight Braille), so they must have had a pretty big local fan base. The band’s name implies some kind of cult ritual or performance art, but the “theatre” is limited to a couple of brief monologues and one song that’s recited rather than sung. This is straightforward rock with a few quirks (wild singing, some sax, a band member who plays a saw, which sounds a lot like a theremin.) Some of the guitar is pretty heavy; the rhythm guitars have a great punchy distortion sound that reminds me of the Stones’ “Monkey Man.” There are three vocalists, two men and a woman. All of them are reasonably distinctive, and the woman sounds pretty eerie when she sings backup. All of the elements are there for this to be a cool band. With maybe two exceptions, though, the songwriting is uninteresting. In the end, this is one of those albums that seems like it’s going to be really great but just isn’t. [AM]
No comments
Posted in , , , ,

Grupa W Składzie: (2013) [wydawnictwo płytowe]


Grupa w Składzie - polski zespół muzyczny założony w 1972 roku w Ożarowie. Podstawowym składem zespołu byli Milo Kurtis, Jacek Malicki, Andrzej Kasprzyk, Witold Popiel i Andrzej Turczynowicz. Do dziś jest to legenda polskiej awangardy muzycznej, o której nie przeczytamy w żadnym muzycznym leksykonie. Milo Kurtis grał na bębnach i buzuki. Jacek Malicki (Krokodyl) i Andrzej Turczynowicz (Amok) na gitarach, Andrzej Kasprzyk grał na saksofonie i flecie, Witold Popiel na trąbce. Koncerty odbywały się w warszawskim klubie studenckim na Krakowskim Przedmieściu "Sigma". W "Sigmie" Grupa w Składzie towarzyszyła często Pawłowi Freizlerowi, Przemysławowi Kwiekowi,Jackowi Gulli i Andrzejowi Zuzakowi.

Grupa w Składzie grała zróżnicowaną muzykę, opierającą się głównie na dużej ilości improwizacji, tzw. intuicyjną, eksperymentalną. Intuicja zastępowała muzyczne wykształcenie i, czasami, umiejętności.

Wystąpili na Warszawskiej Jesieni oraz wrocławskim Festiwalu Jazzowym "Jazz nad Odrą", gdzie dostała wyróżnienie, Grupa w Składzie wygrała Festiwal Awangardy Rockowej w Kaliszu (1973 r.w kategorii otwartej; grupa powróciła na polskie sceny wraz z generacja młodych jazzmanów, muzykę określaną dziś jako jass.

W 2008 roku zespół powrócił do grania. W składzie: Jacek "Krokodyl" Malicki, Milo Kurtis i Witold Popiel ponownie zadebiutowali 3 grudnia 2008 roku w Centrum Sztuki Współczesnej w Warszawie, przy okazji prapremiery filmu dokumentalnego Irka Dobrowolskiego "Spalony" - film o artyście Jacku Wilewskim.

http://grupawskladzie.com/


Wydawnictwo płytowe zespołu Grupa w Składzie, dokumentujące dokonania legendarnej grupy muzyki improwizowanej lat 70-tych. Będzie to debiutancka płyta zespołu założonego przez Jacka Malickiego, Milo Kurtisa i Andrzeja Kasprzyka. Od początku istnienia związany ze sztuką konceptualną, z artystami: Zofią Kulik, Przemysławem i Pawłem Kwiekami, Pawłem Freislerem i innymi. Przedstawiciele tzw. muzyki intuicyjnej, opartej na wzajemnej komunikacji, ale zarazem muzycznej dekonstrukcji. Pomimo braku akademickiego wykształcenia śmiało nawiązywali  do twórczości tuzów awangardy: Johna Cage, Karlheinza Stockhausena czy członków grupy Fluxus. Zespół widmo, zawiesił swoją działalność ok.1975, by reaktywować się w 2008, podczas koncertu w Centrum Sztuki Współczesnej. Promocja płyty odbyła się 20.XII.2013 w Muzeum Sztuki Nowoczesnej.

Płyta jest darmowa, współfinansowana przez MKiDN. Zawiera nagrania z Festiwalu w Kaliszu, Dziekanki oraz jedną nową kompozycję. Do płyty dołączona jest obszerna, 40 str.książeczka ze zdjęciami KwieKulik i Tomasza Sikorskiego. Koszt wysyłki wynosi 15 zł. Dane do przelewu: 89 1140 2004 0000 3002 3518 5834

W Warszawie możliwy odbiór osobisty. Kurator: Łukasz Strzelczyk. Kontakt: http://trzeciafala.org/


1 comment
Posted in , , ,

Remko Scha - Machine Guitars (1982)


Remko Scha is a professor of computational linguistics at the faculty of humanities and Institute for Logic, Language and Computation at the University of Amsterdam. He is also a composer and performer of algorithmic art.


This record presents music emerging out of simple mechanical processes. The machine configurations employed are shown in the accompanying diagrams. Most of the tracks use uniformly moving sabre saws with ropes or flexible metal rods attached. The standing waves created in these attachments hit the strings of electric guitars. On track B4, a rotating metal brush operates directly on a guitar string. All pieces are autonomously played by the machines, without human control or interference.

All pieces recorded by the composer, September 1981- March 1982, at Apollo House, Eindhoven, except B$ recorded by Mark Abbott, April 1980, at WKCR-FM 89.9, Columbia University, New York. Mastered by Roland Smits and Theo van Eenbergen, July 1982, at 'Rauchende Colts', Nuenen. (iaaa)
1 comment
Posted in , , ,

Don Cherry & Ed Blackwell - El Corazón (1982)


Two powerful proponents of the avant-garde—Don Cherry and Ed Blackwell—bare their tender souls on this set for trumpet and drums. While on paper this looks like an unusual combination, one thinks nothing of it once they start playing. Blackwell’s approach to his kit is melodic enough to carry its own, and the superb engineering gives him a wide berth, ensuring that every element has its place. Cherry’s sidelong glances into piano, melodica, and organ, meanwhile, provide plenty of traction in the duo’s more adventuresome tunes. Blackwell slips only into samplings of rat-a-tat-tat sumptuousness, favoring instead headlong flights into innumerable and equally favorable directions. The opening cluster of tunes is calm but never restrained. Allowed to go where it may, it swings and stomps in the same fluid motion. On trumpet, Cherry works in arcs, while on piano he finds solace in sharper angles. The melodica-infused “Roland Alphonso” carves its delicate reggae lines into a pathway toward the more monochromatic “Makondi,” a brief incantation led by kalimba, which sweeps silently under Blackwell’s solo in “Street Dancing” before reemerging in “Short Stuff.” The latter sets off another trio of interlocking themes, cinched by Cherry’s clear-as-day trumpeting, and bringing us to  “Near-In.” This enchanting kalimba solo, dedicated to Blackwell’s daughter, debunks the myth of thumb pianos as touristy curios left unplayed on our shelves by laying its potential thick across common misconception. Cherry ends on a high note, literally, with “Voice Of The Silence,” a gentle yet declamatory trumpet solo, drawn into trailing threads by a tasteful appliqué of reverb. A rather heavenward ending to an otherwise firmly rooted chain of scenes.

Like sugarcane stripped of its husk, this is immediate music, pared down to its fibrous core, and in some ways feels like a child of CODONA taking its first well-formed steps into a sonic life. In the end, it’s really Cherry who provides the rhythmic impetus for this collaboration, and Blackwell the lead. Such comfortable switching out of roles is central to their message of liberation and expression. (ecmreviews)

3 comments
Posted in , , ,

Baba Yaga - Collage (1974)


Kraut-fusion band formed by Ingo Werner (ex-My Solid Ground) and Nemat Darman (famous Iranian percussionist, multi instrumentalist). Their album "collage" (1974) was recorded in Dieter Dierk's studio. Baba Yaga's music is a convincing medley of ethnic / eastern like improvisations and original spaced out experimentations (with discreet jazzy touches and electronic treatments). (progarchives)

No comments
Posted in , ,

Goksin Sipahioglu - Paris 1968 (photography)


Goksin Sipahioglu (1926-2011), a former photojournalist and founder of the Sipa Press photo agency, died earlier today at the American hospital in Neuilly-sur-Seine, near Paris, at the age of 84. He was surrounded by family and friends, according to Guillame Delpech, who is Photo Editor of Sipa Press USA. The cause of death was not disclosed.

Sipahioglu founded his photo agency in 1973 with American journalist Phyllis Springer. Sipa Press became part of the triumvirate (along with Gamma and Sygma) of French pictures agencies that dominated international photo news coverage in the 1970s and 1980s.

The three agencies relied on couriers to gather film from contributing photographers stationed all over the world, duplicated the original film en masse, and distributed so-called “picture packages” of duplicate images to magazine and newspaper clients throughout Europe, the Americas, and Asia.

Robert Dannin, who worked for Sipa from 1978 to 1981, remembers Sipahioglu as a shrewd businessman who invested in a state-of-the-art commercial processing and printing operation “to subsidize his dream of a world class photo agency. No one else did this,” Dannin says. “They did work for event photographers, political campaigns, retailers, etc. One extraordinary job was a 1980 contract from the Iranian Ministry of Religious Guidance to make hundreds of large format color prints to decorate their embassies worldwide in celebration of the first anniversary of the revolution. In this case, it was no coincidence that the photographer, Hatami, covered the revolution for Sipa.”

Dannin also says Sipahioglu “viewed the world through the eyes of an Ottoman pasha” and hired beautiful woman “as accessories to his business…to drive every male in the place insane with lust. They were like sirens on a Venetian prow head.” Dannin says, “[Sipahioglu] was an anti-management manager” and adds, “Sipa’s highly eroticized agency was inspiring to say the least.”

A number of Sipa’s contributing photographers complained bitterly, however, that the agency cheated them out of royalties by not reporting sales of their images. Dannin says that was “consistent” with how the other agencies treated entry-level photojournalists, and that Sipahioglu “got away with it because he was giving people a start in the business.”

Sipahioglu was born in Izmir, Turkey in 1926. He graduated from the French Lycée Saint Joseph in Istanbul, and began his career as a sports reporter for the Istanbul Ekspress newspaper in 1952. In 1961 he began covering international stories for various dailies, and began taking pictures while on assignment. His images were distributed by Black Star, Gamma and other agencies before starting his own photo agency.

In 2001, he sold the agency to Sud Communications (which is owned by French industrialist Pierre Fabre). He continued as director of Sipa Press  until 2003.

He is survived by Phyllis Springer, whom he married in 2002. (source)


5 comments
Posted in , , ,

Re: The Firebirds- Light My Fire (1969)


Słodziutka okładka ....? Nic bardziej mylnego - The Firebirds to brytyjski zespół grający muzykę nie mającą nic wspólnego z amerykańskimi tripami. Co my tu mamy? Ciężkie garażowe brzmienie, mnóstwo sfuzowanych gitar i kupę brudu. Gorąco polecam !!!

***

Ohhh, these records are fucked up. Okay so, for you younger readers, back in the 60’s up through the early 80’s, there was this phenomenon of the bogus record label. Companies like K-Tel and Ronco in the US and Crown in the UK would traffic in cheap imitation pop music predicated on siphoning monies from grandparents and other squares. Often times it would say the band’s name on the cover (Beatles for example), but the music inside would be performed by session hacks with horrid production values. Sometimes it would be a complete has been singer fronting these same hacks. Far more rare, and most often producing unquestionable poo, was the ‘exploitation band’ (...)

And thus, The Firebirds, a completely anonymous British session band, released ‘Light My Fire‘. Now, the Doors hit of the same name doesn’t really show up on the album, although it’s main hook is alluded to in one song and even though one song is called ‘Light My Fire’ that isn’t the one!


Stylistically, Light My Fire doesn’t sound anything like Jim Dandy & The Knobs. In fact, the intended effect - a Hendrix Experience clone - ends up sounding like Jack Bruce of Cream fronting first LP Black Sabbath mocking the Experience!

It’s incredible in just how over the top it goes: The guitar is brutal taking on an almost ‘My War‘ era Greg Ginn (Black Flag) feel on the LP’s best track ‘No Tomorrows’. It just squeals with that tortured amp buzz, like Blue Cheer’s ‘Vincebus Eruptum’, but even dirtier, if you can believe that. If you’re a Tony Iommi freak, prepare to be surprised when you hear this guy pulling out the licks to ‘Paranoid’ two years before that song existed! The drummer is particularly entertaining in his ‘Fuck - A - Muthafuckin’ Mitch Mitchell’ approach. I think there may be one steady beat throughout the entire record. This guy is a fill machine it’s absurd! Plus, the record contains a three solo suite “Free Fuzz / Free Bass / Free Drums”. The highlight here is “Free Bass”(hahaha!) . The bassist isn’t really skilled enough to do a proper solo, and hearing him struggle through it is a Spinal Tap worthy moment. Like I said earlier, the singer has a Jack Bruce-ish quality, but then does himself no favors by employing Hendrix speak on ‘Gypsy Fire’. It must be heard to be believed!

Now, remember, this isn’t a real band - just some salary guys with guitars and no control over the end product. As such, the track ‘Warm Up’ is just not the same band. It may have a few of the same players, but it doesn’t even remotely approach the sound of the rest of the album. Why on Earth would they do that?

I’m glad I asked! You see, they needed to pad the record to bring it in at just lengthy enough to rate as a long player. Why not put another track by the same group on to do this? Well, why do that when you can split up their sessions and put out another record at the same time with an entirely different name? That’s right, dummy, enter: The 31 Flavors ‘Hair’.

So Crown Records puts out this ‘Hair’ LP that contains hideous, I mean hideous versions of ‘Hair’ (duh) and ‘Age of Aquarius (Let The Sunshine In)’ (probably by completely different musicians). If my Grammy bought this for my birthday, after being molested aurally by ‘Aquarius’, this would been art on my steam heater, man. Which would be a shame because following those sonic abortions is more Firebirds material. A few tracks (’Protest’ & ‘1,2,3,4') sound like they are from the year before heavy distortion arrived and rumble along in a garage punk manner - casually out of tune and sludged up. ‘Free Fuzz’ & ‘Free Drums’ reappear here. Wrapping things up is ‘Distortions of Darkness’, which is an instrumental version of ‘Light My Fire’s ‘Reflections II’ (and I imagine was probably called ‘Reflections I’ at some point) - only here it’s about twelve times as heavy and barbituated.
1 comment
Posted in , , , ,

Copperhead - Lonesome Trails (Rare Studio Outtakes 1973)


Copperhead began as a loose unit of musicians in November 1970 and meandered on in a relatively fluid state until late 1972 when they began work on an abortive album for Just Sunshine Records with the working title of "Sealed For Your Protection". Nothing emerged from those sessions. In 1972 however they were signed by Columbia Records with a deal reputedly worth $ 1,500,000 over five years and rapidly recorded the superb "Copperhead". In guitar terms this album shows John Cipollina at his best since the acid days with Quicksilver four years before.

The music was driving rock and roll with Cipollina dominating tracks such as "Making a Monster", "Spin Spin" and "Roller Derby Star", the latter written by Kent Houseman and Gary Philippet and originally recorded by The Ducks. "Roller Derby Star" was issued as a single (Columbia 45810) and deserved to have been a hit. The band had an envialble live reputation and were thought by many to be poised on the brink of a major commercial succes but Columbia, who were going through the Clive Davis bust crisis, failed to exploit their excellent beginning and didn't run a single major ad for the sparkling debut album. All this notwithstanding the band went to work on and completed a second album (seven tracks in all) which Columbia refused to issue. With Davis removal from Columbia the band were dropped and the album remains in the Columbia vaults. Despite the lack of promotion "Copperhead" sold remarkably well for Columbia and was re-issued in 1980.


The band's live capabilities are captured well on "Copperhead-Live", a superb live show from Pacific High Studies for KSAN-FM-radio (The Tom Donahue Show) recorded in 1973. On the night Unobsky and Murray guested on a couple of cuts. The album is a gem for Copperhead/Cipollina fans including live versions of "Kibitzer", "Spin Spin" and "Roller Derby Star". Additionally however there are five cuts that didn?t appear on "Copperhead" these being "Keeper Of The Flame", "Salty Lady", "I?m Not The Man I Used To Be", "Good Times Boogie" and "Sidewinder" which was originally going to be included on the first album (hence the cover) but never made it that far.

In 1990 the famous Oh Boy (bootleg) label released another Copperhead concert - recorded live in San Francisco December 16, 1972. This early Copperhead recording features the songs "Kibitzer", "Drunken Irish Setter", "Wing-Dang-Doo", "Spin Spin", "Kamikaze", "Chamelion", "Pawnshop Man", "Mama" and "Brigelow 6500". Cooperheads line-up that night: John Cipollina, Gary Philippet, Jim McPherson, Hutch Hutchinson and David Weber. Although the sound-quality is not always the best - one can feel the joy Cooperhead had when playing live.

All in all fine stuff and all their material is worth searching out. In a world of dwarves they really could have been giants but as Cipollina and McPherson said in "Kamikaze" - 'Born-live and die like a hero - Bonzai Bonzai'. (Bay Area Bands)
1 comment
Posted in , , , ,

Jean Guillou - Visions Cosmiques (1969)


Jean Victor Arthur Guillou (born April 18, 1930 in Angers) is a French composer, organist, pianist, and pedagogue.

Following autodidactic studies in piano and organ performance, Guillou became organist at the church St. Serge in Angers at the age of 12. He studied at the Paris Conservatoire under Marcel Dupré, Maurice Duruflé and Olivier Messiaen. In 1955, he accepted a position as professor of organ and composition at the Institute of Sacred Music in Lisbon. In 1958 he moved to Berlin, where he lived for the following five years. He eventually came back to Paris where he is Titular Organist at Saint Eustache church, since his appointment in 1963 when he succeeded to André Marchal.

He has a worldwide reputation as a brilliant concert organist and improviser. Additionally, he often performs as pianist; for example, he gave the English and French premieres of Julius Reubke's long-forgotten piano Sonata in B-flat minor. He also trained Willem Van Suijdam to perform Bach interpretation from 1981 to 1986.

Guillou's engagement in organ building led to collaborations with several organ builders and the construction of new instruments in l'Alpe d'Huez( F) (1978, Kleuker), in the Chant d'Oiseau church in Brussels (1981, Kleuker), in the Zürich's Tonhalle (1988, Kleuker-Steinmeyer) in the Conservatory of Naples (2006, Tamburini-Zanin) in the Auditorio de Tenerife (2005, Blancafort) and most recently in the San Antonio dei Portoghesi church in Rome (2008, Mascioni) and in the Cathedral of Leon in Spain (2013, Klais).

As a composer, he has written more than 80 works - most of which being published by Schott - for organ, chamber and orchestral music, as well as numerous transcriptions for organ. In addition, Guillou has issued more than 100 recordings (Philips, Dorian, Festivo, Decca, Augure among others) including the complete organ works of Johann Sebastian Bach, César Franck, Robert Schumann, numerous historical improvisations (e.g., Visions Cosmiques (1969), or Jeux d'orgue (1970), both re-edited in 2010 by Universal-Decca), as well as most of his own organ compositions on a series of 7 CDs (2010) for the Universal Philips label.

From 1970-2005, Guillou taught organ performance and improvisation at the annual Züricher Meisterkurse. Since 2007, these masterclasses are held at St. Eustache in Paris, France. Among his former pupils : Bernhard Haas, Francesco Filidei, Yanka Hekimova, Livia Mazzanti, Leonid Karev and Zsuzsa Elekes. (wikipedia)



1 comment
Posted in , ,

Czesław Niemen - 41 potencjometrów pana Jana (2007)


41 potencjometrów Pana Jana to zapis koncertu Czesława Niemena i towarzyszących mu muzyków, który odbył się 9 maja 1974 roku w warszawskim klubie Riviera. Zapis, a właściwie trwający niespełna 42 minuty wybór z blisko 80 minut, jakie zarejestrowano podczas tamtego koncertu. Ten jeden utwór, w dużej mierze improwizowany, pocięli, i odpowiednio poskładali w studiu Programu Trzeciego Czesław Niemen i Janusz Kosiński (długoletni dziennikarz tego programu). Zresztą to od jego imienia pan Czesław zatytułował tę rzecz (uparcie nazywał Kosińskiego „Janem”, jak można wyczytać w dodanej do płyty książeczce).

To na pewno będzie duże zaskoczenie dla wszystkich wychowanych na piosenkowym okresie twórczości Czesława Niemena. Najkrócej mówiąc 41 potencjometrów Pana Jana to jazz rock. I tak na początku gra głównie „pokotłowana” gitara Sławomira Piwowara, delikatnie wspomagana przez instrumenty klawiszowe Niemena. Potem mamy sporą dawkę elektrycznego jazzu, dzięki skrzypcom Jana Błędowskiego, znanego przede wszystkim z późniejszych dokonań w zespole Krzak.

Następnie pojawia się głos pana Czesława, wokalna improwizacja, śpiewana scatem, która mniej więcej w połowie utworu przybiera formę interesującego dialogu z gitarą Piwowara. Trudno nie zwrócić uwagi na Piotra Dziemskiego – wówczas 22-letniego perkusistę, o którym Czesław Niemen napisał w swoim felietonie w „Teraz Rocku”: wielki samorodny talent. Jego „obowiązkowe” w tego typu utworach solo robi spore wrażenie. Warto wsłuchać się też w elektroniczno-klawiszowe popisy Czesława Niemena (początek około 32 minuty). Moim zdaniem wyprzedzają tamten czas. A przynajmniej można je postawić na równi z ówczesnymi dokonaniami zespołów takich jak Weather Report i Colosseum II.

I szkoda jedynie, że nie brzmi to tak, jak brzmieć by mogło. 39 lat temu, w czasach PRL-u nasze możliwości nagraniowe dalekie były od ideału. Janusz Kosiński tak wspomina przygotowywania do radiowej emisji tej kompozycji: Nie było wówczas komputerów i wszystkie montaże odbywały się na „żywym organizmie”. A więc żyletka albo nożyczki do cięcia taśmy oraz tzw. „przylepiec” czyli taśma sklejająca dwa kawałki z muzyką.

Ciekawe, jak długo będziemy czekać na następną płytę z nagraniami archiwalnymi Czesława Niemena? (terazrock)


41 Potencjometrów Pana Jana ("41 Mr. Jan's Potentiometers") is a posthumously released live album by Czesław Niemen. It contains recordings from an improvised concert, performed at the Riviera club, Warsaw, on 9 May 1974 by his "Aerolit" project. The tape, "cut and mixed" by scissors and scotch tape by Niemen himself and Janusz Kosiński, was stored in the archives of Polish Radio.[2]

The full concert was 82 minutes long, but the recording was shortened by Niemen and added to the archives in the late 1970s. The title "41 Potencjometrów Pana Jana" came from the name of Janusz Kosiński (who Niemen referred to as "Jan") who helped edit Niemens material, and the number of minutes of material that they kept from the original concert. (In fact, they had only eight potentiometers). (wikipedia)
1 comment
Posted in , , , ,

The Electronic Hole (1970)


The Electronic Hole is band by Phil Pearlman. He assembled The Electronic Hole in 1969 strictly for personal use — to audition musicians for his new band. To do this, and to add to his own collection of demos, he used local studios in off-hours thanks to his friendship with album engineer Joe Sidore.

One of first thing you'll notice about this album is that it has strange fuzz and noisy power combined with psychedelic riffing complexity. Second thing may be that it only has 2 song titles - "The Golden Hour" and "Love Will Find A Way" - divided in many parts. Whole noise theory and vocals may remind you of The Velvet Underground, because Pearlman's voice does sound similiar to John Cale's. Anyhow, this album contains extremely rare songs from extremely rare band, so copy of this on LP may cost fortune. Original heavy psych sound without hesitation drones you into psych wandering and that's one of biggest qualities of this rare gem. First part of "The Golden Hour" is great trippy track with nice organ background, kinda similiar to Iron Butterfly's idea of how psych song should sound like, but with mellow and sweet vocals temptingly pulls you into this album. Part II with great sitar playing became my favorite track of this album and it mesmerized me after only one play. Chilly, relaxed and in Ravi Shankar's style - can't go wrong with that. Part III is however rougher than first two parts, offering more rock and roll, psych rock, noise rock and avant garde in one shot - and that's where The Velvet Underground similarities began. Part IV made touch with blues, where harp playing is present through whole song. First part of "Love Find Will A Way" starts mysticly and slowly, bringing unexplainable joy of just listening that song, and maybe, if lucky, holding doobie to this song. Part II starts with noisy riff and continues on through whole song, lasting 7:05 and bringing average jam in the middle of the song. Third part it's the peak of noise rock on whole album. Guitar is so fuzzy you hardly hear the voice, but atmosphere is achieved - messed and unclear. You'll love this album if you search for heavy psyched out The Velvet Underground-influenced band, rare early 70s avant-garde scene mixed with some mellow and cool vibe.


The Electronic Hole exists in a strange netherworld between Cosmic Michael-style endearing ineptitude and strangely effective, stuttering, trance-inducing folk-rock sounds. The main problem, or charm if you want to see it that way, is that the Electronic Hole's ambition tends to outstrip their playing abilities. Drums stumble, vocals waver off key, and the rhythm guitar tends to get a little distracted. On the more conventional songs, this doesn't work out very well. Fortunately, there are some longer, droning tracks which make for a far groovier listen.

My view on this album is that the songs under five minutes are pretty disposable, but the ones longer than that are worth a listen. "The Golden Hour Part IV" is like a distilled, sloppier "Venus in Furs" with a garage-band plunking bassline driving it along, while "Love Will Find A Way Part II" has a fuzzed-out minimalism that strikes me as a predecessor to the signature Spacemen 3 sound. "Love Will Find A Way Part III" is one of those raga rockers that tend to shoot straight for the sweet spot in my ear. Meanwhile, tracks like the opening "The Golden Hour Part I" test my patience a bit as we hear the band attempt a sunburst West Coast rock sound, yet the band can't play their instruments very well and their ability to stay in time with each other is even worse.

Although harbouring some serious flaws, the Electronic Hole's long player has at least half of a pretty hep album for you psychedelic junkies. Hey, that's all Love's "Da Capo" can lay claim to as well. Anyway, you can start the dirty jokes about the band's name... now. (source)
4 comments
Posted in , , ,

Michael Gibbs - Tanglewood 63 (1971)


This is flawed music. At Those moments when the fusion works, a beauty of both depth and proportion results. But Gibbs, as many of the composers who walk the line between jazz and more formal musics, appears often unable to keep his overall vision of a work in focus.

All too often, valuable motive material is allowed either to lapse undeveloped, as in Tanglewood, or to dissipate itself in extension across greater lenght than its content allows.

Tanglewood begins with great promise, Pyne's trombone introducing a theme which strongly evokes the pastoral setting of western Massachusetts in summer. The brass are all sunlight and clear mornings, the forward motion spirited and irresistible. But somewhere in the round of extended solos which follows  - Lowther's lyricism begin a standout - the thread is dropped. The piece ends inconclusively in the bleastings of Robert's tenor, as though Gibbs had been unable to make up his mind how to resolve it, or had somehow lost the central idea with which he began.

After the meaningless bombast of Fanfare, cello and strummed guitar evoke a hauntinngly melodic frame of reference for Sojourn. But that is all it is; the content remains essentially static, is extended rather than actually developed, and finally slips away into directionless twitterings by the reeds. Again, promise unfulfilled.

It is only with Canticle, commissioned for a July, 1970, concert at Canterbury cathedral, that Gibbs introduces, develops and sustains a coherent pronoucement. In and elusive, yet effective way, it seizes the Dasein of the church, on both physical and symbolic planes. It is a work of expansive, brooding beauty, fitfully lit in the blues and reds of stained glass. In its structual balance and very tonal relevance it must be counted a major work, one on which Gibbs can be judged. Favourably so.

The set ends disappointingly with Five, a jazz-rock excursion for Spedding which struck me as a pointlessly repetitive bit of spacefilling, coarse after the majesty of Canticle.

Gibbs will achieve in time the balance and consistency of focus which are the hallmarks of a major composer. If there was any doubt before that he is certain to grow into such stature, Canticle should be enough to dispel it. For that work alone, this is a record to own.

Collective personnel:
  • Ken Wheeler, Henry Lowther, Harry Beckett, Nigel Carter - trumpet, fluegelhorn
  • Chris Pyne, David Horler, Malcolm Griffiths - trombone
  • Dick Hart, Alfie Reece - tuba
  • John Surman, Alan Skidmore, Tony Roberts, Stan Sulzmann, Brian Smith - reeds
  • Chris Spedding - guitar
  • Mick Pyne, John Taylor, Gordon Beck - keyboards
  • Frank Ricotti - vibraphone, percussion
  • Roy Babbington - bass guitar, bass
  • Jeff Clyne - bass
  • John Marshall, Clive Thacker - drums
  • Tony Gilbert, Michael Rennie, Hugh Bean, George French, Bill Armon, Raymond Moseley, Geoff Wakefield - violin
  • Fred Alexander, Alan Ford - cello
  • Michael Gibbs - arranger, conductor
1 comment
Posted in , , , ,

Gary Bartz Ntu Troop – Harlem Bush Music - Uhuru (1971)


An essential record from Gary Bartz – one of two albums he cut with Andy Bey, and the killer group he was calling his NTU Troup! Andy's vocals are incredible – light years ahead of anything he did with his sisters, and similar to those he laid down on his own solo album for Atlantic, and on Blue Note sides with Horace Silver – a righteous mix of jazz and soul, with a burning intensity that makes the political themes of the tracks come out strongly. The album includes one of Andy's all time classics – the original 7 minute version of "Celestial Blues", plus the fantastically grooving "Uhuru Sasa" – as well as the cuts "The Planets", and "Blue (A Folk Tale)". And Gary Bartz is pretty great too – dropping in these angular reed lines that really give the record an edge, and which sound totally great next to Bey's vocals! © 1996-2013, Dusty Groove, Inc.

Gary Bartz - soprano & alto saxes, first vocal & piano
Andy Bey - vocals
Juni Booth - bass
Ron Carter - bass & electric bass
Nat Bettis - percussion
Harold White - drums

1 comment
Posted in , , , , ,

Fire! with Jim O'Rourke - Unreleased? (2011)


Mats Gustafsson jest jednym z najbardziej charakterystycznych saksofonistów naszych czasów – stawia na silną, brutalną wręcz ekspresję. Lideruje też grupie Fire!, której skład uzupełniają: basista Johann Berhling oraz perkusista Adreas Werliin. Do nagrania drugiego album zaprosił guru muzyki eksperymentalnej – amerykańskiego gitarzystę i laptopowca Jima O’Rourke’a. Efekt tej współpracy jest dość zaskakujący jak na dotychczasowe możliwości grupy. Sekcja rytmiczna gra transowo i trzyma się ram kompozycji – skojarzenia z krautrockową motorką Neu! czy psychodeliczną aurą Faust, to pierwsza wskazówka dla słuchacza. Cała reszta to oczywiście saksofonowe szaleństwa Gustafssona, które doskonale uzupełniają się z gitarowym jazgotem O’Rourke’a. "Unreleased?" można uznać za bardzo udany mariaż free jazzu, industrialu i współczesnego minimalistycznego rocka. (machina)


Mats Gustafsson’s Fire! have significantly raised their game since the release of their 2009 debut, You Liked Me Five Minutes Ago. While that collection was a perfectly satisfactory demarcation of the trio’s sprawling, groove-laden template, it never quite caught, ahem, fire. Unreleased?, on the other hand, is a pyro-spewing, laser-radiating monster of a record.

Recorded with the help of guest collaborator Jim O’Rourke in the ex-Sonic Youth man’s new home of Tokyo, it comes tearing out of the traps like the Kraken racing out of his undersea lair prior to a ravaging of ancient Joppa. Offering a far more cohesive collection than its predecessor – the group apparently clearer as to the desired constitution of their extended combustibles – each individual entry forms a finessed study in nervy tension.

Sure, it might be tempting to put this all down to the presence of O’Rourke, but his contributions, such as the Spaghetti Western harmonica on the troublesomely titled By Whom and Why am I Previously Unreleased?, while exquisitely judged, seem limited to that of tonal colouring. No doubt about it, the lion’s share of the plaudits should go to the original trio. Their grinding meaty swagger, rising from smouldering embers, create a tumultuous psychedelic brew, like a slow-burning rogue hybrid of The Necks, Bohren & der Club of Gore and a slew of 70s kraut-rocking acid casualties.

Johan Berthling (bass) and Andreas Werliin (percussion) now comprise an audaciously adept rhythm section, anchoring these expansive, incendiary workouts, while generating enough kinetic zip and flow to propel them through a series of loping, meditative lurches. They manage to strike the perfect balance between grace and malevolence. However, it’s left to Gustafsson himself to ignite the petrol-drenched touch paper, fingers of flame erupting from the scalding bell of his tenor sax, incinerating the stack with a torrent of never-ending napalm. (bbc)
3 comments
Posted in , ,

Dedalus (1973)


Dedalus…. Włochy, rocznik 1973. Te dane już powinny wywoływać w nas odruch Pavlowa i powodować szybsze bicie serca… U mnie to tak działa. I dobrze mi z tym. Wychwytuję dzięki temu pozycje na które nikt nie zwraca uwagi. Bo i niby czemu ktoś miałby zwracać uwagę na jakichś tam przedpotopowych makaroniarzy z idiotyczną okładką…? Mnie zaciekawili…. Pamiętam , był to rok 1990 w krakowskim klubie „Pod Przewiązką”. Kupiłem w ciemno, nie bardzo wiedząc czy to włoski rock symfoniczny, hard rock, czy też słodkie San Remo. Po powrocie do domu wygoniłem kocura z fotela, przygotowałem boski napój i odpaliłem sprzęt. Już pierwsze sekundy potwierdziły zdecydowaną słuszność zakupu – zarówno napoju jak i płyty - fusion, światowa ekstraliga… To jedna z nieznanych perełek Złotej Ery, mistrzowskie połączenie psychodelii i jazz rocka. Słychać dalekie echa rozimprowizowanego Crimson z okresu Islands i Soft Machine z czasów legendarnej „5”. Czuć Canterbury i …wielką radość z tworzenia tych dzwięków. Swietna gitara, porównywalna z McLaughlinem, znakomity sax i wielkie, genialne skrzypce , natychmiast przywodzące na myśl Jean Luc Ponty’ego , Didier Lockwood’a , lub ( a może najbardziej) Davida Cross’a. 38 minut wspaniałego fusion. 38 minut wielkiej muzy zagranej przez wielkich muzyków. Polecam wszystkim miłośnikom wczesnych, wspaniałych improwizacji i bogatych aranży. Dla amatorów włoszczyzny – jazda obowiązkowa, zaś fani fusion - na kolana i czapki z głów! Oczywiście jak zwykle, moim, cholernie subiektywnym zdaniem….  Aleksander Król


In the basement of a power station in Pinerolo, Fiorenzo Michele Bonansone asked Marco Di Castri to play in his own group of experimental music. When the bass player and the drummer get replaced by Furio Di Castri and Enrico Grotto the group decide to play their own music and call themselves Dedalus. Sources of inspiration are Nucleus, Miles Davis, Bach, Soft Machine, Webern, Stockhausen, Adorno, iean-Luc Godard, Einstein, Joyce, mountains, night trips from Pinerolo to Torino, etc. The contribution of the Di Castri brothers is determinant for the style of this first phase

1973
Dedalus moves from the basement in Pinerolo up to a rehearsal room in a garret with a view on FIAT Lingotto’s superlelevated test track. A tape with original music is submitted to the attention of a well-known record label in Torino which returns it because “it’s like your music in on the seventh floor and the audience is on the ground floor.., you should go down a few floors at least”.In the Summer, the group is invited to play at the Napoli Avantgarde and New Trends in Music Festival. Dedalus is the revelation of the festival. Three major labels offer contracts for the first record, but Dedalus chooses a new label based in Milano called Trident, which seems to assure more creative freedom. In the Winter the first LP Dedalus (recorded at the Regson studio in Milano) is released and gets wide broadcasting on the radio. Italian tour.

1974
Enzo Carabetta, an alto sax player, joins temporarily the group in a series of concerts with the Circoli Ottobre for the campaign for the referendum for divorce. In the Winter they record (at the Format studio in Torino) the second LP Materiale per tre esecutori e nastro magnetico, without Carabetta and Furio Di Castri, who is already starting his career as jazz bass player. The record presents a crucial turn in Dedalus’ music. All references to any codified musical genre are abandoned to go in for a radical experimental approach to electronic music and musique concrete, improvisation and noise. Fiorenzo Bonansone adds new elements coming from contemporary classical, concrete and electronic music and composes most of the pieces.

1975-76
The second LP is released. Despite Trident’s discontinuance and the listening difficulty of the music, a few thousands copies of the record are sold. Concerts in Italy.Dedalus compose and record new material for a third LP which will remain unreleased until today. This material was a synthesis and clarification of the experimental research of the second record. Concerts in Italy and France.

1977
Enrico Grosso quits the group. Bonansone and Di Castri record some more material as a duo and play together with other musicians such as Steve Lacy. In the Summer, Bonansone and Di Castri make a trip lasting a few months through Turkey, Iran, Afghanistan, Pakistan, India and Nepal, carrying with them sax and cello.

1978-79
A period of experimentation, both with enlarged groups and with solo concerts. Search for new structures to organize improvisation with musicians coming from classical and contemporary experiences. At the end of 1979 the Dedalus group has practically ceased to exist.

1980-89
Dedalus broods underneath. Marco Di Castri makes videos on contemporary art for which he also takes care of the soundtracks. He stops playing in front of audiences but keeps on studying guitar and makes some experimental recordings. Fiorenzo Bonansone returns to his interests for musique concrete and devotes himself especially to the exploration, recording and utilization of nature’s sounds. He simultaneously begins studying composition again and joins several chamber groups. Enrico Grosso plays drums and percussion in several jazz and fusion bands.

1990-93
Bonansone, Di Castri and Grosso decide to revive Dedalus. A period of research and analysis without playing live follows. They rework and examine thoroughly the ideas at the basis of the material recorded and elaborated from ‘76 to ‘78.

1994-95
A period of live experimentation with different line-ups (duos, trios, quintets) including musicians coming from different musical experiences (classical, jazz, contemporary). Concerts in Italy.

1996-97
While part of the unpublished material of the 70’s is being prepared to be released on compact-disc, Enrico Grosso, for family reasons, must definitively quit, the group records in June1997, with a new line-up, the album Pia visione, which gets private distribution. The house “Elica” produce the CD “Pezzi inediti + materiali ....” that includes part of the unpublished material of the 70’s and a reprint of part of second LP “Materiali per tre esecutori e nastro magnetico”.In 1999 Marco Di Castri also must quit. In 2001 F.M. Bonansone renames Dedalus as Bonansone Dedalus-group that becames Dedalus Bonansone in 2002. The group now is made up F. M. Bonansone, cello and piano, Riccardo Chiriotto, trombon, Anita Cravero, flute. just awesome! (source)
2 comments
Posted in , , ,

Booker T. & The MG's - Hip Hug-Her (1967)


Many people say that Hip Hug-Her is the best album ever released by Booker T. & the MGs. While that's up for debate, this certainly is one of the legendary quartet's greatest achievements. Donald "Duck" Dunn replaced original bassist Lewie Steinberg, and this was the second album with Dunn as a permanent member. This is the album where the four musicians merged into the most formidable instrumental unit the world has ever known.

The title cut is just pure prime time Booker T. & the MGs. Booker T. Jones is playing with a newly found confidence, and this was the first single they released with Jones playing the Hammond B-3 organ. The B-3 itself could be partly responsible for Jones's swinging playing style, and he would use this type of organ on almost every track the group would eventually record. Tight as can be from start to finish is drummer Al Jackson, Jr., with that perfect snare sound and as usual, this album is full of great moments from him. No wonder, considering he started playing in his father's famed Jazz/Swing band when he was five years old, his work on the jazzy "Pigmy" and "Booker's Notion" (which obviously features terrific work, both on piano and organ, by Jones) is superior to any drummer I've ever heard in the Jazz world.

The interplay between this band is rivaled by none, particularly the backbone of Dunn, Jackson, and Soul guitarist numero uno Steve Cropper. The hip shaking and perfectly titled "Soul Sanction" and especially the great "Double or Nothing" (which though used as an encore to this day at their concerts, will not be found on any MGs compilations) display their tight, yet seemingly effortless, playing that was the envy of groups such as The Beatles, Rolling Stones, and Z.Z. (amazon)


Booker T. Jones - Organ, Piano, Keyboards, Bass, Guitar
Steve Cropper - Guitar, Percussion, Piano
Donald "Duck" Dunn - Bass
Al Jackson, Jr. - Drums

The title track is the band at its best: attention-grabbing guitar hook, soothing organ melody, razor-sharp interlocking-groove performance. Their cover of the Young Rascals' "Groovin'" - a Jones organ showpiece - was also a hit single. There are relatively few covers, and they're fun (the Temptations' "Get Ready," Bobby Hebb's "Sunny"). And for once, the minor album tracks kick butt: "Double Or Nothing" is a full-throttle R&B workout; "Slim Jenkin's Joint" is sly and bluesy; "Booker's Notion" is an amusing stride piano exercise. --David Bertrand Wilson, WARR.org

Still riding high years after the success of "Green Onions," Hip Hug-Her is another 11-song solid session of Southern soul delivered by one of the best bands in the business. In an attempt to appeal to the up-and-coming mod movement, the cover features an alluring model flanked by fashionable faceless people. But not to judge the album by its cover, Hip Hug-Her finds the group diving deeper into soulful territories, no doubt aided by the addition of bassist Duck Dunn to the fold. The title track is clearly one of the stronger cuts on the album, but other tunes such as the midtempo Motown anthem "Get Ready" and the group's interpretation of "Groovin'" make this one of the strongest full-lengths in the Booker T. & the MG's catalog. ~ Rob Theakston, All Music Guide
    Serpent.pl